影視專題

2021.12.14 前製編劇導演

《鈦》超越性別的前衛影像，肉體恐怖妝容驚艷銀幕

肉體恐怖劇情片《鈦》，講述主角Alexia兒時遭遇車禍之後，隨著腦內遭到植入鈦金屬，她變得與家人關係疏遠，也對他人愛慕感到不耐，但在偶然與一台車子發生「性行為」之後，她的命運也隨之改變。 榮獲坎城金棕櫚獎，《鈦》不僅打破常規，透過前衛性別觀念描繪大尺度場景，更以傑出的攝影、化妝技術，呈現令人屏息的美麗畫面，引發兩極化評價，無疑是2021年最具特色的電影之一。 （文內可能有雷，請斟酌閱讀。） 顛覆性別的奇人異事，獨特選角塑造性格 「我想用我知道的方式談論愛，而且是一種無條件的、絕對的愛。」──導演 Julia Ducournau 本片故事源於導演Julia Ducournau夢見自己生下汽車零件，雖然她對噩夢感到畏懼，卻也試圖從中發掘超越恐懼的愛意。因此，她參考聖經與希臘神話的故事基調，創造異於日常生活的世界觀、角色及故事，並且受到《科學怪人》故事啟發，透過主角對懷孕的畏懼與排斥，以暴力情境逐漸顯化主角的人性面。 「法語『汽車』其實是陰性詞，但汽車總是會成為父權的形式或延伸代表。」Ducournau解釋，對她而言，性別流動是一件非常自然的事情，於是她利用人車交合的獵奇設定，大膽顛覆這種刻板印象，同時突顯孕肚逐漸異常的狀態，進而抗議：「這個社會依然不接受女性認為懷孕很可怕。」 雌雄難辨的演員特質 「我需要像一張白紙般的演員，而且她必須看起來雌雄同體。」Ducournau表示，為了幫助觀眾更加投入故事，她決定啟用相對缺乏經驗的演員Agathe Rousselle，並且耗費近一年時間共同排練大量獨角戲範本，其中包括電影《螢光幕後》、電視劇《雙峰》、《追殺夏娃》等，幫助演員熟悉表演工作。 此外，Ducournau亦安排脫衣舞、鋼管舞、拳擊等課程，讓演員能夠貼近角色心理，而她也強調，片中的舞蹈場景非常重要，因為那些片段除了是角色們進行內心交流的時刻，也是觀眾理解角色情緒的依據，她說：「你不需要使用任何字詞向觀眾解釋，他們很清楚那就像兩隻動物正在試探彼此。」 ►延伸閱讀：《人類升級》科幻結合肉體恐怖電影，獨特戰鬥場面打破攝影限制 精緻現代的影像風格，光影色彩描繪情緒 「我們追求的是一種相當現代、顏色飽和、對比度高，而且細節豐富的影像。」──攝影指導 Ruben Impens 曾與導演合作拍攝電影《肉獄》，攝影指導Ruben Impens為了改善前作的畫面細節缺失，這次採用攝影機Arri Alexa Mini LF搭配鏡頭Zeiss Supreme...

2021.11.25 影視專題

《法蘭西特派週報》豐富美術場景，底片攝影捕捉懷舊情感

啟發自美國雜誌《紐約客》，導演Wes Anderson（魏斯安德森）執導新作《法蘭西特派週報》，將故事背景設定於20世紀法國虛構小鎮，透過四個篇章故事結構，講述報社員工與報導內容的趣聞軼事，可謂「獻給記者的一封情書」。 本文將介紹《法蘭西特派週報》復古柔和的影像美學、別出心裁的佈景設計，以及大膽迷人的剪輯風格，看劇組如何揮灑美感與創意，讓觀眾傾心於細膩、幽默的角色故事之中，再次展現魏式美學的驚人魅力。 老派樸實的攝影技法，底片質感塑造復古美學 「每次導演在描述那個鏡頭的畫面時，我都會想『我要怎麼做？』或是『那怎麼可能？』，但這就是跟他合作的重要過程，而我們最後都會成功。」──攝影指導 Robert D. Yeoman 依據導演提供的參考片單，攝影指導Robert D. Yeoman，這次決定效法大量法國新浪潮電影，並且沿用《歡迎光臨布達佩斯大飯店》裡的傳統學院比例1.37，試圖以底片質感喚醒觀眾對老電影的記憶，但在某些時刻，則刻意改用變形鏡頭比例2.39拍攝，Yeoman解釋：「這主要是為了製造一些大膽的戲劇呈現。」 「我喜歡底片的視覺美感，它的質感是這部電影的重要元素，尤其是黑白片段的部分。」Yeoman強調，由於他與導演都是底片愛好者，兩人很快就決定以35毫米底片攝影，並且主要透過黑白與彩色片段的交替使用，突顯色彩在故事裡的意義，他解釋：「這座城市有一種美麗又骯髒的感覺，所有建築物都非常陰暗，但也會有這些亮麗顏色迸發。」 仿效法國新浪潮電影 為了完成精密規劃的鏡頭運動，Yeoman組接不同方向的攝影軌道，讓同一個鏡頭可以連續表現前後左右的移動，而導演也堅持以相對老派的方式拍攝，所以本片除了一個片段曾使用手持穩定器之外，其他幾乎都是以腳架或高爾夫球車架設攝影機，甚至連高角度畫面，都是站在鷹架上面攝製，而非使用一般的攝影搖臂。 同時，Yeoman也參考60年代電影，如《冷血》、《賴活》、《鬼火》等之燈光美學，通常是以自然光拍攝白天室外，並且使用鎢絲燈光拍攝夜晚室外或棚內搭景，但在必要時，亦會使用LED燈SkyPanel應變，他表示：「這些輕便燈具可以讓我們快速把畫面變暗、變暖或變冷。」 ►延伸閱讀：魏斯安德森跨界拍廣告，招牌構圖緊抓客群的心 風格迥異的特色場景，繽紛色彩表現和諧美感 「我認為分鏡圖就像是這一部電影的謎題，而我們的製作過程就是在試著解開它的謎底。」──藝術指導 Adam Stockhausen 受到1956年短片《紅氣球》啟發，藝術指導Adam Stockhausen以寶石色系與流行色調設計畫面視覺，並且參考拍攝地點昂古萊姆的現成建築特色，蒐集法國古董店或跳蚤市場的老式傢俱，於廢棄毛氈工廠搭設內景，搭配出復古、和諧的畫面。 結構奇妙的報社總部 報社建築外觀其實是劇組在室外停車場打造而成，同時也是致敬1958年電影《我的舅舅》，導演Jacques Tati（賈克大地）的經典創意。報社裡的各個辦公室，則是依據角色們的性格，決定裡面的道具、擺設、壁紙色調等，而其中也暗藏致敬歷史知名記者的彩蛋，例如記者James...

2021.11.16 前製編劇導演

《迷離夜蘇活》揭露倫敦黑暗史，驚悚剪接揉合復古配樂

心理驚悚片《迷離夜蘇活》，是《玩命再劫》導演Edgar Wright（艾德格萊特）睽違四年推出的劇情長片，透過豐富視覺與復古配樂，講述主角Eloise與女星Sandie之間的故事，精彩勾勒60年代倫敦蘇活區的夢幻和黑暗。 融合性暴力、演藝圈潛規則等議題，《迷離夜蘇活》不僅是Wright首次嘗試恐怖電影拍攝，也是他少數從女性角色觀點出發的故事，而電影裡充滿倫敦舊街區文化、音樂等元素的堅持，更是他亟欲還原的時代氛圍。 重返蘇活區拍攝，創造驚奇雙人舞蹈 「這部電影是關於任何好的事情都會有它壞的一面。」──導演 Edgar Wright 故事靈感源於導演Edgar Wright十幾年前收到一本名為《Hammer Glamour》劇照書，並且發現許多1950至1970年代的恐怖片女星曾遭遇不幸，甚至斷送職業生涯後，令他開始思考背後的時代氛圍因素，而在Wright得知導演Quentin Tarantino拍出《從前，有個好萊塢》之後，更讓他決心籌備本片拍攝。 「在1960年代中期，倫敦是一個引領世界時尚、音樂、電影、藝術、攝影的文化中心。」Wright解釋，受到大量60年代B級恐怖片、唱片音樂的影響，他一方面想要重現當時娛樂產業之蓬勃，另一方面也想揭露娛樂圈的黑暗史，所以他堅持前往實地拍攝，並且在編劇階段就開始籌備配樂。 時間緊迫的拍攝過程 「這裡是倫敦唯一全天候營業的地方。」Wright表示，由於蘇活區幾乎沒有冷門時段，劇組除了與當地機關密切合作，於凌晨部分時段封鎖特定道路之外，也必須容忍路人入鏡、醉漢亂入片場等情形，而他們甚至不得不有效運用時間，在兩個不同街區同時進行拍攝工作。 一氣呵成的舞蹈片段 （舞蹈片段幕後3:55-6:28） 當主角Eloise首次遇見女星Sandie時，Wright透過類似靈魂出竅的觀點，來回展示兩人互相交替的過程。Wright說明，此處除了第一個鏡頭曾經過剪輯之外，其他片段都是利用鏡頭、燈光、替身、編舞等技巧，巧妙地完成一鏡到底，演員Matt Smith亦解釋：「我們跟在攝影機後面奔跑、閃躲、跳躍，並且不斷繞圈或避開鏡頭，讓視覺效果可以成立。」 ► 延伸閱讀：惡搞也能很認真——「血腥冰淇淋系列」導演Edgar Wright的視覺巧思 隨著音樂起伏，設計剪接、燈光節奏 「我們的目標是透過燈光、配樂、攝影機的互相配合，拉升情緒張力，嘗試突襲你的感官體驗。」──剪接師 Paul Machliss...

2021.10.21 影視專題

《沙丘》自然寫實的科幻影像，服裝、配樂塑造神秘世界觀

《沙丘》改編自1965年同名科幻小說鉅作，導演Denis Villeneuve（丹尼維勒納夫）肩負原著六部曲的困難重擔，以鉅細靡遺的敘事手法，悉心拆解背後的龐雜背景與人物關係，並且邀請奧斯卡級的幕後團隊參與製作，成功還原小說描繪的史詩情景與神祕氛圍，足見其野心。 本文將分別介紹片中的攝影、服裝與配樂等製作面向，引領讀者進入《沙丘》幕後製作環節，看劇組如何解讀小說細節，運用各自專業打破原著改編魔咒，讓觀眾恍若置身「厄拉克斯星球」，見證主角Paul Atreides的英雄旅程。 捕捉角色親密關係，自然光影質感 「你絕對不會想成為搞砸《沙丘》攝影的那個人。」──攝影指導 Greig Fraser 曾以電影《漫漫回家路》入圍奧斯卡最佳攝影，攝影指導Greig Fraser認為本片與前者雷同，也是講述一個男孩與家人的旅程故事。因此，他使用豐富的大特寫鏡頭，將演員置於構圖中央，捕捉角色之間的親密關係，他解釋：「我們必須從主角Paul的視角觀看這個世界。」 「不論是決定鏡位或攝影機運動，我的依據都會回到角色身上。」Fraser 強調，由於導演Denis Villeneuve捨棄使用大量視覺特效，拍攝現場只有實景的沙漠、佈景及道具，所以他更能自由地運用IMAX攝影機Alexa LF，在特寫鏡頭與廣角鏡頭之間切換，展現演員跟場景的互動。 善用柔和的反射自然光 有鑑於導演推崇《星際大戰四部曲：曙光乍現》開頭，充滿自然力量的沙漠景觀，並且嚮往拍出一部宛若紀錄片的科幻電影，Fraser決定不去追求絕美的日落或日出景色，也避免拍攝刺眼的直射陽光，讓電影裡的光影保持柔和、樸實，他表示：「我們選擇不讓畫面過度浪漫化。」 「試圖找到一個平衡並且保持電影感，依舊是一大挑戰。」Fraser說明，為了克服強烈太陽光，在拍攝室外場景時，他主要採用背光攝影，避免演員眼睛周遭出現陰影。而在拍攝室內場景時，則搭配藝術指導Patrice Vermette為碉堡設計的天井，盡可能地使用反射光，取代一般窗戶的直射光，藉以統合整部電影的光影調性。 ►延伸閱讀：擁抱生命的美好——《異星入境》以人為本營造科幻視覺 汲取影視與藝術文化，服裝暗示角色性格 「導演想拍一部未來主義的中世紀電影。」──服裝設計 Jacqueline West 不同於其他科幻小說，《沙丘》原著充滿神祕主義、宗教、哲學、歷史等複雜元素，服裝設計Jacqueline West與Bob...

2021.10.11 前製編劇導演

《米家大戰機器人》漫畫美術風格，繽紛色彩描繪人物情緒

Netflix原創動畫《米家大戰機器人》，講述準大學生Katie即將離家住校，父親卻堅持要開車載著全家人送她一程，享受最後相聚時光。眼看父女關係越來越緊張，外面世界突然被AI機器人佔領，令他們必須團結合作拯救世界。 歷時六年製作，導演Mike Rianda除了以公路科幻喜劇為類型，幽默諷刺現代人過度依賴科技的現況，也真摯地探討父母兒女之間的關係，讓人既對創意四射的漫畫手法捧腹大笑，也對繽紛撩亂的視覺風格驚豔萬分。 反映真實人物與家庭，再現童年噩夢 「這是一部關於不完美之人的電影，我們希望每個畫面都能反映出人性與那些不完美。」──導演 Mike Rianda 導演Mike Rianda過去只有執導電視動畫的經驗，但在偶然機緣之下，他獲得提案開發動畫電影的機會。於是，Rianda在開車返家途中發想公路類型，並且希望結合自己最喜歡的兩個元素──瘋狂家庭與殺手機器人，希望能親自完成這部有趣又好玩的電影。 「我們想做的就是反映真實的人物與家庭。」Rianda解釋，在確立本片的喜劇調性之後，他試著放棄繪製詳細分鏡圖，放手讓動畫師盡情揮灑創意。同時，他大膽起用名氣較小的藝術指導Lindsey Olivares，希望透過對方粗獷、真誠的2D畫風，讓故事核心精神更能被畫面彰顯。 噩夢級菲比小精靈   片中最令人印象深刻的角色之一，莫過於那隻巨大駭人的菲比小精靈。 Rianda坦言，他小時候曾被菲比小精靈給嚇壞，為了重現童年陰影的衝擊，他決定讓菲比成為九公尺高的壓倒性的存在，並且親自為它配音，Rianda笑稱：「這段表演是我在電影裡最驕傲的成就。」此外，他也透露原本菲比有更多令人戰慄的威嚇台詞，可惜最終版本決定刪除。 ► 延伸閱讀：《屍樂園》翻玩活屍電影，趣味影像展現編導的創意思維 漫畫風詮釋現實世界，展現人物情緒 「我喜歡諷刺漫畫，這是我製作這部電影的核心理念。」──藝術指導 Lindsey Olivares 藝術指導Lindsey Olivares曾擔任其他動畫電影的視覺開發設計師，這次她首度獨挑大樑，以擅長的2D諷刺漫畫風格設計美術視覺。為了讓人物與場景貼近現實，Olivares不滿足於純粹誇張化角色面貌，而是大量參考導演的全家福照片，並且輔以社群網站的真實人物照，汲取現實世界的服裝、物件等特色。 同時，Olivares採取較為豐富的配色方式，鉅細靡遺地畫出場景裡的所有物件，試圖還原真實生活凌亂複雜的情景，她表示：「我認為美術設計是一種分析世界的方式，因為你正在誇張化這個世界或某種感覺。」 創意無限「Katie視角」...

2021.09.23 前製編劇導演

《我的陽光之地》挑戰禁忌話題，導演Michaela Pavlátová繪出女性私密情慾

捷克動畫導演Michaela Pavlátová，長年致力於創作動畫短片，她擅長以粗獷、生猛的獨特畫風，幽默探討性、婚姻、愛情等議題。其作品不僅曾多次入圍奧斯卡、安錫動畫等國際影展，也曾獲頒柏林影展最佳短片，創作實力堅強。 本文將分享Pavlátová學習、創作動畫的歷程，並且介紹她獲獎無數的短片作品《慾望街車》，以及斬獲2021年安錫動畫評審團大獎的長片作品《我的陽光之地》（亦為2021年TIAF臺中國際動畫影展之開幕片），引領讀者進入她富有理想、充滿生命力的創意世界。 探索人性慾望，追求創作自由度 「只有動畫短片像鳥一樣自由。」 導演Michaela Pavlátová大學就讀布拉格藝術建築暨設計學院的動畫學系，原本想修習繪畫的她，因為認識日本實驗動畫導演相原信洋，獲贈一台Super 8底片攝影機，才促使她開始製作逐格動畫。之後，Pavlátová陸續從事書籍插畫、大學教書等工作，直到她前往舊金山WildBrain動畫工作室擔任導演，才正式開啟她的動畫導演之路。 「我喜歡的是那些幽默、機智，而且不落俗套的影片。」Pavlátová表示，礙於舊金山的生活不易，再加上自己不願改變創作風格迎合市場，後來她決定跟丈夫搬回布拉格繼續教書，並且開始進行獨立創作。而探索人類生理慾望，以及效法捷克動畫大師Jan Švankmajer、Jiří Brdečka等人的奇異風格，正是她嚮往的目標。 從事動畫創作的原因 （動畫短片《Reci, reci, reci…》曾入圍1993年奧斯卡金像獎） 雖然Pavlátová曾經執導、演出多部真人劇情電影，但她依然熱衷於實驗動畫。其中，最重要的原因就在於創作自由度，她解釋：「拍攝劇情片的時候，不但會有監製、投資人等對你的創作有意見，而且你還要受到龐大資金的束縛。」 因此，自從電腦動畫技術愈加成熟之後，Pavlátová就開始樂於一人完成多項任務，並且盡情揮灑自己的創意，而她也把這種作品稱之為「廚房電影」（kitchen films），認為如此創作才能夠保有絕對的自由意識。 ► 延伸閱讀：意想不到的創意短片，逐格動畫師PES展現荒誕幽默 動畫短片《慾望街車》，大膽描繪女性性幻想 「對我來說，現實是最大的靈感來源，因為你不必摸索主題，關鍵只在於你如何理解現實。」 《慾望街車》曾獲2012年安錫動畫費比西獎、最佳短片等，因為以電車物件暗示性器官，大膽描繪女性性幻想的具體細節，受到兩極化的評價。 最初，導演Michaela Pavlátová其實是受到法國製作公司邀請，參與一個女性情慾短片輯的計畫。於是，她開始描繪一名女性躺在床上，任由許多隻手愛撫的場景，並且聆聽自己喜歡的配樂，最終想像出電車與女司機的故事。...

2021.09.22 前製編劇導演

經典電影場景如何誕生？揭開拍片勘景的實用秘訣

    《銀翼殺手》（Blade Runner） 「挑選拍攝地點是電影製作不可或缺的環節，基本上，場景可說是另一個角色。」──《銀翼殺手》《神鬼戰士》導演 Ridley Scott 無論是《銀翼殺手》洛杉磯大樓、《鬼店》山林酒店小屋，或者《瘋狂麥斯：憤怒道》納米比亞沙漠，這些令影迷印象深刻的拍攝場景，不但考驗編劇、導演、美術等人的想像力，挑選兼具藝術性與可執行性的拍攝地點，更是不容小覷的製片工作。 本文將介紹拍片勘景的重要性，並且搭配《變身影視製作人》作者 Maureen A. Ryan 獨立製片經驗談，分享劇組挑選拍攝場地的注意事項，以及實用製片場勘技巧，以供讀者進一步理解拍片幕後的工作範疇。 為什麼要挑選場景？該怎麼節省預算？ 《愛情，不用翻譯》（Lost in Translation） 「我想要在東京捕捉霓虹的夜晚，拍出一段浪漫的故事。」──《愛情，不用翻譯》導演 Sofia Coppola 影視作品能夠營造獨特的時空環境，引領觀眾進入故事展開的位置。因此，無論製作規模大小，在挑選拍攝地點時，千萬不要忽視場景重要性，必須盡可能地建立場景與故事之間的關聯性。 像是導演 Sofia Coppola（蘇菲亞柯波拉）創作電影《愛情，不用翻譯》時，因為她想捕捉自己初次到訪東京時的迷人氛圍，於是堅持率領劇組在當地拍攝。除了減少劇組人員、攜帶輕便裝備、採取游擊式攝影之外，也盡量利用周邊環境光源拍攝夜景，讓整部電影充滿紀錄片風格，流露真實的東京城市氣息。 懂得預算才能找對場景...

2021.08.24 影視專題

《脫稿玩家》身歷其境的電玩世界，以遊戲思維設計美術場景

備受好評的動作喜劇《脫稿玩家》，講述擔任銀行職員的主角Guy，每天都在「自由城市」無憂無慮的生活，直到某天他遇見一名神秘女子，並且積極展開追求之後，他才赫然發現自己只不過是開放世界遊戲的背景角色。 《脫稿玩家》是《博物館驚魂夜》系列電影導演Shawn Levy，睽違多年推出的電影新作，劇情不僅以豐富有趣的電玩元素為特色，亦展現像是《楚門的世界》、《駭客任務》等經典反烏托邦電影的風範，令人驚豔於虛實交錯的故事。 深度研究電玩文化，奠定影像美學 「我們前期籌備的第一件事，就是製作一本拍攝守則。」──導演 Shawn Levy 早在五年多以前，導演Shawn Levy就曾看過《脫稿玩家》劇本，但當時他自認不理解電玩文化，並未答應接手項目，直到主演兼製作Ryan Reynolds上門委託，他才開始研究《俠盜獵車手》、《堡壘之夜》、《當個創世神》等電玩鉅作，並且從中汲取世界觀、美術風格、遊戲方式等特色元素。 為了區別《一級玩家》、《樂高玩電影》等概念相似的電影，同時降低普遍觀眾的觀影障礙，Levy參考電影《楚門的世界》重整劇本，並且根據《飛進未來》、《精靈總動員》等形塑主角性格，挖掘故事背後的人道關懷意識，而他也盡量避免濫用價值400億的娛樂IP內容，讓故事專注在主角心境，藉以貼近現實。 不同世界的視覺風格 「我希望觀眾總是可以看出角色們在哪一個世界。」Levy表示，由於觀眾視角會在現實世界、電玩世界、遊戲模式之間不斷切換，所以劇組決定突顯個別世界的不同，以便觀眾理解劇情。 拍攝電玩世界時，劇組主要以球面鏡頭、大畫幅景框、對稱構圖、穩定運鏡、明亮色彩等影像特色，捕捉理想現實的城市樣貌，營造無憂無慮的非寫實環境。而在拍攝現實世界時，劇組則以變形鏡頭、不穩定手持、灰暗色彩等相反特色，令觀眾感受現實玩家、遊戲員工的壓抑與無奈。 其中，奠定遊戲模式的視覺風格，是最困難的部分。起初，劇組以卡通化的方式呈現遊戲模式，但畫面反而變得過於歡樂無害，主角面臨的危機與困境也因此削弱，於是Levy改以參照《決勝時刻》等相對寫實的遊戲之介面，使觀眾更容易同理主角。 ► 延伸閱讀：穿梭於虛實之間，《一級玩家》透過VR真實拍攝虛擬宇宙「綠洲」 融合遊戲設計思維，打造多元場景 「電玩遊戲曾經受到電影啟發，但現在電影也同樣受到電玩遊戲啟發。」──藝術指導 Ethan Tobman 影史上的西部電影、科幻電影，或是黑色電影，皆曾經深遠地影響大量遊戲的美術與敘事風格，但本片反而參考眾多遊戲佳作，打破以往現象。 「當你選擇一個最次要、最不重要的角色，並且闡述他的故事時，他所身處的世界就一定要令人驚豔。」藝術指導Ethan Tobman解釋，參考《銀翼殺手》、《巴西》、《回到未來》等電影，並且遊玩《碧血狂殺》、《汪達與巨像》等開放世界遊戲之後，他決定精心雕琢每一個場景，讓觀眾可以不斷挖掘彩蛋。 自由城市...

2021.08.05 影視專題

好萊塢經典音效──《回到未來》、《星際大戰》幕後聲音秘辛

你是否經常在電影裡聽到相似的音效？其實那些熟悉的聲音，都是來自歷史悠久的好萊塢經典電影，它們不僅受到後世沿用，有效地加強影像張力，更帶有復古的電影工業質感，成為專屬影迷或業界人士的特殊彩蛋。本文將介紹3種好萊塢經典音效，向讀者分享它們的幕後祕辛。 小心爆炸！無敵萬用的「城堡雷鳴」 「有些人在拍現代鬼片時，仍然會使用『城堡雷霆』。」——《銀翼殺手2049》聲音設計 Mark Mangini 出自於1931年《科學怪人》的音效「城堡雷鳴」（Castle Thunder），堪稱是影史上最常出現的雷鳴聲，其巨大又深遠的轟隆聲響，不但是鬼屋場景的最佳陪襯，也經常出現在迪士尼或電視動畫片裡。 除此之外，像是《星際大戰》、《回到未來》等科幻片，也曾以「城堡雷鳴」描繪高能量的爆炸聲，但過度濫用的現象，令聲音設計師Mark Mangini不禁批評：「這真是一個愚蠢的雷聲。」 Mangini表示，該音效當初被錄製到光學聲帶時，就已經摻雜不少雜音或瑕疵，不應被後世濫用至此，但如果是想拍出仿古的電影質感或影音資料，使用「城堡雷鳴」或許會有意想不到的效果。 ►延伸閱讀：電影音效還可以這樣做—— 認識擬音師Foley Artist 擊殺角色！悽慘哀嚎的「威廉尖叫」 「這是一個強勁又難以捉摸的古董級尖叫聲。」——《噤界》聲音設計 Erik Aadahl 好萊塢最有名的尖叫聲「威廉尖叫」（Wilhelm Scream），出自於1951年西部電影《軍鼓》，而其名則來自1953年《飛沙河襲擊》，因為片中士兵Wilhelm遭到鱷魚襲擊之際，正是發出了相同的叫聲。 然而，真正將該聲效發揚光大者，則非聲音設計師Ben Burtt莫屬。從《星際大戰》到《印第安那瓊斯》等系列電影，但凡有角色死亡或墜落時，觀眾一定都能聽到Burtt創造的惡趣味。 儘管近年有不少人已經厭倦再聽到它，但你依然能在《魔戒》、《玩具總動員》等電影裡回味，而聲音設計師Erik Aadahl也評論道：「如果這個尖叫聲不夠有辨識性，它也不會變得這麼經典。」 ►延伸閱讀：你一定聽過的音效——《全面啟動》、《魔戒》幕後的聲音秘辛 大鳥來襲！帥氣十足的「老鷹尖嘯」...

2021.06.24 影視專題

經典電影愛用的3種攝影鏡頭──柔焦鏡頭、移軸鏡頭、裂焦鏡頭

除了大家所熟知的廣角鏡頭、微距鏡頭及變形鏡頭等之外，攝影鏡頭其實還有非常多種類，並且被廣泛運用在影視拍攝之中，帶來特殊、迷人的視覺效果，讓創作者能以更多元的手法，呈現自己想要捕捉的畫面。本文將介紹三種常見的特殊鏡頭，並解析它們的成像原理及影像意涵。 柔焦鏡頭：捕捉唯美朦朧的影像，塑造夢幻氛圍 「柔焦鏡頭」（Soft Focus Lens）起源於1910年代的好萊塢，透過球面像差的光學現象，該鏡頭會使入射光無法完全聚焦，導致畫面焦點呈現柔和、朦朧的狀態，常被用來拍攝人像、逆光場景等，藉此產生類似光暈的效果。 有鑑於該鏡頭能夠減少光線、色調及陰影的銳利感，甚至能夠消除細微的人像瑕疵，營造特殊柔和感。許多電影會以此描繪女性、幻覺或閃回片段等，讓畫面顯得夢幻與浪漫，如《北非諜影》、《魔女嘉莉》等。 只要使用柔焦鏡頭或濾鏡，就能輕鬆拍出柔焦畫面。但若無法取得鏡頭，也可以將一般鏡頭套上絲襪，或者在一般濾鏡上塗抹凡士林，利用模糊畫面的效果，模擬柔焦的質感。唯獨在對焦時，因為畫面呈現柔焦狀態，攝影師需要以不同焦距測試，才能找到正確的對焦位置。 ►延伸閱讀：絲襪可以當濾鏡？3種生活用品讓你拍出電影感 移軸鏡頭：不安恍惚的詭譎畫面，改變聚焦位置 「移軸鏡頭」（Tilt-Shift Lens）是一種特殊攝影鏡頭，透過調整鏡頭側邊旋鈕，在不需移動相機機體的情況下，該鏡頭能透過T（Tilt）旋鈕平移拍攝視角，也能透過S（Shift）旋鈕改變聚焦面。 該鏡頭適合拍攝建築物、風景等主題，由於能消除透視扭曲，可以避免前者出現「下大上小」的狀態，校正變形影像，又因為能改變聚焦面，可以製造後者類似「微縮模型」的視覺感，像是《社群網戰》的划船比賽過程。 以移軸鏡頭拍攝電影時，大多創作者會改變聚焦面，利用影像部分失焦，帶給觀眾不安、恍惚的感受，或者平移拍攝視角，令正面拍攝鏡中影像時，不會看到相機本體，省去後製消除的環節。 ►延伸閱讀：「映」出鏡中世界，巧妙運用鏡子的拍攝手法？ 裂焦鏡頭：暗藏危機的視覺引導，打破肉眼習慣 「裂焦鏡頭」（Split Focus Diopter）是一種古老的攝影技巧，透過加裝半葉形凸透濾鏡（half convex glass），該鏡頭能夠令前景跟背景同時變得清晰，呈現不符合人眼習慣的視覺感，常被用來描繪不安情景，或呈現兩個主體的關係。 由於該鏡頭的拍攝原理，勢必會導致前景跟背景之間，出現一段失焦的過渡地帶，造成景深不連續，所以若要解決此問題，建議採用定鏡拍攝，並不斷調整構圖方式，直到失焦部分變得不明顯，過程相對考驗攝影師的技術。 儘管「裂焦鏡頭」流行於70年代電影，但它獨特的詭異視覺感，至今仍被廣泛運用。例如《玩具總動員4》裡，當Gabby向Forky提問時，導演即利用「裂焦鏡頭」，令觀眾察覺潛伏的危機感。 ►延伸閱讀：《玩具總動員4》動畫技術新突破！角色場景設計、虛擬攝影幕後全解密 文字：邱昶維 |...