美術妝髮特效

2018.01.18 前製編劇導演

《大藝術家》獻給好萊塢的電影情書，黑白默片的獨特氛圍

 「電影拍攝可以是一種藝術形式。」 榮獲奧斯卡最佳電影、最佳導演、最佳服裝設計……等多項獎項的《大藝術家》，由法國導演Michel Hazanavicius編導。故事背景設定為1920年代末到30年代初的好萊塢，以默片明星的沒落為劇情主軸，講述無聲電影至有聲電影的興衰歷程。 全片仿黑白默片的形式拍攝，人物間沒有對話，僅透過演員生動的演技發展劇情，並運用燈光及服裝，營造故事氛圍與塑造角色形象，搭配適當配樂扣人心弦，完美呈現默片獨特的鏡頭魅力。 《大藝術家》劇情簡單卻深具娛樂性，視覺語言值得探討。文章將分享電影創作源起、默片的拍攝規格與特色，以及燈光及服裝在默片中的重要性，重拾被遺落的經典時代記憶。 向默片時代致敬，導演對默片的不捨與熱愛 「我真的很想拍一部默片作品。」 默片的興衰如同電影般戲劇化，在1920年代末以前，大部份電影都是默片，直到1930年代初期有聲電影的興起，默片時代才正式結束。導演Michel Hazanavicius認為有聲電影的出現，使原本可能可以有更多進展的默片停滯，是件很可惜的事情。這也是他籌拍《大藝術家》的原因，想證明現代也能拍出優秀的默片作品。 「我真的很喜歡默片的表達方式。」Hazanavicius表示：「語言不是唯一的溝通方法，就如同一個嬰兒對你微笑時，那種感動是不可言喻的，我希望電影可以帶來那樣的感覺。」 編劇是最艱難的任務 由於默片沒有台詞，僅穿插字幕卡（Intertitles）交代重點對話，因此劇本的創作，必須得更精準描繪人物形象及情緒氛圍。為了更加瞭解默片的拍攝形式，導演做了很多研究，看了很多20年代的默片，花了四個月才完成。Hazanavicius表示這個過程，比執導電影還困難許多。 《大藝術家》受到許多默片作品的影響，其中又以卓别林的《城市之光》最為重要。「在寫劇本的時候，我看了不下20次的《城市之光》，每一次都讓我更加確定，拍攝這部黑白默片是非常值得且正確的決定。」Hazanavicius期盼可以透過電影，讓觀眾明白只有默片才能呈現的美好感動，是無法輕易被有聲電影給取代的。 《大藝術家》如何呈現默片的鏡頭魅力 「這是最純粹的說故事方式，你只需要創建視覺形象，不需要對話。」 雖然《大藝術家》的拍攝僅花了35天，但攝影指導Guillaume Schiffman表示在拍攝之前，他與導演Hazanavicius看了20多部電影，希望盡可能依照20、30年代的風格拍攝，在不過度引用經典的前提下，思考故事架構與拍攝手法。 底片攝影再轉為黑白色調 《大藝術家》並不完全遵照默片時代的風格拍攝，而是全新的創作。為避免直接用黑白底片拍攝造成的銳利感，Schiffman先以彩色膠卷進行拍攝，再轉換為黑白畫面，增添灰色調與顆粒感，使電影更具復古質感。 不僅如此，電影的畫面比例也改為1.37:1，並以每秒22格拍攝，再按正常24格的速率播放。所以在《大藝術家》中，每個人看起來都加快了一點，試圖還原當年默片的觀影體驗。（因為早期默片約為每秒16至23格，而非現今統一的24格。除非精準得將他們原本的放映速度播出來，否則人物的動作可能會變得不正常加快或奇怪。） 善用燈光營造故事氛圍 在黑白電影中，燈光代替了色彩，Schiffman有效利用光影來引導觀眾情緒。例如：一開始運用鮮明的黑白對比，呈現男主角喬治意氣風發的全盛時期。隨著聲勢逐漸沒落，進而改用低光處理，營造灰暗粗糙的視覺形象。 在劇情中，當喬治第一次在放映室聽到聲音時，導演希望呈現強烈背光和銳利陰影的視覺效果，但Schiffman表示這更像40年代的電影，而不是20年代的風格。Hazanavicius則說：「我不在乎，我只想要呈現這個角色進入陰影的強烈形象，這是故事中的轉折，我需要它被看見。」 視覺語言的重要性，服裝設計塑造人物性格 「我才是應該要拍這部電影的人！」——Mark...

2018.01.15 前製編劇導演

Greta Gerwing首部編導作品《淑女鳥 Lady Bird》——驚艷展現導演能力

瀏覽評論網站，《淑女鳥 Lady Bird》的好評遍地開花，導演是出身演員的Greta Gerwing。她不只擔任導演，也是這部電影的編劇。這部片成功地拍出了某些人青春期經歷的自溺階段，進而到面對成長的種種反思，場景更直接拉回Greta Gerwing位於美國的家鄉Sacramento。 但這並不是Greta Gerwing的自傳故事，是虛擬人物；某種程度而言，也是和女演員Saoirse Ronan共同打造的角色。同時，Saoirse Ronan因為《淑女鳥 Lady Bird》，拿下金球獎最佳影后獎座。(本文無劇透，請安心服用。) Lady Bird的角色秘密 《淑女鳥 Lady Bird》除了背景年代以及場景，是依據當年導演Greta Gerwing畢業的年份2002，以及家鄉Sacramento之外，整部電影並非自傳電影。而主角Lady Bird也完全不是導演Greta Gerwing的青年翻版。 「我不像她那麼大膽。她唯一知道的事情，就是自己是最棒的；她不會等待，她會去主動追求自己想要的東西。」——導演Greta Gerwing。 考慮到高中女生對於自己的服裝會很有想法，所以導演Greta Gerwing、服裝設計April Napier、跟演員Saoirse Ronan，一起討論了Lady Bird會穿什麼樣的衣服，直接一起上街買，放在衣櫃裡輪流穿。 而演員Saoirse Ronan在出演這部電影時，因為生理疲累，皮膚狀況不好，頻頻冒出青春痘。化妝指導Jacqueline...

2018.01.09 美術妝髮特效

透過電影色調及場景設計，重回《午夜巴黎》的黃金時代

 「沒有什麼藝術作品可以和一座城市相提並論。」——Woody Allen 導演Woody Allen（伍迪艾倫）以一年一部電影聞名，作品產量驚人且獨具個人風格。對於各國城市文化情有獨鍾的他，繼在倫敦拍攝《愛情決勝點》，以及於馬德里取景的《情遇巴塞隆納》之後，第41部長片《午夜巴黎》，是他第一部全片在巴黎拍攝的作品，被稱為是Woody Allen寫給巴黎的一封情書。 《午夜巴黎》以輕鬆愉快的步調，探討法國與美國生活選擇上的差異，並透過色調轉換及場景重現，營造不同時期巴黎的時代氛圍。文章將分享導演的創作靈感來源、暖色調鏡頭呈現，與細心考究的場景設計，一同沉浸在巴黎浪漫的鏡頭魅力下。 靈感源自於《午夜巴黎》的電影名稱 「我有把巴黎浪漫化的傾向，接近午夜的時候，當燈光亮起，一切都變得如此美妙。」 「我和所有的美國人一樣，對巴黎的了解都僅限於電影。」生長於紐約的Woody Allen表示：「直到1965年我才第一次踏上這片土地，那時的巴黎與電影如出一轍，正如我的電影《曼哈頓》所展現給世人看到的紐約一樣。」 而《午夜巴黎》的電影開頭也使用與《曼哈頓》同樣的手法，利用一幕幕的巴黎街景，從清晨到午夜，傳達下過雨後的巴黎之美。「我就是想以我的感覺呈現這座城市的樣貌，無論真實與否，這就是我眼中的巴黎。」 即使被大雨淋濕也心繫電影的導演 攝影指導Darius Khondji表示為了拍攝開場鏡頭，他們去街頭流浪取景，Woody Allen對陰天和濕路面感到高興，即使被突然傾瀉而下的大雨淋濕也毫不在意，「Woody根本不在乎我們是不是濕的，他只是沉浸在喜悅裡，因為這正是他想要電影呈現的感覺。」 透過攝影打造溫暖時代氛圍 「我希望透過相機呈現電影的溫馨氛圍。」 導演一開始想用黑白畫面呈現1920年代的鏡頭，但Darius Khondji認為從彩色突然切換到黑白畫面，在視覺上會有點突兀，經過兩人討論後，最終決定透過比現代色彩更豐富的暖色調，作為區分過去和現在的方式。 「Woody喜歡溫暖多彩的顏色，他不喜歡那種冷酷的色調。」Darius Khondji表示：「我們讓1920年代呈現如金黃色般，非常溫暖的氛圍；而Belle Époque（美好年代），則是增加了煙霧和更多的背光，顏色甚至更暖，成為真正的紅色調。」 除了顏色，也利用不同鏡頭區分年代變化 Darius Khondji表示他從畫家George...

2018.01.04 前製編劇導演

捕捉80年代經典電影的復古風格，一窺《怪奇物語》的懷舊科幻世界

 《怪奇物語》（Stranger Things）為NETFLIX的科幻恐怖影集，由Duffer兄弟 (杜夫兄弟) ——Matt Duffer和Ross Duffer創作，以1983年的印地安那州為背景，講述一名小男孩失蹤後，隨著親友與警方不斷調查，逐漸捲入神秘事件中的故事。  系列影集充滿1980年代的懷舊風格，參考許多80年代的經典作品，如《E.T.外星人》《月光光心慌慌》等，完整呈現當時的流行文化。除了強大的美術團隊外，其驚悚劇情也是使影集受到歡迎的原因之一，劇中異次元世界「Upside Down」所營造的懸疑氛圍，更是令人印象深刻。 文章將分享Duffer兄弟的創作靈感來源、鏡頭的選用，以及劇中大魔王Demogorgon的製作，帶領觀眾更加了解《怪奇物語》的復古科幻世界。  創作靈感源自於Duffer兄弟的童年 「你的童年可以成為說故事的金礦，必須得深入挖掘。」——Duffer Brothers 《怪奇物語》是圍繞著一群魯蛇與怪胎所發生的故事，Duffer兄弟表示這與他們的成長經歷習習相關，身為雙胞胎的他們，從小就受到同儕的異樣眼光，甚至被嘲笑，他們以此為借鏡，反映在影集之中。 對電影與桌遊的熱愛 Duffer兄弟從小就對電影有興趣，小學三年級起就用父母送的Hi8錄影機來拍電影，Ross：「拍電影佔據我們童年很重要的一部份，當時我們以此為生，而現在我們試圖在《怪奇物語》中，找回那年夏天講這些故事時的那種感覺。」 除此之外，他們也是桌遊愛好者，「第一次寫《怪奇物語》的時候，我們寫的第一件事就是龍與地下城。」Matt表示：「我們大約寫了兩分鐘，因為這是我們很熟悉的東西，我們不得不回想起小時候的經驗，這種感覺非常私人，但寫起來也容易多了。」 向1980年代的經典電影致敬 「我們不是直接模仿這些電影，而是試圖捕捉那個年代的風格氛圍。」 出生於1984年的Duffer兄弟，表示自己是網路流行前的最後一代，嚴格說起來是90年代的孩子，但卻對80年代的經典作品情有獨鍾，如Steven Spielberg（史蒂芬史匹柏）、John Carpenter（約翰卡本特）、Stephen King（史蒂芬金）的作品等，並試圖從中創造新意。  「有許多80年代的作品賦予我們靈感，如《大白鯊》《第三類接觸》，當然還有《E.T.外星人》和《月光光心慌慌》。除了這些電影外，對我們啟發最大的是Stephen King的小說，還有那些超厚的紙皮書。我們希望《怪奇物語》可以帶給觀眾像是在童年夜裡，翻開那些上千頁小說時的感覺。」 《怪奇物語》與經典電影場景的對照：  電影《E.T.外星人》對影集的影響...

2017.12.21 前製編劇導演

《瘋狂麥斯：憤怒道》末日，不代表人們就放棄追求「美麗」

《瘋狂麥斯：憤怒道》是導演George Miller（喬治米勒），隔了30年才又推出的系列續集電影。主角從Mel Gibson（梅爾吉勃遜）變成了Tom Hardy（湯姆哈迪），Miller笑稱在第一部Mad Max《衝鋒飛車隊》上映時，Tom Hardy還只是個出生不久的嬰兒。  2001年，終於要啟動續集計畫，但美國發生了911事件，接著又是伊拉克戰爭，直到一切終於穩定的時候，原訂拍攝的沙漠，居然又下了一場彷彿毫無止境的大雨，使得拍攝過程無比艱辛。 每次中斷，導演George Miller就把注意力放回到「跳踢踏舞的企鵝身上」，陸續自編自導拍攝了動畫電影《快樂腳》與《快樂腳2》。重重劫難後，對於視覺畫面掌握非常清楚的George Miller，最後終於得以基於3500張分鏡圖，繼續拍攝《瘋狂麥斯：憤怒道》。 3500張分鏡設計圖背後的故事： 「整部電影就是要讓觀眾相信，這些事情是真實發生的事情。」《瘋狂麥斯：憤怒道》故事設計師——Mark Sexton。  對觀眾交代：  對於《瘋狂麥斯：憤怒道》背後的故事團隊來說，最大的挑戰當然就是要「化不可能為可能」。不能畫出讓觀眾不能理解的東西，也不能華麗到觀眾跟不上故事節奏。 對劇組交代： 通常如果有了劇本，劇本就會是全劇組工作的準則，所有人得以依據劇本去創作影像。比方說特技組也得以由分鏡去建構出更清楚的「特技分鏡」圖。 有了完整、詳盡的分鏡稿，讓每個工作人員不會在鏡頭之間迷失，不知道自己該做什麼，或該做到什麼程度才夠。這也是分鏡師的責任。比方說，電影裡有80輛車的追逐場面，故事設計師就要必須在腦袋裡計算好，到底這80台車要怎麼呈現在畫面的哪裡。 最後，所有工作人員的視覺想像，都在分鏡圖被統合；所有工作人員的疑問，也都在分鏡圖裡面被交代。有了這3500張分鏡圖，工作人員在前製作業可以有所本，依據圖像去找到他們需要的答案，開啟各項困難的作業。 150輛特技飛車戲碼，0傷亡紀錄 「總不能把因為要在45度高溫的沙漠， 設計出有18個輪子的汽車當作藉口， 就說速度快不起來吧？」 ——《瘋狂麥斯：憤怒道》藝術指導Colin Gibson。...

2017.12.20 短片動畫廣告MV

經典動畫《聖誕夜驚魂》——透過模型打造奇異詭譎的怪誕世界

《聖誕夜驚魂》是一部上映於1993年的逐格動畫電影，由《怪奇孤兒院》導演Tim Burton（提姆波頓）創作及監製，《第十四道門》Henry Selick執導，電影以怪誕離奇的故事，與黑暗詭譎的畫風聞名，極具鬼才Tim Burton詼諧搞怪的獨特風格，劇中主角Jack更是成為家喻戶曉的萬聖節代表人物，堪稱為經典動畫之作。 全片皆運用模型拍攝而成，道具製作工程極其浩大，片長僅76分鐘卻費時三年，也曾榮獲奧斯卡金像獎最佳視覺效果提名。文章將分享《聖誕夜驚魂》的創作發想、幕後製作過程及角色設計，與觀眾一同進入聖誕夜的奇異幻想。 構思於創作鬼才腦內的異想世界 「這部電影的靈感來自於我對經典聖誕特輯的熱愛。」 ——Tim Burton《聖誕夜驚魂》監製 Tim Burton表示藍金貝斯公司所製作的聖誕動畫特輯，對他影響特別大：「每到聖誕節的時候，你都會看《紅鼻子馴鹿魯道夫》《鬼靈精》等節目……這些都是我最喜歡的聖誕特輯。」他也從購物商店的裝飾中獲得啟發，每到秋冬季節，都會在商店中發現萬聖節及聖誕節的裝飾，這為他的故事——萬聖節之王闖入聖誕節，埋下種子。 有一次Tim Burton發高燒，因而看到了幻覺，讓他想到了《聖誕夜驚魂》的故事雛形，他說：「我認為那些從潛意識中所產生的，就是最好的想法。」 Jack初到聖誕城演唱《What’s this?》的電影片段： 黑暗題材與與迪士尼相抵觸 Tim Burton於80年代在迪士尼工作時，就曾提過《聖誕夜驚魂》的故事概念，希望可以製作成電視特輯，但由於故事太過驚悚黑暗，當時並沒有被迪士尼接納。Tim Burton最終還是說服迪士尼投入製作，但為維持迪士尼的夢幻童話形象，他們決定將電影透過迪士尼旗下的正金石影業發行。 提姆波頓其實沒有參與製作 雖然《聖誕夜驚魂》的故事架構及人物是由Tim Burton創造的，但因當時他正忙著拍攝《蝙蝠俠：大顯神威》，所以實際上並沒有參與製作，僅負責監製工作，反而是由導演Henry Selick全權負責。 Selick表示：「好像他把蛋放好了，我坐在它上面孵化出來。他沒有親自動手，但是他的手在其中。我的工作就是讓它看起來像『Tim Burton』的電影，與我自己的電影沒有什麼不同。」...

2017.12.07 前製編劇導演

鬼才導演Guillermo del Toro的奇異幻想——打造黑暗童話《羊男的迷宮》

墨西哥導演吉勒摩戴托羅（Guillermo del Toro）的作品大多都與童話故事和恐怖元素有關，他善於融合奇異幻想與寫實世界，創造獨樹一幟的驚悚氛圍，其作品《魔鬼銀爪》《羊男的迷宮》《腥紅山莊》都能反映出導演怪誕詭譎的獨特風格。 其中黑暗童話故事《羊男的迷宮》中綺麗的魔幻異境，與精心設計的角色造型，皆洋溢神話色彩，展現導演極富想像力的視覺美學。文章將以此部電影為例，分享戴托羅的創作理念、怪物的造型設計，以及劇中的色調呈現和拍攝方式。 結合童話與恐怖美學的奇幻寫實導演 「我用非常自然的方式來處理奇幻角色，讓故事根植於現實世界中。」 ——吉勒摩・戴托羅《羊男的迷宮》導演 戴托羅表示對他影響非常深遠的事物之一，是托爾金（J.R.R.Tolkien）以文學討論童話故事的書，那本書說奇幻故事應奠基於真實世界，讓人們自行飛進幻想之中。因此他在拍攝時，都會確保畫面只比真實要誇張一點，使怪物看起來夠怪誕，又不會強烈到難以辨識。 《羊男的迷宮》考究史實細節，片中的房子及家具，只比真實世界稍微戲劇化一點而已，上尉和衛兵穿的服裝也都符合那個年代，僅稍微調整剪裁與衣領，增添制服視覺風格。 出生於墨西哥 「我曾在太平間旁邊工作過幾個月，見過有人被槍殺、被活活燒死、被斬首……因為墨西哥還是一個非常暴力的地方，所以我認為我的電影中有某些元素來自於墨西哥的感性。」 戴托羅表示出身墨西哥，是他身為電影工作者很重要的一部份。電影中的華麗風格、通俗劇的感性與瘋狂，讓他能夠將歷史事件與虛構怪物結合，並運用獨特的手法詮釋死亡與重生的議題，電影《羊男的迷宮》即是如此。 創造《羊男的迷宮》精緻駭人的驚悚怪物 「我的電影裡沒有怪物，我有的是角色，所以我把怪物當成角色來拍。」 ——吉勒摩・戴托羅 戴托羅受到英國插畫家亞瑟・拉克姆（Arthur Rackham）的作品啟發，結合童話寓言元素，創造出黑暗幻想角色，並記錄在他的靈感筆記本中。為了完整呈現他腦內的奇異想像，他還編制了一本剪貼簿，供藝術指導及造型設計參考，內容甚至超過了100頁。 十年的化妝師經歷 在成為導演之前，戴托羅跟著《教父》化妝師迪克・史密斯（Dick Smith）學習，從事特殊化妝工作近十年的時間，奠定了出色的化妝技術。 至今戴托羅仍堅持透過實際化妝，更能表現角色的真實性，因此電影中看到的怪物，大多都是他與特殊化妝師大衛・馬蒂（David Martí）的團隊精心構思與製作出來的。 蒼白無眼怪——瞳魔的創作 食人瞳魔（Pale Man）為電影最具標誌性的驚悚怪物之一，最初的設計概念為一名非常老的人，以前很胖，但現在瘦得只剩下皮膚跟骨頭，表皮就像肉一樣垂下覆蓋住身體。...

2017.11.16 攝影剪輯音效

如何透過色調及構圖呈現《雲端情人》的孤寂疏離之感

榮獲奧斯卡最佳原創劇本的《雲端情人》，由《蘭花賊》導演Spike Jonze（史派克瓊斯）自編自導，這是他第一部獨立完成劇本的作品，靈感源自於十年前他在網路上讀到關於人工智慧即時通訊的文章，而有了「如果人類與意識自主的人工智慧發展出關係，會發生什麼事？」的發想，於是決定以此為基礎，發展一段科幻浪漫愛情故事。 故事背景設定在未來的洛杉磯，運用極簡畫面構圖與柔和暖色調，詮釋科技社會中的疏離感，營造憂鬱氛圍。文章將針對電影的攝影方式與場景設計，探討如何透過影像及色調，呈現片中深沉的寂寞之感。  Spike Jonze如何透過攝影呈現孤單之感 孤獨是人類普遍會產生的情緒，在由Spike Jonze所執導的《雲端情人》與《野獸冒險樂園》中可以發現，他擅長透過影像表現孤單的感覺，以下來自Studio Binder的視頻，將分析Jonze如何透過鏡頭呈現寂寞氛圍： 除了可以運用淺景深，表現人物孤立於周圍世界外，影片中表示拍攝特寫鏡頭可以放大臉部細節，突出人物情緒，讓觀眾深刻感受角色的私密情感變化，或是透過寬景鏡頭呈現人物與背景間的大小差異，使其在遼闊空間中顯得非常渺小，增添無助孤獨之感。 由於孤獨與疏離都是逐漸形成的，《雲端情人》利用美好回憶的剪接片段，對比寂寞的現實生活，如此反差令觀眾更快速投入角色的情緒中，而透過極簡的拍攝風格，也能放大人物在影像中所呈現的孤單感覺，著重「少即是多」的畫面概念。 浪漫懷舊的視覺畫面 攝影指導Hoyte van Hoytema受到日本攝影師Rinko Kawauchi（川內倫子）的啟發，開始對日常生活中的事物進行攝影研究，有助於提升電影的質感與色調。ARRI ALEXA相機可以在低光源的室內環境下拍攝，Hoytema利用它拍攝許多室內及特寫的鏡頭，如夜間的主角住宅。（註：ALEXA為ARRI的底片風格式數位攝影機系統） 35mm和50mm的高速鏡頭可以加深角色之間的親密感，而無塗層鏡頭使他捕捉到美麗的鏡頭耀斑，為電影帶來浪漫的復古色調，如片中薩曼莎第一次看到事物的經驗。 ► 延伸閱讀：透過電影色調及場景設計，重回《午夜巴黎》的黃金時代 理想中的烏托邦——極簡的場景設計 「從未來主義開始，我們希望它是一個非常舒適的世界。」 ——KK Barrett《雲端情人》藝術指導 Spike Jonze和藝術指導KK Barrett想要創造出溫暖多彩的柔和世界，看起來乾淨又舒服，在那裡生活一切都很美好，但即使在如此完美的居住環境下，人們依然感到寂寞，這是他們想要呈現的，建立一個充滿孤獨的人居住的遼闊未來世界。...

2017.11.14 攝影剪輯音效

穿梭自如的時間，電影與廣告的靜止時間如何表現？

以時間為主題的電影很常見，將時間暫停的手法，也一直不斷有人挑戰更創新的表現。今天想來跟大家介紹，歷年來的懷舊「創新」嘗試。 2009年由Adam Berg執導的飛利浦電視劇情廣告《Carousel》，以仿一鏡到底的暫停影格方式，巧妙呈現警察追緝假扮為小丑搶匪的劇情段落，今日看來，張力依舊。業界對於時間暫停的手法，一直陸續有不同呈現方式出現。 除了《Carousel》的「靜止時間」，今天還要跟大家分享50台canon相機捕捉高速衝浪的「子彈時間」，以及2014年《X戰警：未來昔日》的「快銀時間」。 飛利浦廣告：偽一鏡到底的警匪追逐靜止畫面   整支廣告團隊調來超過100個工作人員、電動遙臂、3大搖臂、鋼索、3個拍攝工作天、5週後製期，才將這支廣告完美呈現。Adam Berg分享，因為廣告特別想要呈現電影感，所以一開始就設定有警匪槍戰、爆破等「好萊塢製作場面」。 而小丑與警察的設定，甚至劇情設定，則參考自名導Christopher Nolan的電影《黑暗騎士》。整個廣告畫面細節豐富，看起來拍攝複雜，但其實就是「讓演員靜止，攝影機移動」而已。這也是為什麼需要能精準控制身體的演員來表演，因為他們必須在一定時間內，將身體維持在「正在動作」的姿勢。 而重複拍攝同鏡位但沒有演員的鏡頭，是讓後製團隊有素材，把演員背景的鋼絲塗掉。最後再加上寫實逼真的「爆破」特效，讓整個畫面更有張力，影像細節也讓電視商品的優秀畫質更有說服力（以2009年來說）。 50台Canon EOS-1D X仿製《駭客任務》手法拍攝而成的精彩瞬間    除了廣告《Carousel》之外，電影《駭客任務》的閃躲子彈片段，也是著名的時間靜止範例之一，而《駭客任務》更是將「子彈時間」的概念做到廣為人知的第一範例，直到現在仍有人仿效模仿當中。 2013年的相機廠牌Canon就釋出了模仿《駭客任務》手法，拍攝靜止畫面（影片4:47秒處）。來自瑞士的Doklab工作室，首次與Canon接洽詢問是否有50台機身與50顆鏡頭的時候，原本並不抱太大的期望，好險適逢遇到Canon正在為了世界田徑錦標賽做準備，已備好大量商品量。當時Doklab工作室正準備為一個瑞士節目紀錄高速衝浪的精彩瞬間，才想到要以這個手法執行。 雖然自從《駭客任務》之後，許多人一直陸續效仿這個手法，但在2013年的時候，Doklab其實是滿自豪他們又將這個手法運用在新的影像類型上面。實際在拍攝時，架設了50台EOS-1D X的機身以及50顆EF24-70mm鏡頭來執行企劃。使用這個手法拍攝的秘訣，是必須密集等距將相機安排在拍攝的主體周圍，並且同時按下快門，就能在剪接階段將所有影格串連，製造時間凍結的效果。 《X戰警：未來昔日》全片最搶戲，快銀瞬移片段  2014年的漫威電影《X戰警：未來昔日》，讓劇中角色「快銀」有了90秒鐘，在慢到幾乎進止的時間當中，有穿梭自如的空間與能力。當時，這一幕讓整部電影的特效都亮了起來，但精彩的畫面背後，就是各組團隊，甚至跨公司的合作，才能帶來的表現。 5000張影格的素材資料庫 通常特效公司的處理是全3D模型化，然後把模型找到表皮（texture），以及相對應的顏色，才能處理陰影，也就是光如何反射在物件上面。每個物體對於光的反射跟吸收不同，所以每一顆水珠、紅蘿蔔、空中漂浮的物件，都是仔細處理陰影的部分，才能把效果做得栩栩如生。 尤其在這90秒當中畫面幾乎靜止，一點點細節的疏忽都會被觀眾看穿，所以素材很重要。在現場就盡可能用盡各種角度拍攝物件與背景，才有足夠的素材讓後製部門參考以及運用。 每秒3200格的3D...

2017.11.05 業界趨勢活動消息

日本動畫奇才今敏——華麗幻想背後的大師創作

2010年日本動畫名導今敏因病逝世，留下了一封每看必哭的遺書，其中一段表明，非常遺憾還來不及把作品《夢想機械》完成，讓該部作品的「原作、腳本、角色與世界觀的設定、分鏡、印象音樂……等等所有的想法留在今敏一個人的心中。」 今敏首部作品《藍色恐懼》(Perfect Blue)，至今仍是經典的動畫作品之一，今敏的創作主題常常關於「潛意識或意識的流動」，例如幻想、夢境、時間、網路⋯⋯等，搭配精湛的影像傳達，作品往往讓人戰慄。 國外的Youtuber頻道Every Frame a Painting分析今敏的剪接，也引用今敏受訪時表示，他並未想過創作一部實拍片，因為對於動畫來說，實拍片的「剪接」太慢了，比如今敏能用6格影格，就做出實拍片10格的效果。如果你讀過今敏的著作：Kon’s Tone（簡字版：《我的造夢之路》），應該更能領悟，今敏的成就來自：製作時的許多困難以及工作人員的貢獻，才能打造今敏幻想王國。 《盜夢偵探》開場片段：   不能因為不忍心就停止要求修改或重作： 所有深諳動畫製作的人員都知道，今敏的作品就是「不可能的任務」，世界上只有今敏，才有這樣的才能與預算，做出這樣厲害程度的作品。1996年《藍色恐懼》開啟製作時，預算只有9千萬日幣（約台幣2400萬），雖然因為各種意外，讓最後作品超支，但在這樣的預算之下，今敏「監督」的功力更是發揮到最極致。 第一次原畫師們交出的稿件，總計不超過一千個鏡頭，但今敏還是下了決定，讓其中八百個鏡頭重畫。對他來說，不行的東西就是不行，尤其拜託了優秀的團隊跟他一起工作，作品也會是大家的心血，不能辜負大家努力的方式，就是必須嚴格把關，所以可能當時團隊都很害怕聽到今敏導演說：「嗯……再改一改。」 但也會遇到一直打回去重畫，都還是無法符合今敏的期待。今敏也了解再這樣下去就是「欺負人」的程度，就會把那些一直無法過關的設計，攬到自己身上，或拜託較優秀的原畫師一起修改，所以這也是為什麼今敏的作品只有他做得到。 2D動畫製作程序： 劇本 > 角色設計 > 背景設計  > 分鏡  >  構圖  > ...