平面攝影設計

2018.04.27 前製編劇導演

直擊亂世真面目——MV導演Romain Gavras揭示荒謬的現實景象

患有白化症的男子與其夥伴，在近似荒廢的無人之境，漫無目的地遊蕩閒晃。而後，數百名染金髮的亞裔男孩群起聚集，在仿造的艾菲爾鐵塔底下，層層包圍白化症男子，隨電子節拍奇異地旋轉、擺動肢體，呈現沉靜又衝突、抑鬱且荒謬的奇異美感。 這是法國導演Romain Gavras，為Jamie xx的暢銷單曲〈Gosh〉所執導的MV，風格前衛而大膽。Romain Gavras長年從事MV創作，曾和M.I.A、Jay-Z、The Last Shadow Puppets等歌手、樂團合作，致力於將音樂影像化，並加入政治批判色彩。他曾在接受專訪時說：要以獨創的視覺風格，「征服」這個影像氾濫的世界。 捕捉真實視野——手持攝影的紀實特色 「我們只需要一台攝像機，和一群活力十足的朋友。」——導演Romain Gavras 現今36歲的Romain Gavras，已接觸影像創作20餘年。其父親為曾獲坎城、柏林影展肯定的電影導演Konstantinos Gavras（又稱Costa-Gavras），因此他從小耳濡目染，自14歲起便與好友製作短片，而後創立「Kourtrajmé」組織，致力於推廣法國的嘻哈文化、塗鴉藝術，融合音樂、時尚與社會批判意識，以小編制劇組拍攝紀錄影像。 Romain Gavras青年時期的作品，充滿實驗氣息，經常以手持攝影捕捉畫面，自由隨意地推進、拉遠與被射物的距離，並大量剪輯繁瑣素材，搭配極富節奏感的嘻哈、電子音樂，達成風格強勁、甚至具挑釁意味的視聽作品。 手持質感仿冒紀錄片：電子樂團Justice〈Stress〉MV 當Romain Gavras轉而為較大牌的音樂人拍攝MV時，影像仍保有實驗性質。他在十年前為法國電子樂團Justice拍攝的〈Stress〉，即是仿紀錄片形式，描繪一群巴黎青年搶劫遊客、騷擾女性、放火燒車，呈現歐洲政治、經濟緊繃的時局下，人們無處宣洩的壓力，僅得以暴力回應。 MV推出後即受大眾強烈批評，認為當中的影像鼓吹暴力，但Romain Gavras認為自己僅是呈現真實，並無刻意煽動，他說：「我沒有試圖做有爭議的事，否則妓女、納粹分子也會出現。」MV雖反面聲浪不斷，但仍創下極高點擊率，《PopMatters》雜誌甚至將其駭人驚悚的程度，與Michael Jackson的劃時代MV〈Thriller〉比擬。 揭示亂世浮生——以鏡頭直擊哀鴻遍野的暴力 歌手M.I.A的〈Born Free〉MV：...

2018.04.21 前製編劇導演

偏執驚狂的影像宇宙，《黑天鵝》導演、攝影完美攜手合作

近期金馬奇幻影展重映的《噩夢輓歌》，描繪癮君子浮沉於藥物的夢魘人生；獲奧斯卡肯定的《黑天鵝》，劇情為由Natalie Portman演繹的女舞者，迫於壓力走向精神崩潰的過程；去年的爭議之作《母親！》則以女性視角，展開一段跨度性別、政治、宗教指涉的驚悚辯證。 上述作品，皆出自導演Darren Aronofsky與攝影指導Matthew Libatique之手。兩人結識二十餘年，長年合作共六部長片，致力於融合綺想與現實，打造獨有的影像風格，呈現角色繁複細膩的內心，創作出全新的敘事可能。 極端視覺風格化——首尾貫徹的影像語言 「你越快讓觀眾認同那種語言，他們就越快了解你在表達什麼。」——攝影指導Matthew Libatique 攝影指導Matthew Libatique在美國電影學院中，認識同為學生的Darren Aronofsky，觀看後者的短片《掃描超市》受極大震撼，他說：「它（電影）流露著一種原始的活力與情感，讓我自然而然就跟它產生共鳴。」兩人因此結下緣分，立志要一同在影壇闖蕩。 Matthew Libatique說他們的合作共識，即是為每部電影，發展出獨一無二、首尾貫徹的影像語言，「這樣不論你在攝影機前呈現什麼，不管是現實或幻想，觀眾都能吸收。」 《噩夢輓歌》中「嘻哈蒙太奇」的技法運用： 《噩夢輓歌》使用繁複鏡頭建構夢魘 《噩夢輓歌》為兩人早期代表作之一，故事描繪毒癮者，自幸福至悲痛的心境轉折。他們以拍攝方式、鏡頭語言、剪接手法，貫穿主題——「毒癮後的噩夢」，造就大膽而細膩的影像風格。 攝影以35mm底片拍攝，使用Panavision Panaflex Gold II等多種機型。片中，Matthew Libatique多處使用俯角拍攝演員，並以廣角鏡頭，呈現角色眼裡的扭曲世界，顯示人物的卑微渺小，以及變質的內心狀態。 片中也嘗試大量拍攝「物質」鏡頭，例如：塗麻藥、注射毒品、瞳孔放大的特寫畫面，並快速變換剪輯影像。Darren Aronofsky將此手法稱為「嘻哈蒙太奇」，呈現毒癮者興奮、接近偏執的感受。片中共拍攝2000顆鏡頭，遠比一般長片的600至700顆高出許多。 另一個大膽嘗試，為將畫面一分為二，從不同人物角度，描繪相同場景事件，其一即是男女主角的親熱場景。Darren Aronofsky說明，角色依靠毒品製造歡愉，逃避現實痛苦，「我想表達這樣的感情，因此想到這種方法，他們既是親密，卻又註定會疏離。」...

2018.04.12 DCTALKS專欄

DC TALKS專欄｜楊川宏——攝影師的反骨精神，關係於「腦內革命」的成果

 TALKS：楊川宏 ｜ PICTURE：楊川宏 攝影作品 ｜ EDIT0R：劉家寧 「不停思考、嘗試創新，這是攝影師必須具備的『反骨』精神。」 接續上輯《透過不同的介質轉換，呈現光質間的「灰色地帶」》的文末，楊川宏老師談到，光線的變化性之龐大，而關於光質間的「灰色地帶」，也還有許多例子可以分享。 但其實光質間的「灰色地帶」，即奠基於攝影師腦內的「思考過程」，必須不厭其煩地嘗試、創新，才能呈現最終的成果。川宏老師建議攝影師應多看大師的作品，並從中逐漸轉化為個人風格。他提起一位影響他很深的攝影大師——Irving Penn，並與我們分享他的靜物攝影集《Still life》，告訴我們他創作時的靈感來源。 「我從沒見過，有人可以把煙蒂拍得這麼美。」 「Photographing a cake can be art.」為Irving Penn的名言，在這位攝影大師的眼中，所有東西都脫離了既定印象，轉化成符號，即使是平凡無奇的東西，也能拍得像是藝術作品一樣，這也是川宏佩服他的原因之一。 川宏表示，自己拍商品的概念源自於他，時常從看似不起眼的日常中尋找靈感，搭配其他道具，賦予物件全新生命，使其變為獨特的美麗影像。(圖為Irving Penn的著名作品 《Cigarettes》) 而關於光質的「玩法」，川宏表示，也有許多創意可以發揮。除了運用不同介質和器具，改變光質的呈現外，有時利用現場環境，改變拍攝方式，也能營造出不同氛圍。如「繞射」的運用，也是值得探討的主題之一。 光線與背景間的關係——「繞射」的秘密 「閃燈只是光源，發光體可能是別的物體。」...

2018.04.06 平面攝影設計

用「iPhone」拍攝電影——智慧型手機開創影像新型態

自從智慧型手機問世以來，人們越來越倚賴透過手機內的相機功能拍照。每當新機種推出時，高畫質、大光圈等拍攝規格，都已成為賣點之一。甚至有些廠牌，會將自家相機功能媲美為「像帶單眼出門一樣」，吸引消費者購買。 而面對日臻專業化的手機性能，相機規格也日益提升，有越來越多導演，開始利用「iPhone」來拍攝電影，成為新型態的拍片手法之一。 獨立導演Steven Soderbergh（史蒂芬索德柏），無論在拍攝方式，或是影片發行方面，向來都勇於創新。但他曾在2013年表示過不再拍片，並表示：「我想要找到，能夠把電影發行擴大的方法，並且讓電影工作者們獲得一定經濟效益，這是需要時間的。」2017年，Soderbergh又以《羅根好好運》「復出」。在這段期間，他試圖找出新方法，要改變電影的拍攝和製作規則。 正因為Soderbergh看見智慧型手機拍攝的前瞻性，所以決定在今年推出，低成本恐怖片《瘋人院》（Unsane）。全程使用iPhone 7 Plus拍攝的《瘋人院》，幕後拍攝僅花費十天就順利完成，讓該片的討論度及話題性，在上映前就炒得十分火熱。 《瘋人院》預告 捨棄昂貴器材，讓iPhone一支獨秀 「對《瘋人院》幕後製作不知情的人，絕不會發現這是用iPhone拍的電影。」 ——導演Soderbergh。 Soderbergh簡單解釋了為何選用手機作為拍攝器材，他說：「其實也不是基於預算之類的問題，就只是個創意之舉。而且手機能帶給人一種熟悉感，甚至可以忘卻它的存在。」Soderbergh認為，使用iPhone拍攝，可以更容易且直接地捕捉特寫鏡頭。除了有助真實傳達演員情緒給觀眾外，對於《瘋人院》多疑、神經質的氛圍，也有所推波助瀾。 善用額外輔助器材與App iPhone 7 Plus是搭載雙鏡頭的蘋果手機。一顆是光圈f/1.8、具有OIS光學防手震（Optical Image Stabilization）的廣角鏡，另一顆則是光圈f/2.8的長焦鏡頭。 Soderbergh使用iPhone 7 Plus 4K錄影，並以FiLMiC Pro這款App，控制快門、色調與對焦等等。電影中只有少數場景，是使用原始iPhone鏡頭和功能錄製，其他時候，手機會裝上Moment 18mm、60mm和魚眼鏡頭，並輔以DJI的手機三軸穩定器（DJO Osmo...

2018.03.15 前製編劇導演

魏斯安德森跨界拍廣告，招牌構圖緊抓客群的心

近年來深受影迷喜愛的導演Wes Anderson，其作品《歡迎來到布達佩斯大飯店》影像風格奇幻風趣，情節諷諭歷史與政治，兼富形式與內容之深度。今年初，他所執導的動畫《犬之島》也大獲好評，最終摘下柏林影展「最佳導演銀熊獎」。 然而，在影壇地位逐漸穩固同時，這十餘年間Wes Anderson也多次跨業拍攝廣告，合作對象包含：H&M、PRADA、美國通運、日本電信巨頭SoftBank….等。他仍運用其標誌性的對稱構圖、豐富飽滿的色彩，令傳統商業廣告更吸睛，持續擴展「魏氏」的影像宇宙。 對準你的雙眼——對稱置中的構圖 「我對這種（構圖的）秩序，有極度特殊的需求。」——導演 Wes Anderson 普遍電影學院未必鼓勵極端的「對稱構圖」，認為不應讓影像過於不自然、戲劇感。但追求精準、完美的對稱或置中特色，在Wes Anderson的創作史中日趨重要，至《歡迎來到布達佩斯大飯店》早已運用得爐火純青。 Wes Anderson大方承認，他可能不自覺受到Stanley Kubrick影響（同樣以對稱構圖聞名）。但同時「對稱構圖」也因應拍攝時的需要，他解釋：「我會運用這種技法，是在希望這場戲不要剪接太多，又必須準確捕捉某個重要事物時。」這時Wes Anderson便會將被攝物置於中心，以對稱方式呈現背景，便是既能凸顯主體且顧及場景的方式。 2010年與長期合作編劇的Roman Coppola，共同執導時代啤酒廣告時，情節描述女孩受邀至富家子弟家中約會。場景客廳中的電視、壁畫、沙發都呈完美對稱，並且鏡頭近乎始終置中對準主角拍攝，或者更重要的產品——啤酒上，更能有效彰顯廣告的重點。 時代啤酒廣告《Le Apartomatic》： 》 增加影像的活潑度：Tracking Shot 「Wes總是在努力簡化，並找到實現某些想法的新方式。」——《都是愛情惹的禍》攝影指導Robert Yeoman 除工整的對稱構圖外，Wes Anderson活潑的Tracking...

2018.02.01 DCTALKS專欄

DC TALKS專欄｜楊川宏——透過不同的介質轉換，呈現光質間的「灰色地帶」

繼上輯《從燈管開始淺談，平面攝影中的閃燈秘密》之後，楊川宏老師表示光線實在有太多有趣的部分可以聊了。這次他從燈管的比較，延續到「光質」的變化，與我們分享該如何藉由控制光質，讓被拍攝的人像或商品，呈現你想要的質感。 「光質間的『灰色地帶』最好玩。」 在平面攝影中，「光質」的控制會影響拍攝對象或商品本身紋理、色彩、陰影及中間調的呈現，運用不同的光質以及不同方式拍攝，呈現出的影像效果皆有所不同。 一開始我們先以「硬光」及「柔光」兩極化解釋光線差異，通常用硬光拍攝的畫面反差較大，產生的陰影輪廓較為明晰濃重，光感看起來較「硬」；相比之下，柔光則較為柔和，對比也較小，視覺呈現較平均，光感看起來較「輕柔細膩」。 但這並不完全是絕對，光質間有許多不同階層，透過不同的拍攝手法與介質運用，也是控制光質的方式之一。川宏說：「攝影不是非黑即白，介於柔硬光間的『灰色地帶』才是最有趣的部分。」 淺談光質差異，與「灰色地帶」的多樣性 對於柔硬光的差異，川宏舉例說明，若是想要刻意講求被攝體質感的話，通常會使用硬光，凸顯人像臉部細節或商品紋理，如在拍攝部分年長者人像時，用硬光拍攝更有味道。反之，青年人像可能較適合使用柔光拍攝。而，透過不同的器具運用，也能產生反差較大的柔光，這些光線的多樣性，都可以稱為是光質間的「灰色地帶」。 「光質與光比的運用是一個『相對論』。」 「光比」為影像中，亮部及暗部的比例。比例反差越大，光比也越大。而「光質」與「光比」是一種交互運用的平衡控制，要看拍攝對象或物品，以及使用的器具而定。即使是很硬的光，也能透過反光板、吸光布等介質，控制亮暗位的比例。如白色或銀色反光板可反射光源，適時補充暗部光線；黑色吸光布則可吸收、遮斷其他的光線，增加暗部濃度。 秘密配件，呈現不同質感與階調 川宏提到最近，日本朋友Akemi請他幫忙拍30歲生日照片，為了呈現高品質的細膩影像，他使用大片幅底片相機，4×5相機拍攝。由於大片幅相機拍出的影像尺寸較大，成像清晰之餘，畫面的層次感也更為細緻。 為了形塑人物立體感，拍出「柔中帶硬」的光線，川宏使用至今已經停產的BALCAR PRISMA燈罩。PRISMA燈罩，屬柔光罩的一種，但川宏解釋因其窄長造型設計，可以發散出射角較窄的光線，使影像內的中間調轉折豐富，呈現細長漂亮的畫面階調。 不同介質的運用——攝影就是多方嘗試的過程 廣義來說，通常會稱硬光為「點光源」，柔光為「面光源」，但主要還是依據光線與被攝體之間的距離而定。川宏舉例，拍攝人像時，若是把標準罩拉得很遠，相較之下，就會變成一個發光點，像太陽一樣；但相同的標準罩如果是拍攝鑽石，必須得將光源拉近，對物品來說，則相對成為「面光源」。 「運用不同介質，營造不同質感，是攝影最有趣的地方。」 在拍攝平面商品攝影時，有時就會透過「擴散器」，如：標準罩、雨傘、描圖紙……等，控制「點光源」到「面光源」間的光質差異。如拍攝金屬、珠寶類商品，由於物品本身容易反光，通常會使用描圖紙柔和光線，避免穿幫或過曝，控制反射在商品上的光線質感。有時，則是使用白色壓克力板，作為底部背景，達到反射商品倒影的效果，使商品更添層次及立體之感。 而攝影最有趣的地方，就是並不滿足於，每次只套用單一模式。川宏舉例，有一次，在拍攝鑽石商品時，原本也打算使用描圖紙來當作擴散器，控制光質，但是那次效果，怎麼樣都不滿意。所謂用心生活、用心攝影就在這時發揮功用。川宏突然靈光乍現，特地與朋友索取「手機內的擴散膜」來做拍攝使用，效果居然意外的好。 「我總是想著在拍照的當下，創造出更多選擇跟可能。」 「不停思考、嘗試、創新，是攝影工作應該具備的基礎。」川宏說多嘗試不同風格，多思考各種器具的應用，維持攝影的多樣性，是拍攝中最不可或缺的事情。而「灰色地帶」的呈現，即是腦力激盪後的創新成果。 除了運用不同介質改變光質外，有時利用現場環境，也能達到出乎意料的效果。他提到有一次，在金華酒店宴會廳的VIP包廂，拍攝主廚人像時，為了仿照餐廳原有燈光，他將光線直接打在桌面上，透過反射光源照亮人臉，感覺更為自然。而這樣運用現有空間營造氛圍的方式，也可以稱為是「二次反射」或「間接光線」的一種運用。 光質間的「灰色地帶」範圍之大，「繞射」也是有趣的主題之一，而關於繞射及更多光線的「玩法」，川宏老師還有許多經驗可以與我們分享，待下輯再續。    更多推薦閱讀： DC...

2018.01.07 DCTALKS專欄

DC TALKS專欄｜楊川宏——從燈管開始淺談，平面攝影中的閃燈秘密

「不過光線，我還想再講。」 在上輯《談肖像攝影，畫面是來自攝影關係的成果》的最後，楊川宏老師聊到了閃燈的秘密，但這個秘密必須從「光影」開始說起。目前較專注於人像攝影的川宏老師說，他從小就喜歡觀察光線，長大以後也被電影光影、人像光影、實景光影所吸引。  關於實景光影這一點，川宏老師也跟當代攝影師Annie Leibovitz相同，並不特定專愛棚拍光影。從拍攝《滾石》雜誌照片開始的Annie Leibovitz，至今創作了為數眾多的攝影作品，作品的光線常常帶有電影感般的迷幻、美麗。剛擔任攝影師的那幾年，她也曾經租了天花板挑高的空間，來當作工作室使用（每個攝影師都夢想擁有的工作室），但後來她發現，她最喜歡的，還是「實景」拍攝的照片。 在能夠靈活運用實景光線、棚燈光線之前，還是得先學習好基本的技術。川宏老師說，所謂的「風格」，其實是所有細節的總和。攝影師一定有許多的工具，硬體、軟體等，習慣使用的工具，以及拍攝模式，就會漸漸變成一種風格。而身為助理的時候，你的「老闆」，可能也會影響你的風格。 從燈管以及使用目的開始淺談閃燈的秘密 講到習慣用的工具，川宏老師拿出棚內的閃燈，開始說明。由於川宏老師早期接觸的燈具是法國BALCAR燈具，至今仍有習慣使用的BALCAR燈具（目前已停產）。但工具是會跟著時代改變的，近年川宏老師也有使用瑞士廠牌PROFOTO的燈具。而他講起為什麼至今BALCAR的燈具，仍然非常好用，關鍵在於燈管的設計是U型燈管。 環型燈管與U型燈管的比較 「U型燈管，zoom in zoom out 可以運用的面積很大。」 部分閃燈燈頭會有zoom in/out的設計，而燈管設計跟燈頭Zoom的效果，也是可以有加乘的作用。舉例來說，Ｕ型燈管的設計，在zoom in/out的表現上，發散到燈罩上的面積會有不同的效果。 因為環形燈管的主體是在底部的環形設計，受光面積其實是固定的，就算裝了燈罩，似乎也只有「內外的差異」，只有部分面積能吃到光線。而如果是Ｕ型燈管的設計，因為燈管是突出的，所以整個燈罩都是受光面，全燈罩的面積都可以運用，所以在zoom in、zoom out的差距上面，可以感受到光質的改變很大。而BALCAR的U型燈管設計，光感也很像太陽光，尤其拉的越遠越像太陽光。 而川宏老師講到他目前想要擁有逸品是BRIESE廠牌的燈具，除了燈管的設計是U型燈管以外，傘的設計也很優良。許多廠牌都是模仿此家傘罩的設計，因為傘罩與燈管在zoom in /out的過程中，光的hardcore（中間最亮點）控制可以非常精美呈現。額外的優點也是燈筒能與PROFOTO廠牌共用，省下一小筆預算。  PROFOTO D2...

2017.12.03 DCTALKS專欄

DC / TALKS專欄｜楊川宏——談肖像攝影：畫面是來自攝影「關係」的成果

TALKS：楊川宏 ｜ PICTURE：楊川宏 攝影作品 ｜ EDITOR：梁均婕  攝影棚內陳設吧台很少見，川宏的攝影棚就有。在巷內大樓的攝影棚內，川宏保留了一個空間設置小型吧台，並且把燈源預設好不同狀態。他示範性地切換開關，偌大的攝影棚，氛圍便立刻轉換，他笑著說，晚上就可以變成酒吧，還不錯吧。 「TALKS專欄」是影製所DC FILM SCHOOL新企劃，我們邀請到商業平面攝影界的專業攝影師楊川宏老師，與我們做「TALKS」系列特輯合作。  「我會做攝影，可能是從小就喜歡發呆跟觀察；後來，我確實發現，光影真的是讓我很著迷的事情。」    光影這件事情，在肖像攝影上面，更是扮演重要的角色。就像是電影裡的燈光與攝影之於角色，川宏在拍攝前期會對人物做功課、做創意發想。他發現吳興國老師的五官很有個性，於是採用「頂光」的方式，來捕捉吳興國老師立體的個性與容貌，也充分展現氣勢與特質，和吳興國老師一起完成一組有質感但又有「味道」的作品。 肖像攝影的最後成果，來自關係平衡的結果 川宏是怎麼與吳興國老師相處，並拍攝出雙方都滿意的作品？川宏認為攝影技術只是必備，但是「感性的觀察」與「倆方互動」，才是最關鍵的細節。 以其它時尚雜誌平面商業攝影的流程來說，通常是一整條專業流程：專業攝影師、造型師、梳化師、模特兒……一起合作完成的畫面。但，如果是肖像攝影，有時會遇到，被攝者其實並不熟悉攝影流程與步驟。 以川宏來說，近年合作對象，常是企業主老闆，或是某個領域領導者，或是專業人士。攝影流程對他們雙方來說，與其說是引導與被引導，不如說是「追求平衡關係」的過程。川宏補充，面對專業人士，更要拿出專業態度面對客戶，才能降低心房，贏得信任。 捕捉表演老師吳興國不同於舞台的一面  以吳興國老師為例，川宏如提案所展示，帶著專業燈具與攝影器材來到劇場，預計在吳興國老師覺得熟悉的環境中，試圖捕捉老師舞台上、下的不同容貌。但在一步一步專業流程的引導之下，吳興國老師最後卸下心防，展現不同於京劇或是現代舞蹈的肢體身段，主動玩起搖滾舞步。  細節的規劃與控制，就是專業的展現  前製期的創意展現 在擬定拍攝人物之後，川宏會細心搜集人物資料、新聞資訊、甚至是過往的報導，來幫助他理解這個人物的形象與性格。氛圍也很重要，創意發想出來的氛圍，決定了最後的場景，也會影響人物表現的態度。 決定場景以後，光線、時程、妝髮、服裝、被攝者的喜好，也都要掌握到，營造專業但安心的環境。被攝者的安心來自於，他們的擔憂，都被細心且專業地對待。 按下快門的那一刻 川宏說，所有的準備，在按下快門的那一刻，才算開始，而非結束。整個攝影過程，就像廚師做菜一樣，一定要細心觀察食材的變化，隨時觀察、掌握，就能做出擁有自己味道（風格）的料理。...

2017.11.09 平面攝影設計

獨立製片攝影大師——Robby Müller極簡、極美攝影分享

  「我們倆當時都沒有意識到，因為劇本裡短短兩行字，成為了我們拍攝『公路電影』的起點。」——導演Wim Wenders。 有人說，如果你想找車拍的參考資料，看Robby Müller的電影就對了，因為他幾乎把所有能拍的好看角度都拍過了。也許是誇飾，但當你看到Robby Müller掌鏡的電影畫面時，應該就會立刻被他的影像魅力給吸引住，而忘記要懷疑這句話。 Robby Müller是公路電影大師Wim Wenders（文溫德斯）長期合作夥伴，跟他一起合作的導演還有Jim Jarmusch（吉姆賈木許）、Lars von Trier（拉斯馮提爾）、 Steve McQueen（史蒂夫麥昆），大多是獨立製片的藝術導演。 當年Wim Wenders邀請他加入畢業短片製作，他們將只有2行字的劇本，拍成10分鐘的短片，這樣一拍，就愛上了公路，開啟了公路電影旅程，總共一起合作了40部左右的電影。 Jim JarmuschＸRobby Müller《不法之徒》不羈寫實之作： 《不法之徒》（Dawn by Law）經典開場：  「嘿茱莉，妳在這裡幹嘛？」 「我在觀察光的變化。」 早期導演Jim...

2017.05.04 創意分享

YUNI YOSHIDA 吉田ユニ 鏡框中的超現實

吉田ユニ的作品最近在廣告、產品設計、封面等視覺作品之中都能看到，其中她也是日本明星星野源、渡邊直美的愛用設計師，2017年5月在台北華山舉辦的渡邊直美個人展，展覽主視覺也是由吉田ユニ操刀，糖果配色加上直美本人身材的優勢，讓渡邊直美看起來就像當代藝術、像頂級的饗宴。  她的作品帶有強烈超現實感，不符合現實的大尺寸道具、漂浮空中的物件、像小鹿斑比一樣長型的臥躺模特兒，看起來像全CG特效作品，但其實她堅持佈景及道具必須真實。  在日本節目《JOUNETSU – TAIRIKU 情熱大陸》，以及其他訪談當中，她表示自己是一人作業並沒有聘請助理，但是有合作的造型師以及美術團隊，會協助她完成每次的設計。著名作品也包含春季日劇《東京女子圖鑑》主視覺，主演水川麻美高舉單腿躺在美妝品之中的畫面，也是全實景拍攝。  她會事先製作彩稿，方便與客戶以及造型、美術溝通，讓他們透過彩圖理解她的想像，和她打造出一幅幅奇異的視覺作品。 吉田ユニ很在乎拍攝的主題及被攝物的結合，2013年她為東京時尚週設計的賓士廣告，巧妙結合了3Ｄ技巧，這是第一次運用車子在她的作品裡，除此之外，她也將汽車以水平角度呈現，雖然很少有人這樣表現車子，但她覺得一台行駛在牆上的車是非常有力量，而且符合時尚女人的形象。 「我很小心的思考，萬一照片中有女人又有汽車，容易看起來像是汽車廣告，而不是時尚週的廣告。」 她事先設計好建築物的背景，以便在拍攝時，直接鋪在地面上製造3Ｄ效果。她也和美術團隊討論，背景需符合實際建築的比例，且必須能在攝影機裡面呈現出來。對她來說重要的是，如何與一般的汽車廣告區別，做出「時尚週的汽車廣告」，她也成功做到了。 今年她也受邀和台灣新光三越合作設計夏季購物節廣告DM，其中梯子、水溝蓋、及絲巾都是實景。 吉田ユニ獨特的設計風格，明確闡明每個作品，在2016年以自己的展覽 吉田ユニ  IMAGINATORY >，得到東京ADC大賞（Tokyo Art Directors Club，是日本知名的廣告獎項之一），吉田ユニ鏡框中的超現實世界正在持續擴大影響中。 東京ADC大賞，每年舉辦審查、入選展覽、年鑑及頒獎，是目前國際設計及廣告注目的獎項之一。 文章：梁均婕｜參考資料：吉田ユニ instagram, 吉田ユニ 作品網站, amazonfashionweektokyo,