平面攝影設計

2020.08.05 創意分享

時裝攝影大師Nick Knight的影像創作談：我認為「攝影」已死

英國時裝攝影大師Nick Knight，長年致力於當代時尚影像文化，與歌手Lady Gaga、Björk及知名服裝設計師Alexander McQueen等人皆有傳奇性的合作，在攝影、導演及影像設計等領域皆有建樹。 2000年網路興起之際，Knight率先成立時尚網站SHOWstudio，透過廣納影像創作人才，如攝影師、設計師與模特兒等，發揚時裝電影（Fashion Film）的創作形式，致力於開發不同媒介的影像表現手法。 文內將介紹Knight如何踏上時裝攝影之路，並在迎接網路時代後，積極應用跨媒體、數位後製及電影攝製等技術，徹底革新陳舊思維，讓「影像創作」概念成為自身的創作精神，亦使自己不再侷限於單一的攝影工作。 放棄從醫之路，思考時裝攝影本質 「攝影是興趣，也是樂趣，它是我求學生涯裡唯一的技術專長。」 大學以前，Nick Knight原本想要成為一名醫師，但在對學科失去興趣之後，他為了替心儀的女孩拍照，於17歲時開始接觸攝影創作。幾年後，Knight畢業於伯恩茅斯藝術大學攝影系，隨即以「光頭黨」為題材發行攝影集，並開始接案拍攝歌手、演員等人的肖像照，逐漸受到時裝攝影界關注。 28歲那年，Knight與日本時裝設計師山本耀司合作拍攝時裝照，他發現山本的服裝作品雖然不刻意暴露模特兒的性感部位，卻能以極為美麗且詩意的設計手法呈現性別特色，讓人看見到純粹的身體之美，而山本也指示Knight：「讓我看見我的想像。」促使他更深層地思考時裝攝影的本質。 嘗試挑戰「美麗」的定義 「我的目標一直是要突破美麗跟不美麗的界線。」Knight表示，由於他對「美」沒有個人定義，因此總是非常渴望顛覆主流媒體推崇的美感。例如，1990年代Knight為模特兒Sophie Dahl拍攝的作品，即是打破苗條身形代表美麗的既定印象，使豐腴身材也能夠展現獨到的美感。 勇於打破「攝影」的成見 「攝影師不是沒有感覺、沒有觀點的機器，他們是一群說故事的人。」Knight解釋，大多數人都期望攝影能夠呈現真實，但他認為攝影應該帶領我們接觸平常無法體驗的情感，令攝影師能夠在決定鏡頭、燈光等變因時，展現自己的所思所想。因此，當影像修圖、合成等技術出現時，Knight反而對攝影有更多的想像，並樂於接受電腦科技所帶來的改變。 ►延伸閱讀：GUCCI御用攝影師拍廣告，以電影為靈感捕捉時裝魅力 成為影像創作者，推廣時裝電影發展 「我認為人們有越來越多方式表達自我，包括透過各種媒介。這無疑是數位時代帶來的解放。」 「我認為『攝影』已經死了。」Nick Knight表示，隨著數位攝影及網路時代來臨，現在不論是相機、手機或攝影機等，皆能為大眾輕易取得與拍攝，而且有越來越多非平面的視覺呈現方式，例如互動展覽、3D列印雕塑等，都令他更傾向於稱自己為「影像創作者」，而不是狹義的「攝影師」。 此外，Knight認為：「網際網絡是一個非常民主的媒體。」他除了時常在社群網站（IG @nick_knight）分享自己的作品之外，亦持續關注全球文化與年輕世代的流行趨勢，展現追求時尚的精神。而他也認為，影像作品與其在畫廊展出，不如為日常生活的一部分，因為與普羅大眾進行「溝通」，才是影像創作者的使命。 類似插畫的攝影美學...

2019.12.26 平面攝影設計

藝術攝影師Alex Prager吸收電影美學，開創新奇超現實風格

美國藝術攝影師Alex Prager，從小在洛杉磯長大，受到當地的好萊塢電影創作氛圍影響，她擅長以精準的場面調度，控制畫面裡的細節，展現充滿電影感的超現實攝影作品，同時也跨足短片創作，並曾獲艾美獎等殊榮。 本文將介紹Alex Prager的創作啟蒙、攝影美學，以及短片作品等，看她如何汲取經典電影的影像內涵，並結合自身對日常生活的觀察，呈現與眾不同的攝影風格，讓觀眾能夠看見作品背後想傳達的寓意。 汲取好萊塢電影美學，燈光設計超現實風格  「我最感興趣的部分，就是探索現實與人造的雙重性。」 非本科系出身的Alex Prager，原本只是一名接待員，但她憑藉對藝術創作的熱忱，到處逛展覽、博物館等，試圖朝向繪畫領域發展。21歲那年，Prager偶然在博物館看見彩色攝影大師William Eggleston的作品，並深受其色彩運用的方式吸引，她立刻回家上網購買二手相機Nikon N90s，以及一本暗房的操作手冊。 「我總是著迷於那些『奇怪而尷尬的時刻』。」Prager表示，透過接觸街頭攝影，她觀察到每個人的服裝、表情等細節，其實都藏有不為人知的古怪故事；此外，她也汲取1960年代的電影文化，並參考導演Hitchcock（希區考克）、Fellini（費里尼）等人的作品，開創自己獨特的超現實影像作品。 復古燈光呈現創作觀點 「我喜歡1920-1950年代好萊塢黃金時代的打燈方式。」Prager解釋，她特別喜歡《綠野仙蹤》、《紅鞋》等歌舞片的美術服裝風格，並試圖捕捉日常生活裡，那些略為強烈、戲劇化的事物，因此她偏好利用燈光來美化那些古怪的人事物，凸顯飽和色彩的配置，令觀者能夠在鮮艷的畫面裡，感受到一股不安的情緒。 此外，對於人類的日常生活狀態，Prager有一番獨到見解：「無論是女人的妝容或者男人的衣著，我們平時的服裝都不能完整說明我們是誰。那些表象或許有真有假，但其實都是我們想為自己說的一個故事。」她也認為，唯有透過攝影或電影等影像創作，才能呈現人們隱藏在服裝穿搭之下的情感。 ►延伸閱讀：百名裸女攝影，Nadia Lee Cohen宛如60年代電影場景的鏡頭故事 專注畫面裡的細節，仿效經典老電影氛圍 「任何一個畫面裡的小細節，都是由我親自監督執行。」 2013年的個人攝影展「Face in the Crowd」，可謂Alex Prager最著名的系列作品之一；其中，這些照片的場景不僅遍及海灘、機場與城市街道等，穿著各式服裝的人物更高達30人以上，Prager補充：「我混合使用我的家人、朋友跟真實演員，藉此確保每一個人都有獨特的外觀與性格。」 進行創作時，Prager多以相機Contax645及80mm鏡頭拍攝，而且親自監督服裝、造型等技術環節，讓畫面裡的每一個細節都在掌控之中，藉以打造色彩鮮明的超現實主義場景，表現各種類型的獨特人物，她解釋：「看著這些沒有目標跟方向的人群，你會發現自己正在經歷的任何一種情緒都將被擴大。」...

2019.10.22 創意分享

一視同仁的特寫肖像，德國攝影師Martin Schoeller拍出平等與真實

德國攝影師Martin Schoeller不僅是《紐約客》（The New Yorker）專任攝影師，也替《國家地理》（National Geographic）、《時代》（Time）等知名雜誌拍照，其最知名的特寫肖像系列，上到影視、政商名人和球星，下到普通市民甚至街友，在他的鏡頭下，每個人都是呈現真實平等的存在。 本文將分享Martin Schoeller的攝影經歷與啟發，以及讓他聲名遠播的特寫系列的拍攝方法與攝影建議，一起來看看這位肖像大師，是如何看待「攝影」這件事。 白天作社工夜晚當酒保，因緣際會闖入攝影圈 「我以前認為，攝影師就只是一群喜歡討論相機的技術宅。」 ——攝影師 Martin Schoeller Martin Schoeller與攝影沾上邊，完全就是陰錯陽差。高中畢業後，他白天的工作是照顧一位硬化症殘障人士，晚上則當酒保以及服務生，直到朋友邀他一起申請攝影專業學校，他也只是抱著嘗試的心態答應：「有何不可呢？也許這會很酷！」 但Schoeller原本並不怎麼喜歡攝影，甚至覺得攝影師就像偷窺狂一樣，然而得知自己準備的攝影作品集，居然通過只有5％錄取率的學校時，他心想：天阿！也許這是一件，只要我努力做就能有所成就的事。自此，攝影才真正闖進Martin Schoeller的生命中。 從攝影助理做起，累積實務經驗 Annie Leibovitz是知名流星音樂誌《滾石》（Rolling Stone）雜誌御用攝影師音樂人John Lennon（約翰藍儂）遇害前幾個小時，與妻子小野洋子的這張合照，便是出自她手 接觸攝影後，Martin Schoeller擔任過許多攝影師的助理，但攝助錢少事雜，他認為必須想辦法跟在自己欣賞的大師身邊，才能真正學到寶貴經驗。為此，他存錢前往紐約毛遂自薦，希望能為最喜歡的攝影師Annie Leibovitz、Steven Meisel，或者Irving...

2019.06.09 創意分享

當奧迪變成微縮模型，攝影師Felix Hernandez拍出最「小」汽車廣告

拍攝沙漠裡奔馳的跑車是件大工程，但若你找上攝影師Felix Hernandez合作，整個拍攝計畫將會「縮小」許多。 來自墨西哥的Felix Hernandez，擅長以微縮模型結合電腦後製，創造一幅幅細緻逼真、天馬行空的攝影作品。他的創作亦吸引著各大品牌的目光，奧迪汽車（Audi）更兩度與之合作，為旗下出產的R8系列跑車，拍攝幾可亂真的商業廣告。 「我喜歡編輯照片和電腦後製的藝術，但直接透過相機製造效果，才是真正讓我覺得很酷的事。」Felix Hernande說。本文將分享精彩照片幕後，攝影師Felix Hernande是如何實現腦中的奇思妙想，運用各種素材與拍攝技巧，帶領觀眾走進他親手打造的微型世界。 (Project for: Audi Middle East) 以1/43迷你尺寸，拍攝奧迪汽車廣告 「當你拍攝的模型有著越多細節，最終呈現出來的效果就越真實。」 —— 攝影師Felix Hernande 即便在微型攝影的領域中如魚得水，但與中東版奧迪合作的跑車廣告，對Felix Hernande來說，仍是個格外棘手的挑戰。「我通常會使用1/18大小的模型，但這回我受託以1/43的尺寸，捕捉一系列照片。」Felix Hernande說，「這是我第一次，用這麼小的模型進行拍攝。」 移軸鏡頭與細緻打光，為影像創造真實空間感 除了細節會隨著尺寸變小而不易顯現外，如何建立真實的空間感，也是微縮模型攝影必須克服的難題之一。 一般在拍攝迷你物件時，會利用微距鏡頭（Macro Lens）結合疊焦技術（Focus Stacking...

2019.04.25 創意分享

寵物攝影拍攝指南，10個訣竅讓你完美捕捉毛小孩身影

軟萌可愛、活潑好動的貓狗寵物，一直是深受人們歡迎的攝影題材；但無法預測行動、難以用語言溝通，也使牠們成為最難掌握的拍攝對象之一。針對器材設置、互動方式等動物攝影常見的問題，本文將整理10個有關的小訣竅，作為規劃拍攝的指引和參考，讓你透過鏡頭完美捕捉毛小孩身影！ 1、調整鏡頭視角 進入動物世界 不論拍攝對象的體型大小，你都可以試著將鏡頭視角，調整至與牠們的雙眼持平的高度；這能獲得進入動物世界般的效果，創造與觀看者間的情感交流，並為影像帶來獨特趣味。面對身型較小的動物，你可以選擇蹲低身體、或利用桌椅等物件墊高牠們，但拍攝時必須格外留意，別讓牠們從高處摔下來。 2、提供誘因吸引注意 事前規劃快速進行 「鼓勵」動物做出你想要的行為，而不是試圖命令牠們。找到能夠吸引拍攝對象的事物，例如牠們喜歡的食物、玩具，並在拍攝過程加以運用。但因為動物的專注力有限，最好事先規劃預期獲得的效果，並備妥合適的道具陳設，盡可能在拍攝初期就取得好畫面，否則隨著時間流逝，牠們會漸漸對食物、玩具失去興致。 3、連續自動對焦模式 緊跟拍攝目標不失焦 對焦一直是動物攝影棘手的問題之一。許多動物移動的速度非常快，意味著牠們很可能在相機調整好焦距時，就已經離開原來的位置，導致被攝主體失焦模糊。比起拍攝風景、靜物慣用的單次自動對焦(One Shot AF)，你可以善加利用連續自動對焦功能(Continuous AF)，讓相機持續偵測與拍攝目標間的距離，藉此獲得準確對焦的影像。 4、連拍模式一把抓 不怕錯過精彩畫面 連拍模式（Burst Mode）亦是拍攝移動中動物的好幫手，能讓你快速捕捉動作裡的各個瞬間，再從中挑選最好的畫面。除了運用高速連拍模式結合連續自動對焦，你還可以透過後鍵對焦（Back Button Focus，即以按壓AF-On鍵取代半按快門），將「對焦」和「按快門」的動作徹底分開，避免按下快門時焦距跑掉的問題。 5、高速快門避免動態模糊 俐落凝結每一瞬間 即便使用連拍模式並且準確對焦，還得兼具夠快的快門速度，才能避免動態模糊，將每個瞬間清晰地凝結於畫面之中。但若你同時還需要使用閃光燈補光，除了要注意閃光燈的回電速度（Recycle Time）是否足以支援連拍，也必須留意快門速度會因閃燈同步速度（Flash Sync Speeds）而受限。...

2019.03.23 創意分享

食物攝影大揭密——10種「美化」食品的造型技巧

你知道如何在拍攝廣告時，避免冰淇淋慘遭燈具融化嗎？你知道要怎麼做，麥片才不會被牛奶泡得「濕濕爛爛」的嗎？本文將分享10種「美化」食品的造型技巧，破解拍攝不同食材可能遇到的難題，帶你成為視覺上的料理大師！ 1、拍出「熱騰騰」的熟食蒸氣——運用綿球、衛生棉條 讓畫面裡的食物散發騰騰熱氣，絕對是照片看起來誘人可口的關鍵！然而，不僅熱食容易在拍攝過程中冷卻，也並不是每道料理都含有大量水份，能夠持續產生明顯的蒸氣。但其實只要微波加熱吸飽水的棉球（或衛生棉條），並將它們藏在要拍攝的商品後方，就能獲得持久豐盛的水汽，使鏡頭前的美食就像剛剛煮好的一樣。 2、讓冰淇淋不會融化的秘訣——使用馬鈴薯泥替代 不起眼的馬鈴薯泥，一直是食物攝影幕後最給力的超級英雄。馬鈴薯泥容易塑形、不易變質，且能耐受攝影棚內熾熱的燈光，不會因為長時間的拍攝變形崩壞。基於這些特性，馬鈴薯泥不但常被當作擺盤的配菜，或作為使肉品更加豐滿的填料（例如烤雞），甚至可以混合食用色素和各種裝飾，偽裝成色彩繽紛的冰淇淋，避免攝影師面臨冰品融化的災難。 3、呈現濃、醇、香的牛奶——「白膠」不讓麥片變軟爛 真正的牛奶在鏡頭前，質地總是顯得有些稀薄、顏色也不夠飽滿；若是和老搭擋「早餐麥片」一同入鏡，更會在短時間內就把麥片給泡得稀爛。因此在拍攝鮮奶麥片時，通常會加工填充容器的底部，只留下幾公分深的空間倒入白膠，再將麥片和配料鋪排其上。如此一來，就能讓麥片浮在濃醇的「牛奶」表面，並長時間維持新鮮鬆脆的賣相。 4、完美牛排烹調密技——使用鞋油燒烤 廣告中大火燒烤、外酥裡嫩的牛排，總是令人感到食指大動。然而要完美掌控火候，烤出內裡鮮紅多汁、外層焦香油亮的牛排並不容易，所以拍攝時通常不會真的動用烤架，而是透過平底鍋或烤箱加熱牛肉，再用鞋油於表面做出烤痕。這些加料牛排雖然不能真的吃下肚，但從視覺上看起來肯定超級美味！ 5、畫龍點睛的鮮奶油——擠一坨刮鬍泡 用於裝飾甜點、飲料的鮮奶油，在拍攝上幾乎和冰淇淋一樣棘手。真正的鮮奶油不但容易移位變形，在攝影燈具的高溫照射下，短短幾秒就會開始融化，難以撐過漫長的拍攝作業。幸好只要利用常見的刮鬍泡，作為奶泡或鮮奶油的替代品，就能避免前述缺點並獲得以假亂真的外觀。不過現場工作人員得格外當心，別誤喝加了刮鬍泡的特調卡布奇諾！ 6、讓蔬果像新鮮現摘——噴霧式除臭劑「滋潤」外觀 超市裡的許多水果，表面會覆有一層可食的薄蠟，以延長儲放時間，並使賣相更加光鮮亮麗。但食用蠟帶來的視覺效果，對攝影機的胃口來說遠遠不夠！因此廣告攝影經常利用噴霧式除臭劑，噴灑蘋果、葡萄、青豆等任何蔬果的外皮，好讓它們在畫面裡格外新鮮水潤，就像剛剛才從果園裡摘下來一樣。 7、濃郁美味的各色醬汁——以蠟來調色 拍攝醬料最大的問題，是如何在照片裡表現醬料的質地。若直接使用真正的醬汁，不僅容易看起來稀薄黯淡，有些醬料還會因為長時間的拍攝，產生原料沉澱、油水分離的情況。因此，在醬料中添加各種顏色的蠟，不但可以自由調整濃度和顏色，同時也能延緩原料分離變質發生，是個簡單又有效的小技巧。 8、漢堡詐騙的秘密——夾層加裝厚紙板 漢堡一直是食物廣告界的詐騙集團。照片裡的漢堡之所以能如此挺拔，是因為漢堡麵包暗藏了一塊厚紙板，讓生菜、洋蔥、酸黃瓜等各種配料，能以完美的角度，被大頭針固定在堅實的基座上。此外，厚紙板也經常和切片甜點一同演出，只要在蛋糕與蛋糕層間夾上厚紙板、再於厚紙板外側補上鮮奶油，就能獲得俐落整齊的蛋糕切面！ 9、來杯冰涼飲料吧——假冰塊與假水珠的呈現手法 飲料裡漂浮的冰塊、杯外凝結的水珠，都是拍攝時難以掌控的大敵。拍攝冰飲的時候，最好改以市售的假冰塊取代會融化的真冰，並用甘油和水的混合物噴灑在杯面，製造出水氣冷凝的假象。如此一來，便能安心地透過鏡頭，慢慢享用眼前「沁涼保冰」的飲品。 10、鬆餅糖漿的甜蜜誘惑——運用防水噴劑、機油偽裝 蓬鬆柔軟的鬆餅淋上晶瑩金黃的糖漿，多麼美味誘人的組合！但如果你真的吃過鬆餅，就會知道糖漿很快就會被鬆餅吸收。為了呈現完美的畫面，拍攝時通常會以織物防水噴劑噴灑鬆餅表面，另外再以機油取代糖漿，以免真的糖漿因為燈光溫度融化變稀，把精心設置的擺盤給弄得一團糟。 ►延伸閱讀： 電影裡的美食，都是設計出來的——美術部門Prop Food Styling...

2019.03.12 創意分享

百名裸女攝影，Nadia Lee Cohen宛如60年代電影場景的鏡頭故事

隨著女權意識逐漸抬頭，越來越多影像創作者會將性別平等之理念，融入作品之中，表達自身訴求，來自英國的女性攝影師 Nadia Lee Cohen (1990) 即是一例。 畢業於倫敦時裝學院，Cohen善以戲劇性的飽和色彩、六七十年代的復古妝髮造型，大膽詮釋女性追求自我的獨特形象；其中最為人所知的，則為她拍攝100名裸女的人像攝影作品《100 Naked Women》，希望能藉此傳達解放女性裸體的自主意念。 文內將分享攝影師Nadia Lee Cohen的靈感來源、深受啟發的電影，以及從平面轉動態、擔綱MV導演的經歷，深入瞭解創作者腦內的奇異幻想。 成長於古董收藏家庭，造就懷舊視覺風格 Nadia Lee Cohen表示，自己深受60年代末、70年代的頹廢美學風格吸引，其作品也時常描繪美國中產階級郊區、大型霓虹燈廣告標誌等復古元素，光看這些照片，會以為她是道地的美國女孩，但事實上，Cohen的成長背景與其大相徑庭。 生長於農場的她，童年多與時尚無關，但對懷舊的熱愛，則源於母親的收藏癖好：「她在堆滿維多利亞式傢俱的房子裡養育我，更常將我拖去古董拍賣場。」在母親的耳濡目染下，這些收藏也潛移默化地影響了她往後的創作，但真正激發她的，卻是洛杉磯這城市。 「我在大學的最後一年首次去了洛杉磯，這裡的景觀完全改變了我對構圖的想法。」對於從小生長於英國鄉村的Cohen來說，洛杉磯令人耳目一新，更促使她移居於此進行創作：「許多激發我靈感的電影、攝影作品都是在這裡拍攝的，這可能是我愛洛杉磯的原因。」 ►延伸閱讀：楊川宏——談肖像攝影：畫面是來自攝影「關係」的成果 以電影場景為發想，深受大衛林區、史丹利庫柏利克啟發 「通常我的創作靈感，來自於電影中吸引我注意的場景。」 ——攝影師 Nadia Lee Cohen...

2019.03.08 前製編劇導演

GUCCI御用攝影師拍廣告，以電影為靈感捕捉時裝魅力

英國時裝攝影師Glen Luchford，是當今最具影響力的創作者之一。他曾與超級名模Kate Moss（凱特摩絲）合作，並為Prada、Calvin Klein等知名品牌拍攝時裝照。近年，他更擔任GUCCI廣告影片的御用導演及攝影師，以多元的影像美學，打造獨特的商業廣告。 2019年春夏最新的時尚廣告，他向《萬花嬉春》等經典歌舞片致敬，引發大眾關注。本文將介紹Glen Luchford的創作方式、攝影風格及相關作品，看他如何踏上攝影師之路，並透過電影視覺風格，探索時裝攝影美學的可能性。 爭取試驗機會，開啟時裝攝影夢 「我曾耗費很長的時間，才理解時裝攝影該如何清晰地表現。」──時裝攝影師Glen Luchford Glen Luchford自幼開始學習攝影，並於15歲時獨自前往倫敦謀生。當時，他意外結識時裝設計師Ray Petri，並受其鼓舞，決心投入時裝攝影產業；然而，自從他開始擔任當地攝影師的學徒後，因其只觀摩、不幫忙的學習方法，令他連續遭到多名攝影師開除。 透過朋友介紹，Luchford開始為時尚雜誌社《The Face》工作，並被指派替搖滾樂團The Stone Roses拍照。為求表現，Luchford特地找來古老的玻璃乾版（Dry Plate）相機，試圖模仿攝影大師Richard Avedon的作品質感。儘管他根本不會操作，但在技術人員的協助下，仍拍出令雜誌社滿意的作品，成功進入時裝攝影圈。 經歷90年代的起落後，Luchford結識日後長期搭檔的攝影助理Jack Webb，並發現其顴骨及下巴偏小，與模特兒有相似之處，非常適合擔任光替；因此，Webb除需在拍攝現場需調整佈光，還要熟練地擺姿勢以供測光，而隨著兩人默契漸生，也令Luchford不禁笑稱：「這些測光照簡直比正式照還要好。」 如今，Luchford不僅與時裝品牌多有合作，更跨出舒適圈，擔任廣告導演職位，激發自身潛在的創造力。他說：「我試圖去創造及尋找時尚產業以外的發揮空間，否則我會拍不出好照片。」 ►延伸閱讀：善用分鏡的時尚攝影師，一窺Tim Walker的魔幻童話世界 效法電影大師，照片背後的浩大工程 「你必須讓人停下來看這張照片，那才是成功的作品。」──時裝攝影師Glen...

2019.01.18 創意分享

20世紀百大電影攝影——《教父》《銀翼殺手》10部經典之拍攝秘辛

美國電影攝影師協會（ASC）今年成立百週年，長年來推動電影技術發展，並促進攝影指導間的交流。年初，更由其協會內成員，選出 20 世紀百大劃時代攝影作品，更公布前10名的名次排序。 10部電影包羅萬象，包含早已是經典的《大國民》、《阿拉伯的勞倫斯》、《教父》、《2001太空漫遊》，以及大導演Martin Scorsese、Ridley Scott等人的代表作。義大利攝影指導Vittorio Storaro更以《現代啟示錄》及《同流者》，雙雙闖入十強名單中。 本文將回顧這10部電影的攝影手法，端看多位導演、攝影大師，如何以當時的技藝與技術，一次次突圍運鏡、構圖及打光方式，成為今日影像工作者，仍舊仰望與效仿的對象。 第十名：《霹靂神探》——城市飛車追逐代表作 1971年｜導演：William Friedkin｜攝影指導：Owen Roizman 《大法師》導演 William Friedkin 執導的《霹靂神探》，曾於該年獲得奧斯卡最佳影片。他與攝影指導Owen Roizman採取「紀錄片式」手持風格，以低光調（Low-Key）、具顆粒感的外觀，呈現片中飛車、追逐場面，成為影史著名的警匪電影代表。 劇組將攝影機擺放於汽車引擎、前保險桿上，或由攝影師手持攝影機，蹲坐在搭架於車旁的木板上拍攝。全片於紐約市街的飛車場面，皆無設定分鏡腳本，僅於現場隨機捕捉場景，導演Friedkin當時便常對攝影師說：「無論發生什麼事，都不要放下攝影機。」造就本片具實驗性、接近現實的影像風格。 第九名：《2001太空漫遊》——真實捕捉太空特效場景 1968年｜導演：Stanley Kubrick｜攝影指導：Geoffrey Unsworth 啟發無數科幻片的《2001太空漫遊》，使用大量視覺特效，但因攝影指導Geoffrey Unsworth不偏好於底片沖印時，再加入特效場景，因此畫面多於攝影機前一次完成。例如：開場的非洲遠古場景，特效團隊運用前投影技術（Front Projection），特製長30公尺、高13公尺的巨大投影幕，運用投影機結合鏡面折射至背景，表現壯闊的山脈天色。...

2018.08.28 DC名人講堂

探索光線質感秘辛，「沉浸式攝影課程」教你如何用光來拍照

「人像攝影零距離 － 第一步： 用光來拍照」兩天課程，於上週圓滿結束。DC FILM SCHOOL 影製所 團隊再次與楊川宏老師合作，帶領學員認識基礎打光手法，首創「沉浸式攝影課程」，模擬業界攝影棚的工作型態，安排各式實作練習，讓學員得以「沉浸」於專業攝影環境中學習。 「人像攝影零距離」工作坊幕後花絮 攝影光線的秘密——影響人像照片質感的關鍵 「光本身的敘述能力，可以改變我們對事物的感受。」——攝影師 楊川宏 「一支燈，就是光影變化的基礎。」川宏老師分享自身經驗，剛開始從事商業攝影時，無法擁有過多昂貴器材，便僅使用「一支燈」進行拍攝。他表示，極簡單的工具器材，也能做出許多光影變化。 川宏老師於課堂間，說明攝影師的三大工具：光線、光圈、快門，也仔細介紹不同光質、光量及光線顏色對影像的影響。同時，他更親自實作示範，如何透過調整燈光面積，運用描圖紙、色彩玻璃紙等介質，造成光線的軟硬差異。他說：「懂得控制光線，你就可以將一名少年的形象，從剛毅變成柔和。」 川宏老師也分享拍攝人像時，業界較常使用的打光方式，並以「一支燈」為基礎，運用前頂光、林布蘭光等光法，讓學員在實作練習中互拍學習。他也提醒，光線要隨著模特兒的氣質調整，以轉換「光質」的手法，去呈現他的性格。「打光是不能只把燈放著，每張人臉都各有特色，都有自己的特質，必須學會在現場觀察調整。」 人像攝影心理學——學習與被攝對象的來往互動   「當攝影師就是當導演，要會說故事但不要囉嗦。」——攝影師 楊川宏 第二天課程，我們邀請到俄國模特兒Masha，讓學員體驗人像拍攝的魅力。川宏老師規劃兩組拍攝，一組為時尚雜誌半身照，一組則為彩妝雜誌的臉部特寫，讓學員能親自掌鏡、指導模特兒，學習如何成為一名「專業攝影師」，掌控現場棚拍情況。 川宏老師笑著和學員們分享，攝影師不僅只是「按快門」而已，更要懂得注意現場「細節」。如：光法是否能修飾模特兒？服裝及妝容的顏色搭配是否得宜？而每個鏡頭裡的枝微末節，都是平面攝影成功的關鍵。 攝影師需與被攝者碰撞出火花 川宏老師提到，拍攝人像的成功關鍵，在於「懂得與被攝者互動」。他傾向於，先讓被攝者在鏡頭前自由表現，再依據觀察進行調整：「不要把他們當木偶，攝影是必須碰撞出火花的過程。」他常用講笑話、打情罵俏等方式，盡可能讓被攝者放鬆，他說：「現場拍攝更像是種心理學，要學會在一來一往的過程中，讓他們展現生活中的某些真實。」 最後，川宏老師也建議，平時練習攝影或打光時，不能毫無目標，可以先找尋適宜的參考作品，以此為方向，實際租棚、找模特兒演練，將光線處理得和參考作品完全吻合，才能達到「練習」效果，同時也能藉此探索自身風格。 「練習發想自己想要成為的樣子，再努力把它做到接近100%。」他認為，攝影就是在追逐影像美學的道路上，不停地反思、邁進及成長。...