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美術妝髮特效

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2017.10.29 前製編劇導演

1980年代電影《鬼店》持續發燒,幕後製作重點整理

1980年代發行的電影《鬼店》(The Shining),是年年依舊持續在新舊影迷的心中發酵的經典作品。本文會簡單介紹《鬼店》的源起、丹尼小演員的徵選、庫柏力克偏執的破百take傳言、Steadicam的運用、血電梯的血量(可能包含部分劇透)。 《鬼店》的源起 導演史丹利庫柏力克(Stanley Kubrick)在還沒接觸《鬼店》之前,便對於「超自然」的題材非常有興趣,當時是華納兄弟製片公司先寄給庫柏力克《鬼店》小說,而庫柏力克一下就掉進這個故事裡面,非常激賞原作史蒂芬金(Stephen King),把「心理狀態」與「超自然現象」結合的主題。 《鬼店》是描述,由演員傑克尼克遜(Jack Nicholson)飾演的作家傑克,帶著老婆溫蒂(雪莉杜瓦Shelley Duvall飾演)與兒子丹尼(Danny Lloyd飾演),來到進入冬季暫停營業的旅館,由傑克一邊管理一邊寫作,而遇到許多「閃靈」現象的故事。 從5000個男孩脫穎而出的丹尼  導演請華納兄弟製片公司,在地方報紙上刊登廣告:「電影劇組徵求男孩演員,年齡須介於5-7歲之間,不要求具備表演經驗。」而庫柏力克在確定男女主角是傑克尼克遜跟雪莉杜瓦之後,特別尋找芝加哥、丹佛、辛辛那提三個地區的小孩,因為必須確保小孩的口音,會介於戲中父母角色的口音之間。 庫柏力克的助理夫妻檔一共花了六個月,從5000個男孩之中,挑選5位來做決定。首先先從照片挑選,再個別採訪,以及錄製他們的即興表演,庫柏力克再透過錄影帶篩選。飾演丹尼的丹尼洛伊德說,一共是經過5-6次的試鏡跟會面,才確定得到角色,並被告知拍攝期大約是17週,於是舉家遷往倫敦,但最後的總拍攝期果如傳言:超過一整年。  關於127次take的傳言 雪莉杜瓦的崩潰: 2016年11月,面容憔悴的雪莉杜瓦上節目接受採訪,表示自己狀態非常不好,聊到《鬼店》的拍攝經歷,表示上方連結那段,與傑克尼克遜在樓梯僵持的片段,一共大概拍了127次,她總共拍了1年又1個月,在最後的9個月,她一週上工5-6天,每天哭了12個小時,才達到那樣的狀態。庫柏力克在1981年的採訪中也表示,只有雪莉杜瓦才能做出那樣精湛的表演,而且的確花了很長的時間才能達到這樣的狀態。  庫柏力克談爆發性表演: 「演員通常一次只能做一件事情,如果只是把台詞記住是不夠的。」——導演 史丹利庫柏力克。 在庫柏力克的採訪當中,他說,實際上只拍攝了5次take,而其中只有最後2個take是非常好的。庫柏力克表示,當他同一個take拍很多次的時候,通常是因為演員們不記得自己的台詞,或對於他們的角色還不夠熟悉。庫柏力克強調,演員如果只是把台詞記住是不夠的,因為如果演員在表演的時候,還需要思考台詞是不是正確,就更不可能把情緒做好,甚至配合鏡頭的運動。 Steadicam的應用與突破 1974年嘉略特布朗(Garrett Brown)發明了Steadicam之後,讓導演庫伯力克看到新科技的可能性,特地請來布朗本人,使用Steadicam拍攝。在恐怖片裡面,讓觀眾有清楚的「地理」概念是非常重要的,因為這樣才可以在角色進入危險地方前,帶起觀眾緊張的情緒。而《鬼店》的觀眾能感受到偌大旅館的空曠跟詭譎,正是因為能有Steadicam一路跟著角色拍攝的關係。 「我並不是刻意創新發明,而是尋求能解決問題的方式。」——Steadicam發明者,攝影師 嘉略特布朗...

《大亨小傳》巴茲魯曼透過3D特效重現璀璨年代

 《紅磨坊》導演巴茲魯曼(Baz Luhrmann)首開3D文藝電影先例,改編美國文學家費茲傑羅(F. Scott Fitzgerald)的經典名著《大亨小傳》,重現1920年代的浮華盛宴,打造無與倫比的時代氛圍。但你知道電影中Gatsby富麗堂皇的住宅與庭院,甚至是時代廣場等等,許多場景其實都是由特效製作出來的嗎? 《大亨小傳》的特效總監Chris Glitzy釋出電影中的部分花絮,皆由澳洲工作室Animal Logic完成,但那只不過是電影裡的一小部分,巴茲魯曼表示電影裡一共有1500多個特效鏡頭,參與製作的特效公司更是不勝枚舉。 「只有3D能夠拍出我當時夢境中的感動。」——巴茲魯曼《大亨小傳》導演 導演巴茲魯曼表示,十幾年前他在長途列車上,一邊啜飲美酒,一邊聽著《大亨小傳》的有聲小說,靠著酒精的催化,他彷彿置身主人翁Gatsby的世界,接連不斷的華麗盛宴,放眼望去無數的俊男美女與金碧輝煌的歐堡式建築,讓他在夢醒之時決心將這部名著拍成3D電影,真實呈現上流社會目眩迷離的奢華生活。 身歷其境的3D電影 3D電影不僅是市場上常見的3D動畫而已,就以電影《阿凡達》與《少年PI的奇幻漂流》來說,它們的成就並不在於3D動畫上,而是在於將虛擬動畫與3D實拍的電影做結合,所謂「3D實拍電影」就是運用3D立體的攝影機,去拍攝真實的場景與人物,然後透過3D成像的技術將真實的影像以3D立體的模式播放。 用最簡單的概念來說明3D實拍電影,就是拍攝時會模擬人眼的視角,以兩台攝影機左右拍攝,記錄不同視角下的影像內容,播放時再利用偏光、色差或者是光柵的技術,把不同視角的影像分別還給左右眼,就有了「立體重現」的效果。 《大亨小傳》的攝影指導Simon Duggan在受訪中解釋了3D如何增加電影的深度,他使用RED EPIC與Zeiss Ultra Primes,透過3D拍攝,可以在演員臉上捕捉更多細節,反過來幫助他們的表演。 在光鮮亮麗的合成場景背後,藍綠幕的使用 電影《大亨小傳》所帶來的視覺饗宴,在現實中不過曇花一現,璀璨耀眼的場景其實是運用「畫面合成」技術,在電影界通常稱為藍幕或綠幕,電視界則稱為顏色去背(chroma key)。而藍綠幕是用來去掉背景以方便合成的拍攝手法,也是現今視覺特效非常重要的合成方式。 通常演員會站在以藍色或綠色布為背景的前面進行拍攝,使前景角色和背景產生顏色差異,再由後製人員將藍綠幕的區域摳掉,通過電腦圖形技術將特效場景與拍攝人物合成在一起,如此一來不僅可以節省許多成本,也能順利取得難以拍攝的影像,電影中重現1920年代的虛華繁榮就是使用這樣的方式。 早期多用藍幕,因為藍色對人體皮膚影響比較小,但由於許多西方人是藍眼珠,容易被攝影機當成背景,所以現在歐美多使用綠幕,相比之下綠色較明亮,所需光線較少故不容易造成黑邊,而且攝影機對綠色較為敏感,更能準確捕捉背景範圍,但還是視情況而定。 特效電影幕後製作 特效有多種類型,包括實景合成、或是全電腦圖形學(Computer Graphic,CG)的動畫製作。隨著3D電影技術與CG特效製作的發展水準日趨完善,不只是科幻片和戰爭片,越來越多的愛情文藝片也運用其中,《大亨小傳》就是最好的例子。...

2017.08.31 攝影剪輯音效

電視史上新紀錄——《冰與火之歌》第7季巨火降臨

HBO電視影集Game of  Thrones《冰與火之歌:權力遊戲》第7季,終於落幕。隨著每季的故事進展,龍也不斷成長,光靠外表變化已經無法確實展現牠的強大,於是製作團隊在處理牠噴出的火焰上,也隨著主人權力的提升,更具驚人破壞力。 對比於上一季出現11個鏡頭,這季的龍足足有80個鏡頭。除此之外,其中一幕,巨火一次就燒向整整20個特技演員,可以說是電視史上最大製作之一了。  史詩鉅作的場面,攝影機也要多台上場 在拍攝上面,劇組常備大概4台攝影機,而大場面的時候甚至會用到7-8台攝影機同時攝影,以捕捉多個角度供剪接使用。其中拍攝龍在空中飛行的畫面,則是依靠Spider Cam跟Fly Cam兩種特殊設備來幫助攝影機達到鏡頭效果。 Spider Cam是像是鋼索的設備,讓攝影機透過纜繩,可以進行高速移動的攝影,也很常運用在足球比賽的攝影當中。以最高每小時約112公里的速度前進,如此一來可以完美呈現巨龍飛行的速度感。 Fly Cam則屬於無人空拍機的一種,更像是小型的直升機,方便機師操作使用,並且不需人員搭乘,可以承載RED Dragon或Alexa Mini等攝影機飛行拍攝更多畫面。 從奔馳的馬背上站起,特技演員詮釋Dothraki戰士   在拍攝這一場戰爭的時候,並非真的如劇情描述有5000-6000的Dothraki戰士在戰場上奔馳,實際其實只有50-60位演員。製作團隊開發了一種獨特的攝影技術,可以不斷重複演員們的動作,再靠後製重疊影像,製造出場上的千人大軍。 除此之外這場戲一共只設有27台戰車,但是為了因應整個戰場的需求,需要每個鏡頭都做調動及連戲上的確認,才能重複使用相同的道具,以製造出龐大戰場的壯闊感。 至於如何表現驍勇善戰的Dothraki戰士,並不是特效合成,而是依靠善於騎馬的特技演員,實際從馬背上站起來做出一邊奔馳一邊打仗的動作,特技演員的專業,也確實展現Dothraki戰士善於騎馬的特色。   一次燃燒20個人的戰爭巨火 處理火焰以及相關特效的時候,劇組必須非常謹慎小心,例如這一場戲的前後製作就花了整整一年的時間,從最先開始的設定、測試、到上場,每一個環節都要反覆試驗才能避免意外傷亡的發生。 安排的時間點也務必精確無誤,才能讓火焰依序爆破,像是真的被巨火燃燒一樣。 通常特效使用的煙都是安全無害的,但為了呈現龍火的恐怖感,在試驗階段,劇組曾選擇燃燒柴油,來呈現火燒的黑煙,但撲火時工作人員僅管都帶著面具與護目鏡,卻還是「面目全黑」且咳嗽不止,HBO監製當然緊急喊停,嚴禁劇組使用該種方式拍攝。 「經過一連串辛苦的過程,最後會到達怎樣的成果。...

畫家的故事用畫來說,首部手繪油畫電影《梵谷:星夜之謎》

《梵谷:星夜之謎》是一部2017年由波蘭和英國合拍的傳記動畫電影,描述荷蘭畫家文森・梵谷的生命故事。電影由多蘿塔·科比拉和休·韋爾奇曼共同執導,多蘿塔·科比拉畢業於華沙藝術學院(Academy of Fine Arts in Warsaw),曾指導過數支動畫短片。而韋爾奇曼過去曾監製奧斯卡最佳動畫短片《彼得與狼》。 電影最大的特色在於—— 每個畫面,都是由油畫所構成,總共耗時六年,動用了115位藝術家繪製油畫,並創作了6萬5000幅油畫作品才完成這項浩大的電影工程。而眾人熟知的名畫《星夜》《喝苦艾酒的人》《雪地與農具》等也都將於電影中出現。讀到這裡,你是否好奇這部電影是如何完成的嗎?現在就來一窺這部電影的製作過程吧! 藝術與電影的驚人創舉:全由手繪油畫建構電影畫面 「動畫師運用這些畫作素材建構電影,以當前顯示的圖像覆蓋之前的圖像, 這也表示畫作完成之後,影像也處理好了。」 ——《梵谷:星夜之謎》首席動畫師Piotr Dominiak 電影的製作過程很單純,就是將6萬5000幅的手繪油畫以每秒12幅畫面的速度播放,讓觀眾將其視為動態影像。而藝術家最大的任務就是運用梵谷特有的繪畫技法,創作出「梵谷風」的油畫作品。 當中也包含仿造梵谷本人的真實畫作,但是並非如法炮製的仿造,因油畫必須配合電影情節及色調,因此藝術家必須視腳本需要,在仿造的過過中必須針對不同的場景,將真實畫作進行微幅調整。 為了確保電影中每張油畫完美呈現梵谷風格,影片開始製作前,製作商透過嚴格選拔挑選出合適的專業畫家,並且花三星期訓練他們畫出梵谷風格的畫作。訓練成本透過Kickstarter募資,高成本的投入讓這些藝術家能夠全心專注於電影的繪畫製作。 製作過程中,團隊特別建立了繪畫動畫工作站,給予藝術家不被打擾的良好環境。「當藝術家畫好十二張油畫後,我們就有了一秒鐘的電影。」動畫師Piotr Dominiak表示 攝影無法表現的「梵谷人生視角」 電影由奧斯卡獲獎動畫工作室「Breakthru Films」及「Trademark Films」製作。導演科比拉表示創造靈感來自於梵谷最後寫給弟弟的信件內容:「事實是,我們無法說出繪畫以外的事。」這句話就是他以圖畫製作這部電影的原因。 電影的故事情節也都是來自梵谷生前所創作的真實作品(120多幅畫作)及800封梵谷寫給弟弟的信。 而電影使用的油畫表現的另個原因則是:攝影機所表現的是客觀的現實景象,而梵谷的人生卻不是現實影像所能表現的。梵谷的一生如同他畫作中那些抽象的輪廓、大膽而濃烈的色彩、充滿生命力的筆觸。 在這些堅持之下,兩位電影導演在艱苦的過程中跨越電影與油畫間的藩籬,開創電影史以來前所未有的美學表現。...

2017.08.10 影視專題

電影裡的美食,都是設計出來的——美術部門Prop Food Styling

「現在幾乎每個演員都有他們自己的需求, 像是『我其實是個素食主義者,我不吃肉,但是劇本說我應該要吃牛排。』」 —— 食物設計師 Chris Oliver Prop Food Stylist是國際業界一直到近一、二十年才有的職業分工,90年代的美國電視劇也沒有食物設計師,觀眾看到演員吃的常常都是最好解決的義大利麵。在台灣,廣告或電影業界其實會有頂尖的「食材手」專門負責處理食物美術的部分,像是電影《總舖師》也有美食顧問蕭維政(老蕭),則協助把關電影裡的食物美術,讓人更尊敬電影裡的食物的重要性。 談及食物的平面攝影,能以別種原料造假來呈現食物的光澤跟效果,比方說蛋糕的奶油常常是用刮鬍泡做的,冰淇淋是馬鈴薯泥混合色素做的,但是如果是電影中演員真的送進嘴裡的,則會由食物設計師(Prop Food Stylist)負責,他們可以說是電影的烹飪藝術家。 美食電影的關鍵當然就是要確保「大量美食的製造」 由鋼鐵人導演Jon Favreau(強法夫洛)自編自導自演的電影《五星主廚快餐車》,古巴三明治是劇情當中很重要的核心關鍵,而三明治當然也是現場製作,請來了餐車主廚Roy Choi指導傳授食譜,該片食物設計師Melissa McSorley透露,整部片大概做了800個古巴三明治,為什麼?因為導演要求啊。 「拍攝美味食物的秘訣就是,你必須真的吃下去,然後一吃再吃, 每個角度、每個鏡位都吃好吃滿。」——《五星主廚快餐車》導演 Jon Favreau。 在電影《美味關係》裡,有一幕是切蛋糕的戲,為了那場戲,要拍攝的不同鏡位就要多準備很多蛋糕。同樣的在電影《愛找麻煩》裡面,梅莉史翠普要在亞歷鮑德溫進門時,剛好生氣地把一隻雞腿跺掉,如果需要6-10個take,4-5種鏡位的話,一場戲50隻雞就是必備的數量。     食物設計師不只服務劇情跟導演的需求,也要照顧演員的需求 那如果遇到只吃素食的演員,經驗豐富的食物設計師Chris...

2017.07.27 影視專題

他們才是真正的藝術家——電影《丹麥女孩》的美術設計

由湯姆·霍伯所執導的電影《丹麥女孩》,改編自大衛·埃伯肖夫的同名小說,內容描述一位丹麥畫家接受變性手術的真人真事。該片更獲得奧斯卡最佳服裝設計與最佳美術設計提名的榮耀。 與霍伯共同合作《王者之聲》、《悲慘世界》,也是該片的藝術指導Eve Stewart表示,電影美術設計最大的任務就是掌握所有的視覺元素,並且讓他們合乎電影的視覺主題。為達到導演的要求,在電影籌備期間Stewart多次和導演湯姆·霍伯齊聚在房間裡一起討論該如何透過視覺,精準的呈現角色。正因爲美術團隊如此專注於細節的呈現,才讓觀眾在短短幾分鐘內,就能墜入埃納和格爾達的藝術世界中。 演員艾迪與真實人物莉莉·艾爾伯 實際走訪及田野調查,往往能讓你找到方向 藝術指導Eve Stewart表示,他在實際走訪了埃納和格爾達在哥本哈居住的街區後,不但找到了整部電影的靈魂色調,也決定了工作室的輪廓:寬敞的公寓中,從窗戶灑進大量的日光。 「一切都是從埃納和格爾達曾居住過的公寓開始,斯堪地那維亞半島上映照著一股奇特的憂鬱之光,讓我找到了電影該有的顏色。」 這一幕大家應該並不陌生,這是埃納和格爾達的朋友艾梅柏,一位芭蕾舞者的工作地點。為了這個場景,Eve Stewart特地到了巴黎皇家歌劇院後台汲取靈感,看舞者們如何在後臺換上舞裙以及放置舞鞋的位置等等細節。 她發現歌劇院為了維持芭蕾短裙蓬鬆的視覺效果,會將芭蕾舞裙倒著吊掛。她當下感覺這個場面實在太不可思議了,立刻就決定要將這個元素放到電影中。 從真實畫作、老照片、同時期畫家的作品下手 從大量老照片中下手是絕大多數的美術設計一定會做的功課,埃納和格爾達在巴黎的住處,從演員身上披掛的織品到房間內的花瓶、居家擺設都是來自老照片的靈感。 電影拍攝前,Eve Stewart及導演拜訪歐洲收藏家研究埃納和格爾達的作品,為了讓戲中莉莉的畫作能夠神似艾迪的長相,團隊花了非常多時間從格爾達的畫作中搜集線索做揣摩。並與英國壁畫藝術家Susannah Brough合作。藝術部門總共產出了將近70幅的仿造作品。而電影開頭房間內的肖像畫作則是畫家格爾達真正的作品。 戲中的畫作來自格爾達1927的作品  另外美術團隊也參考了與埃納同時期的丹麥畫家Vilhelm Hammershøi,其作品多以建築為題材,色彩帶著寂寞,卻又飽含生命力。也是公寓主要的靈感來源。Eve Stewart認為Hammershøi的作品風格相當能詮釋當時埃納夫婦在哥本哈根的人生狀態。 空間的氣息感是「人為」的   你得為場景注入生氣和靈魂 「你只能真的在這裡工作,一直工作到有那個對的感覺出現,而這是假裝不來的。」藝術指導Eve Stewart表示。為了讓工作室富有工作氣息,美術團隊真的就在這裡作畫以及設計。讓房間地上隨處可見素描草稿,以及潑灑的顏料印。 電影中出現的人物素描圖,本來是經由藝術部門繪製,後來因為導演需要用到大量的素描圖,整個美術團隊都成了不斷產出素描圖的工廠。Stewart甚至笑說就像回到多年前在藝術學院唸書的日子。...

2017.07.05 美術妝髮特效

Benind the Scenes 04- 不存在的美麗生物Okja玉子

Netflix與韓國導演奉俊昊Bong Joon-ho推出的電影《Okja  玉子》在6月底於Netflix「上映」了。針對上映的問題,導演大方回應:「我並不覺得在大螢幕上看起來漂亮的畫面,在手機的小螢幕上看起來就會變得不漂亮。」 這樣高度清晰的畫面,搭配Netflix詳細標註在網站上的規格,畫面至少需要4K的品質,也讓Okja的特效團隊花了不少力氣,讓Okja在4K的環境下完成算圖(render)的步驟。 Okja不是真的?是全然虛擬的生物?   「Okja必須是很巨大的動物,看起來非常和善、內斂,而且看起來有點憂鬱,才能引起觀眾的共鳴與喜愛。」 Okja當然不是真的。電影裡面描述有一間生物科技公司實驗開發出Okja希望量產,欺瞞觀眾Okja是可以進行自然培育的科技健康物種,其中一隻Okja就跟女孩Mija(安瑞賢飾演)在韓國偏遠山上健康長大,直到活動期滿,公司需要把Okja運回紐約的那一天,故事正式展開。 導演奉俊昊表示,我們對待動物的方式最常見就是有兩種:一種是家人關係,一種就是食物關係。拍攝這樣主題的電影,並不是因為想特別倡導素食等議題,但我們必須意識到我們平常吃的肉,以及我們與動物之間的關係。花這麼多時間來談《Okja 玉子》的核心概念,是因為這關係到導演奉俊昊以及特效總監Erik De Boer如何設計Okja這個生物。以下文字Bong Joon-ho簡稱BJH,Erik De Boer簡稱EDB。 導演BJH會選擇和特效總監EDB合作很不意外,因為電影《少年pi的奇幻漂流》的老虎就是出自EDB之手。少年pi的老虎,使用特效創造與表演,是因為老虎是很危險的生物,當然不可能讓少年演員跟老虎單獨在船上對戲。然而,這次的玉子也是,讓13歲的Mija跟巨大動物的Okja對戲也是一件危險的事,而且最重要的是Okja這種動物,根本不存在。  Okja的誕生與操偶師Stephen Clee。 不存在的演員要怎麼演戲,才能把情感自然而然地帶給觀眾,才知道肢體的互動應該到達哪個定點,就是依靠動畫師Clee跟小演員的合作。   「我真的想要確定,我們可以做到讓觀眾相信,相信okja是真的就在電影的場景裡,跟Mija同在一起。所以我們做了25個Okja的分身,在現場跟Mija一起表演。」Okja特效總監Erik De Boer BJH和EDB找出比較像是Okja感覺的實際動物,如:河馬、大象、海牛,來初步設計Okja的樣貌。一步一步描繪出Okja的樣貌之後,他們還不是很滿意,調整了皮膚、毛髮、耳朵加大等細節,逐步將Okja慢慢變成螢幕上看到的樣子。他們也發現眼睛是動物表演的關鍵。於是他們花了許多的時間雕琢出這樣靈動的眼睛,也成功地在電影中的關鍵段落,讓Okja的眼睛發揮非常重要的表演,牽動觀眾的情緒。 一開始當然是運用3D軟體Maya把Okja打造出來,接著把粗糙的模型送到首爾的Cell公司,他們運用...

2017.06.27 影視專題

認識電影中的平面設計——Annie Atkins設計師開設國際工作坊

每部優秀的電影背後除了導演、攝影指導、美術指導、特效指導之外,還藏著許許多多的魔鬼——因為魔鬼藏在細節裡。當然是半認真半玩笑地說這句話,因為今天要介紹的,正是隱藏在電影美術裡,功不可沒的平面設計師。 要不是當年《歡迎來到布達佩斯大飯店》的美術這麼成功,一般觀眾根本很少研究電影當中,所有平面道具設計師的用心。電影成功之後,Annie Atkins的信箱被各式可愛又認真的問題塞滿,於是她決定開設工作坊,大方分享她的電影美術之路。 網站上,她細細列出她是誰,她做了什麼,工作坊會學到什麼,甚至還有如果是搭乘飛機前往上課的人們,應該住在都柏林的哪一區,目前2017年下半年的課程還有名額。 在電影前製時期,平面設計師該做些什麼?  「你必須先用自己的手,完全了解跟掌握到道具文件的大小跟材質,否則它們永遠沒辦法在演員的手上發揮作用。」 不管是電影、電視、廣告,設及影像的製作,幾乎都會有美術的部分,如果有特效,那特效總監、美術指導、導演、攝影指導都會針對電影畫面再三確認風格、色調、年代等大方向的原則。 Atkins設計的書信道具。  Atkins則在電影開拍之前,會花6-8周的時間,徹底研讀、蒐集所有年代的資料,每個專案的年代跟地點幾乎都不相同,很難接到兩個背景完全一樣的案子,所以每個專案都是新的開始,絕對需要好好把年代感調查清楚,地圖、報紙、電報、信件,每一種道具的材質、字體、大小都不一樣,一定要確實掌握住,才能提供導演及演員適當的環境去讓演員發揮表演跟去讓導演說故事。 你看不到的美術細節,都隱藏在每一個準備中。 「你不必非常擅長做很多種東西,不用成為一個書信的插畫家,但如果你有,那絕對是加分。在電影裡做美術設計,需要非常廣泛的技術,你不會成為每一種技術的專家。」 在設計師收到劇本的時候,會在需要處理的句子上,做上記號,通常一頁的劇本或是腳本可能只有一兩個記號,但在安德森的電影裡,她常常發現一頁下來,她畫滿了螢光黃色。然後再根據記號,她列出了表單,記載著有多少道具需要製作,以及它們最好製作完成的順序是什麼。對首次與安德森合作的Atkins來說,真是一大挑戰。  《歡迎來到布達佩斯大飯店》劇照以及導演安德森親筆撰寫的報紙。  Atkins說,其實所有出現在《歡迎來到布達佩斯大飯店》中的報紙,版面上面所有的故事都是由魏斯安德森親・自・寫・下,不管有沒有特寫鏡頭帶到它們。(哇噢。)這也讓Atkins在設計的時候不敢鬆懈,在設計角色名片的時候,她甚至還參考了希特勒的真實名片。 為了讓導演有充分的選擇跟空間可以挑選使用的道具,Atkins也會多準備不同的版本,讓導演挑選,甚至有時候也許做到20種版本。 除了這個之外,當時的年代所有文件都是手寫字體,禮物盒可以印製,但是文件就必須根據實際年代而執行,有多少文件就寫多少字。通常文件是很脆弱的,一般無特殊場景,同一道具的預備數量大概是6份,當小意外發生時,可以立刻補上。但是如果是執行安德森的電影,每一種文件都需要準備30-40份,因為他可能會需要拍攝這麼多的鏡頭數。(又一次哇噢。)  小心避免失誤,也是工作很重要的一部份。 Atkins為《歡迎來到布達佩斯大飯店》設計的虛擬護照。  Atkins覺得「連戲」是電影中最乏味的工作,但卻是非常重要的事情。她在課綱當中也特別列出「How to avoid ending up on the...

2017.05.04 創意分享

《冰與火之歌:權力遊戲》特效複習

2016年至今年7月,經過漫長的一年多,HBO原創影集《冰與火之歌:權力遊戲》(Game of Thrones)第七季即將上映,屆時台灣與美國的HBO電視台將會同步上映。 特效總監Joe Bauer與特效指導Steve Kullback在第6季時,談論到他們做過的特效鏡頭,對他們而言,面對的是越來越大的挑戰,巨大的長牆、野人從雪裡冒出、軍隊人數越來越多、龍也越長越大……等。 曾經最難的「噴火」挑戰已經度過 對製作團隊來說,這部片裡的所有「場面」,不管是場景的再造或是演員數量的增加,都是他們驕傲的指標之一,團隊盡量嘗試挑戰「真實」這件事情,例如在之前的劇情中的噴火場面就並非特效,而是用機器噴出真實的火。 劇組在現場出動巨大的搖臂,啟動噴火後拍攝,再後製合成龍的角色在搖臂上面,虛實之間的緊密結合,呈現的視覺效果相當驚人。 左右七大王國的命運的巨龍 在前幾季當中,Daenerys家族的三隻龍,是此劇最大賣點之一,隨著劇情的發展,每季也會長成不同的大小,到了第6季已經長成巨龍。 PIXOMONDO公司原先承接多項任務,到現在專職於龍特效的著作,該團隊特效總監SVEN MARTIN表示,隨著每季龍的成長,都是一個新的挑戰。每季最開始的任務,一定是把最大隻的龍,調整到最佳的尺寸,再來調整牠的兄弟們。 而龍的紋理一共使用多套軟體才能完成,從最初的模型階段Zbrush,切分UV的MARI,以及最後的算圖的AOVs等。 至於龍身上細緻的表皮,則是涵蓋了60種不同材質的貼圖展現(你可以把它想成,完成外皮的素材有60種),所以算圖量相當驚人。 這隻龍同時也是需要結合演員動作,加上合成特效才能有最後的成果,例如Daenerys騎乘龍飛翔在天上的畫面。也因為追求完美,每一季隨著龍的大小不同,骨架的部分都必須手動重新調整,才能讓動作細緻。 幸好龍的部分一直以來都是同公司負責,他們也會依據以往的製作經驗,重新修改、增強,雖然龍的體型一季比一季巨大,但基本上是同一隻龍的骨架在做變化。 兩大家族私生子之戰,全80隻真馬上陣 到了第六季終於來到兩大家族的戰役,成千的軍馬、野人、巨人的戰鬥即將開始,不管是製作人、演員、特效團隊都非常的興奮,尤其是馬術師,這應該算是使用最多馬匹的一個場景。 製作團隊派上了80匹真馬,許多人都以為站在混亂馬堆之中的Jon Snow這一景絕對是特效,但這確實是實際拍攝呈現的。 這些馬來回混亂地衝刺,攝影師將攝影機上肩手持近距離拍攝,每個人都在橫衝直撞,卻沒有人真的受傷。如果真的有需要掉落馬下的畫面,才會使用綠幕拍攝再加以合成。而Jon Snow騎乘馬奔騰的畫面,則依賴攝影師車拍的方式追逐,獲得了非常好的畫面。 儘管這場戰役大部分都是真的道具,僅用特效來製造大場面的效果,在成堆的屍體道具面前,所有人都真實感受到了戰爭的可怕。 而冰與火之歌團隊一直都非常擅長以現場僅有的少部分場景、道具設施,配上CG特效,延伸整體的戰爭、城堡、莊園、王國大陸等氛圍。...

2017.04.12 影視專題

Behind the Scenes 03 一鏡到底的《維多利亞》

影史上面,《維多利亞》不是第一部挑戰全片一鏡到底的電影,與《維多利亞》同時期的電影,就屬當年奧斯卡得主《鳥人》。然而《鳥人》的一鏡到底,是屬於經心設計的剪接手法,《維多利亞》則是真的全手持拍攝一鏡完成。一鏡到底究竟是噱頭,還是真的幫助觀眾更理解故事的攝影手法,當然還是看觀眾願不願意對成品買單,至少維多利亞成功的創下影史最長鏡頭的紀錄,也獲得許多觀眾及獎項的肯定。 一鏡到底,到底難在哪裡? 我們先觀賞一下馬丁史考西斯導演的《The Wolf of Wall Street 華爾街之狼》的精彩片段。鏡頭跟著李奧納多經過會議室時,跨進會議室內,再隨著其中一位角色開始動作走出,外面幾十位臨演開始動作,同時在一個場景裡面,有人在前景表演延續鏡頭前的張力,有人在背景忙碌,主角李奧納多則抓住攝影機時機適當地走出來,對著攝影機表演。這樣的大場面通常為好萊塢導演所擅長,光是這樣50秒鐘的鏡頭,拍攝的執行度就考驗劇組各個細節的處理能力,也考驗導演的調度功力。    不過不同故事,隨著不同導演的敘事手法,也可以採用不同方式的一鏡到底。《維多利亞》採用跟拍的觀點,跟著主角們從夜晚的4點半冒險至凌晨七點,透過寫實自然的手持攝影呈現,讓觀眾彷彿第五位主角,從頭到尾跟著角色們參與其中。全片只拍攝過三次,導演採用最後一次的版本,每次拍攝為2個半小時。本片更獲得三大影展之一的柏林影展最佳藝術攝影技術獎,也囊括了許多德國的電影大獎,不過當初因為對白含量的英文資訊太多,不符合奧斯卡最佳外語片的資格而沒有在奧斯卡出現。   一鏡到底不用剪接,所以比較簡單嗎? 非常簡單的介紹《維多利亞》是西班牙籍的女主角維多利亞在柏林打工,在一個夜晚遇見男主角三人的故事。他們在這個晚上相遇,在街上冒險,迎接各自的早晨來到。注意,本片的故事時間,跟正片一樣都是兩個半小時的設定。不需要剪接看似省了一道工程,但其實就是你不能有「偷」的空間。 有時候剪接是幫助你可以把故事利用剪接有個時間推動的過程,觀眾可以合理相信經過多久時間的相處,對主角們的情感而認同,通常一部電影可以像是傳記電影從童年到逝世的幾十年,或是像《愛國者行動》從事件發生的前一晚到破案的晚上。然而這部片的時間卻是2個半小時,希望你可以跟著主角們同步經歷他們的2個半小時,說完一個故事的起承轉合。 電影的「故事時間」你有注意過嗎? 簡單說明「故事時間」就是每段故事從開始到結束,所經歷的時間過程,端看故事的目的及長度需求而定,長可以長到跨越年代與光年(像是《Interstalla 星際效應》)美術就要講究,經歷多少年的變化,人物造型及場景應該如何呈現?那短到像《維多利亞》只有兩個半小時的故事時間,沒有辦法透過剪接來交代時間過程以及主角們的情感糾葛,像是沒有辦法舉例經過一星期的相處,他們的感情變的融洽等等。這時候短短兩個半小時說完一個故事及事件,考驗的就是導演說故事的功力了,所以並不是時間越長或越短就好,還是要看故事的主題而定。 140分鐘全手持拍攝的關鍵:攝影機的選擇 攝影師 Sturla Brandth Grøvlen獲選了柏林影展的最佳藝術貢獻攝影獎,肯定了攝影師Sturla的藝術以及技術的成就。全片140分鐘,這樣連續賣力的拍攝時間,攝影師分享了他怎麼選擇攝影器材的心得,Sturla表示重量是他考量的唯一要素,於是他選擇Canon C300來進行拍攝,第一是因為他使用過該攝影機拍過紀錄片,第二是重量以及感光度的考量,因為運鏡的關係,無法有燈光師一起配合,全片以ISO2000拍攝,第三是電池力。攝影師甚至自製手持握把,最後在全片拿著5.5公斤的攝影機,完成一鏡到底的攝影。當然,這樣的連續拍攝是連換鏡頭的時間也沒有,所以全片也是用同一顆鏡頭拍攝完成的。 攝影師拍攝《維多利亞》時自創「方法攝影」 攝影師說這就像是「方法攝影」(對比於在前篇文章提到的方法演技),這是他自己發明的攝影方式,也就是讓攝影融為其中一個角色,跟著主角們的腳步律動,不讓觀眾察覺到攝影機的存在。有時候看電影就像在作夢一樣,你離角色非常的近,你的角度可以參與他們發生的事件,但其實你卻摸不到。 ...