美術妝髮特效

2018.11.27 前製編劇導演

電影大師教你搭配顏色，大衛芬奇、魏斯安德森的色彩機密

色彩，是影像敘事的重要關鍵。許多電影作品，常以繽紛或暗沉的色調，展現主人翁的性格與狀態，而運用互補色的強烈對比，也能對應情節的發展與轉折，並可藉由相異的色彩組合，重現出不同的時代氛圍。 本文將藉David Fincher（大衛芬奇）、Wes Anderson（魏斯安德森）等知名導演作品，解析電影人如何運用「配色」，如：單色、相近色、互補色的搭配，透過場景設計、攝影光線或服裝物件，建立獨特的用色邏輯與方法，營造吸睛搶眼的視覺風貌。 單色配色——《月昇冒險王國》《異星入境》捕捉統一視覺氛圍 「Wes Anderson對風格非常嚴謹，總是仔細研擬和思索。」——《月昇冒險王國》藝術指導 Adam Stockhausen 單色配色（Monochromatic Color），意指用單一色調，藉其深淺濃淡的差異，表現整體統一、但同中求異的氛圍。追求畫面完美精緻的Wes Anderson，便常以此配色法呈現影像，例如：《月昇冒險王國》中，他與藝術指導 Adam Stockhausen以亮黃色、黃褐色的童軍服、帳篷及物品，與同色系自然景致映襯，表現劇中少年、少女的樂觀純真。 本片為呈現1960年代風貌，以16mm底片拍攝，主要使用Aaton Xtera攝影機，部分樹林及獨木舟場景，則以體型較小的Aaton A-Minima機型拍攝，最終呈現出復古懷舊的色彩風貌。攝影指導Robert Yeoman說：「Wes對各方面都有非常獨特、強烈的直覺……我的目標是在底片上，實現他的願景，並且盡我所能地強化它。」 導演Denis Villeneuve則擅常以自然或人造光，映照於人物和場景呈單一色調，強調角色的內心狀態。《異星入境》即以黯淡的陰天光線，捕捉主角Louise的情緒，攝影指導Robert Yeoman說：「我們讓她保留在憂鬱的空間，讓觀眾以視覺去感受。」隨劇情推進，光線也改以溫暖、有活力的暖色調，表現Louise的心境轉折。 ► 延伸閱讀：擁抱生命的美好——《異星入境》以人為本營造科幻視覺 相近色配色——《瞞天大佈局》《月光下的藍色男孩》呈現時代與人物特徵 「一旦你讓每種顏色都出現，電影看起來就會一團糟，
觀眾會從角色和故事中分心。」——《瞞天大佈局》藝術指導...

2018.11.21 前製編劇導演

金馬得獎電影怎麼拍：《大象席地而坐》、《地球最後的夜晚》、《影》

「從我第一部片就踏入金馬並深入其中，因為這是我們電影人的盛事。」——導演 李安 金馬獎已成為華人電影圈的重要指標，長年來以其大膽獨道的眼光，肯定創作力旺盛的電影工作者。今年更有多部台、中、港作品獲獎，除名導張藝謀的《影》之外，更有多部新穎導演的作品，包含：《我不是藥神》、《地球最後的夜晚》、《誰先愛上他的》等。而最大獎「最佳影片」，則頒給去年逝世的青年導演胡波的處女作《大象席地而坐》。 本文將針對其中三部電影：《大象席地而坐》、《地球最後的夜晚》及《影》，介紹作品幕後的拍攝過程，審視導演及製作團隊們創作時的巧思。 石家莊人的悲涼史詩——《大象席地而坐》鏡頭直擊角色內心 「這部電影藉角色繁瑣的日常，建立起個人的史詩神話。」——《大象席地而坐》導演 胡波 第55屆金馬獎：最佳劇情長片、最佳改編劇本 《大象席地而坐》描繪河北石家莊，四位分屬老、中、青世代的角色，在一天內經歷理想崩壞與人性試煉。由中國青年導演胡波，經他所撰寫的小說《大裂》改編而成。全片長達4小時，影像氛圍壓抑，色調朦朧灰暗，並藉人物與情節，反映中下階層的生活景況。 胡波曾在訪問中提及：「在我們這個時代，即使面對最微小的事，也越來越難擁有信仰，而這種挫敗感，成為當今社會的標誌。」電影裡，為呈現角色生活的挫敗與壓力，劇組每天僅於日出、日落前後的三小時拍攝，全然使用自然光，捕捉晦暗沉重的視覺感。 劇本更設計為90場戲，每一場戲皆規劃以一顆長鏡頭拍攝，許多評論家皆認為，有向其偶像、匈牙利導演Béla Tarr的鏡頭美學致敬之用意。攝影指導范超則使用RED Scarlet攝影機，以穩定的手持攝影，跟隨角色捕捉其視角拍攝。 全片工整且具爆發力的劇本，以及始終如一的視覺表現，最終奪得本屆金馬獎最佳影片，替於去年自殺身亡的導演胡波，讓其才華與努力更得以留名青史。 ► 延伸閱讀：彷彿走進大銀幕——令人身歷其境的「手持攝影」技巧 實時捕捉魔幻夢境——《地球最後的夜晚》長達一小時的長鏡頭拍攝 「我喜歡長鏡頭，因為它讓我感受到時光。」——《地球最後的夜晚》導演 畢贛 第55屆金馬獎：最佳攝影、最佳原創電影音樂、最佳音效 繼處女作《路邊野餐》後，新銳導演畢贛的《地球最後的夜晚》，描述主角羅紘武，於多年後返回貴州故鄉凱里，偶然發覺過往情人萬綺雯的蹤跡，因而陷入曖昧、迷離的回憶中。電影大膽分為兩段式呈現，前段使用Arri Alexa 數位攝影機拍攝，後段則以Red Epic Dragon，表現長達60分鐘的魔幻長鏡頭，並轉換為3D規格呈現。...

2018.11.09 短片動畫廣告MV

Coldplay樂團〈Up & Up〉合成超現實場景，拼貼藝術反映世界面貌

英國搖滾樂團Coldplay（酷玩樂團）作品〈Up & Up〉的MV，由以色列導演Vania Heymann和Gal Muggia執導。片中充滿各式超現實的夢幻場景，讓MV甫推出就受到評論界及歌迷讚賞，僅用五天時間突破2000萬人次觀看，更獲頒MTV音樂錄影帶大獎最佳視覺效果，以及葛萊美獎最佳音樂錄影帶提名。 從拍攝到後製完成，影片耗費約9週製作，透過大量的合成技術及綠幕拍攝，Vania Heymann和Gal Muggia以驚人的創意巧思，以拼貼技巧反映出多元社會議題，打造想像和現實交錯的新奇樣貌，挑戰視覺藝術的創新和突破。 大玩超現實拼貼藝術，以荒謬景象反映現實 「這個世界既充滿壞事，又非常迷人。」──〈Up & Up〉導演 Vania Heymann 「我很喜歡用雜誌上的日常照片，製作超現實的拼貼畫。」Heymann表示， 這種拼貼風格，源於20世紀初的超現實主義，透過精細、寫實的手法，將日常生活的景象，變得怪誕有趣，甚至創造幽默感；然而，這個歷久彌新的藝術風格，直到近期隨影像技術革新，才終能透過後製特效完整表現。 Heymann酷愛挑戰新穎的技術，他認為MV的製作，必須結合音樂、電影及藝術等創作思維，卻又要在短時間內，展現出不受結構限制的內容，無疑是影視製作的「終極藝術形式」。因此，Heymann和Muggia在每顆鏡頭裡，放入大量資訊和設計細節，讓觀眾能夠反覆觀看、細細品味。 放眼世界的美麗與黑暗 「這首歌非常樂觀向上，而且情感共通於世界各地。」Heymann解釋，為彰顯歌曲傳達的意義，他們決定讓影像內容囊括全球。透過蒐集世界各地的畫面素材，他們將空拍素材、團員演奏，以及日常人物生活等畫面，透過影像拼貼技巧，呈現全世界文化的多元性。 Heymann和Muggia選擇大量50年代美國繁榮發展的影像，以及現今有關戰爭、難民等議題的資料畫面，將兩者共同呈現在影片當中，暗諷當代政治的問題與危機。其中，最引發話題的，是一個「海灘長城」的畫面，它被普遍認為是暗諷川普的移民政策，或是以巴衝突的隱喻，但Muggia都予以否認。 團員化身地表巨人，棚內綠幕拍攝的專業手法 「如果這是其他歌手的MV，我一定會非常嫉妒。」──Coldplay樂團主唱 Chris Martin 除蒐集符合創作理念的歷史、新聞影像資料，影片裡的許多畫面素材，都是由劇組實拍，包括棚外的空拍、街道等，以及菜瓜布、爆米花等日常物品拍攝。導演Heymann和Muggia構思，上述畫面都是為合成拼貼而拍攝，但在拍攝團員演奏的畫面時，他們也沒錯過以此創作的機會。...

2018.10.26 前製編劇導演

《玩命再劫》導演潑灑色彩創意，〈Colors〉重現復古歌舞MV

喜劇導演Edgar Wright以《玩命再劫》、「血腥冰淇淋」系列聞名，常以豐富的影像設計，巧妙融入活潑樂曲，碰撞令人拍手叫好的戲劇效果。近期，他更為音樂人Beck拍攝MV〈Colors〉，影片佈滿藍、黃搶眼色彩，藉大排場舞蹈設計、生動精巧的動畫，潑灑出另一精彩視聽之作。 Edgar Wright 向 1930、40 年代好萊塢歌舞片取經，找來《玩命再劫》動作指導，重現「人體萬花筒」般的華麗舞蹈。另外，全片追求復古風情，並未使用綠幕，全為實景拍攝，由後製團隊「The Mill」合成影像，添加趣味動畫，忠實呈現導演的狂想影像宇宙。 Edgar Wright執導MV〈Colors〉： 向音樂人致謝——「資深樂迷」導演Edgar Wright以影像回報 「做一部沒有劇情，只關乎音樂的MV，是件非常自由和有趣的事。」——導演 Edgar Wright 導演Edgar Wright長年活躍於電影圈，善於以音樂節拍，「對點」人物動作及畫面變化。身為資深樂迷的他，常於作品中，選用各年代音樂人作品，包含：Simon & Garfunkel、T. Rex、The Beach Boys等人的著名經典。他說：「作為製作電影的音樂好愛者，最棒的就是可以選用這些歌曲，向曾啟發你的音樂人致謝。」 此次，Edgar Wright為相識超過15年的好友Beck執導MV〈Colors〉，兩人曾於《歪小子史考特》合作，Beck為劇中譜寫數首插曲對Edgar Wright來說，本次合作更像是「回報」Beck，但也因此承受極大壓力：「我是他的大粉絲，不想在製作影像時搞砸一切，我竭盡所能呈現出聽到這首歌時，腦袋中浮現的想像。」...

2018.10.20 前製編劇導演

《一個巨星的誕生》布萊德利庫柏蛻變導演，挑戰手持攝影與現場收音

四度搬上大銀幕的《一個巨星的誕生》，由男星Bradley Cooper（布萊德利庫柏）擔任編劇、導演及男主角，並與Lady Gaga彼此砥礪，親自演唱劇中所有歌曲，譜出一段真摯動人的影像樂章。 為掙脫歌舞片、音樂傳記電影框架，本片更藉驚人幕後製作團隊，包含：《阿甘正傳》編劇、《黑天鵝》攝影指導、《樂來越愛你》的聲音部門，以大量手持攝影拍攝，原音錄製演員及樂團演出，並透過「脈衝響應」的特殊混音手法，忠實貼近「音樂人眼、耳中的世界」，呈現真實、宏大且刻骨銘心的愛情史詩。 為翻拍劇本注入新觀點——Bradley Cooper實踐編導電影之夢 「我想實現這個想法：呈現一個真實的愛情故事。」—— 導演 Bradley Cooper 實力派男星Bradley Cooper以《一個巨星的誕生》，實現他多年來的「導演夢」。他從12歲，因David Lynch的《象人》影響，深受電影影像吸引，進入業界後，也傾心研究攝影、打光、剪輯等技巧：「我著迷於所有和電影有關的事物，不僅對表演有熱情而已。」 Bradley Cooper與另兩位編劇Eric Roth、Will Fetters，將歷經多次改編的《一個巨星的誕生》，調整為更現實的愛情故事。他說：「這兩人皆曾於生活中面臨低潮，而他們在彼此身上尋找慰藉的同時，卻又不能全然被修復。」 劇本也重塑人物的性格，女主角Ally不再嬌弱、更加強悍，Bradley Cooper說：「她認為她的聲音不被聽見，並努力想走出自己的路。」相較之下，劇情更細膩描繪男主角Jack的毒酒成癮狀況，凸顯他的脆弱。Bradley Cooper也曾有酗酒問題，因此更想反映成癮者的處境：「這不是個明亮的故事，但忠實呈現成癮者所面對的現實。」 加入創傷家庭故事線，深化「巨星殞落」過程 Bradley Cooper更依自身經歷，加重描寫Jack的家庭背景：「一個破碎的家庭，如何影響一個孩子是我很感興趣的。」其同樣沉淪酒精的父親、妒忌其才氣的兄長，皆為過往版本較少著墨的故事線，為「巨星的殞落」鋪陳。 劇中，男主角對父親與兄長的崇敬，更是源於Bradley Cooper，想緬懷因癌症過世的父親：「我一直想成為父親，故事裡有很多情節，都與他有關，讓我和他保持親密。」男女主角所共同飼養的狗，象徵兩人建立起的家庭關係，狗的名字Charlie，即為Bradley...

2018.10.19 短片動畫廣告MV

《東方快車謀殺案》以現代設計美學，創造真實列車場景

《東方快車謀殺案》（Murder on the Orient Express）改編自英國偵探推理小說家，Agatha Christie（阿嘉莎克莉絲蒂）的同名小說，講述名偵探Hercule Poirot在開往歐洲的東方快車上，意外發現一名富商慘遭殺害，在查案過程中，他發現所有證據的顯示和乘客的證詞，竟不斷地出現矛盾與衝突，使得案情變得撲朔迷離、難以查明。  《東方快車謀殺案》曾多次被改編成影視作品，此次由《仙履奇緣》導演Kenneth Branagh翻拍，並與藝術指導Jim Clay合作，使得本片的場景設計別於過往古典的視覺風格，展現出更現代、冷冽的視角。 登上東方快車，飽覽精心設計的裝飾風格 「如何推陳出新，並盡可能地加強戲劇張力，是我這次工作的一大挑戰。」──《東方快車謀殺案》藝術指導Jim Clay 曾參與《人類之子》拍攝的藝術指導Jim Clay，在準備工作期間，曾特地研究了1974年由Sidney Lumet執導的《東方快車謀殺案》。為了讓新版與舊版有所區別，Clay認為新版必須更具「現代感」，他說：「這將會是一個有當代調性的版本。」 以簡代繁的設計理念 「我們的裝飾藝術不走奢華路線，而是以簡約的幾何圖案為主。」Clay解釋，大部分的舊版電影，皆以華美的維多利亞風為主，但導演Branagh偏好極簡風，讓Clay決定除去背景不必要的裝飾物，凸顯演員的表演，盡可能地保持畫面簡潔俐落。 同時，Clay表示：「這次列車內部裝潢的主要設計依據，是20世紀的新藝術運動（Art Nouveau）。」該風潮以自然、流動的曲線設計聞名，主要表現於工業時代的產物，不僅符合《東方快車謀殺案》的背景年代，也為電影增添典雅的藝術氣息。 重現真實世界的東方快車 「這是一輛真的能行駛的火車。」導演Branagh表示，為了讓演員感覺自己真的像是列車乘客，電影裡的東方快車，是一台貨真價實的火車，它由總重達150公噸的火車頭、煤水車，以及四節車廂所組成，並且來回行駛在大約長1.6公里的軌道上。 為了拍攝本片，劇組與東方快車的原始公司取得聯繫，並帶回包廂、車廂、廚房和火車頭的施工圖，讓製作團隊得以仿照1833年的設計，打造出最接近真實樣貌的列車，Clay自信地宣稱：「我們完美重現了東方快車的外觀！」 為影像服務的設計思維 本片以65mm膠捲拍攝，攝影機Panavision的體型相當巨大笨重。為此，Clay設計數個可分離的座艙，以及可拆卸牆壁、天花板的包廂空間，讓攝影指導Haris...

2018.10.05 前製編劇導演

「碰！」出影像新格局，《一屍到底》37分鐘「一鏡到底」拍攝幕後

 「我們有責任必須做出，讓每個人都能說出『這是傑作』的作品。」 —— 上田慎一郎《一屍到底》導演 近期引起廣大迴響的日本電影《一屍到底》（カメラをとめるな!），為導演上田慎一郎執導的首部劇情長片，講述劇組於山中廢墟，拍攝一部低成本殭屍節目時，遭受真正殭屍反撲，瘋狂導演因而決定紀錄成員陸續變成殭屍的故事……但其實電影不僅如此。 《一屍到底》共拍攝了八天，製作成本僅300萬日圓（約新台幣83萬），上映後卻引發熱烈討論，極具話題性。文內將分享導演的創作靈感來源、劇本安排與選角考量，以及片中長達37分鐘「一鏡到底」（Long Take）的拍攝過程，帶領觀眾一窺電影幕後的汗水與淚水。（以下有雷，請斟酌閱讀。） 真正的英雄，一部道破劇組辛酸血淚的電影 「我喜歡享受製作電影時的感覺。」 《一屍到底》為導演上田慎一郎，參加日本電影培訓學院「ENBUゼミナール」舉辦的工作坊「CINEMA PROJECT」中所製作的作品，其靈感源於他在五年前，看了描述戲劇與戲劇幕後的舞台劇《GHOST IN THE BOX!!》，因而啟發他創造「劇中劇」的想法。 故事設定為「幕前」和「幕後」，除前段的活屍片外，後段則透過敘述電視節目的製作過程，從前製溝通、劇組排練，到發生各種突發狀況的拍攝當天，將前段的「不自然」，一一解釋清楚，觀眾恍然大悟之餘，劇組為求好作品的拍攝精神，也不禁令人為之動容。 「簡單地說，就是每個人湊在一起完成一件事，這就是我想說的電影。」上田表示，《一屍到底》是一部「交織電影與電視」的作品，希望能藉此讓觀眾更加了解影視幕後製作過程，以及當中的委屈和妥協，明白每部作品背後，皆有一群人的堅持與付出。 為角色量身打造劇本：我只想要一群「笨拙」的人 「我想畫出由一群笨拙人們，共同克服難題的故事。」 電影在前製選角階段時，通常會以「找到最適合劇本角色的演員」為主要考量，但上田導演卻跳脫既定框架，僅有最初劇本即開始試鏡，確定角色後才完成最終劇本。 「結束試鏡後，我利用現有劇本進行表演課程，在了解每個人的個性後，才著手編修劇本。」上田說，為符合劇情發展，創作劇本時可能會刻意塑造角色，使人物表現受限；但決定演員後再編寫劇本，反而能依演員外型和原有性格，設想「這個人應該會這樣移動」，量身打造角色，使故事更為寫實自然。 「首先，我選出的12名演員，都是笨拙的人。」分享選角經歷，上田笑道，角色必須是「笨拙」的素人演員，都是在人生路上奮力掙扎，試圖完成某件事的傻瓜，這樣的人是極具魅力與可塑性的。「這部電影，是一部與演員合力製作的電影。」  低成本手工製作殭屍喜劇，實景拍攝「導演的家」 「因為我很喜歡殭屍。」提及選擇以「殭屍」為題材的原因，上田坦言。殭屍有各式各樣的表演方式，如手臂被撕裂、啃咬，甚至感染後的痙攣，這些畫面皆令他十分感興趣。而片中所見的道具，也為「手工」製作而成。 「因為我們沒有錢，所以連染滿血的殭屍衣，也是我在家中陽台完成的。」負責服裝的是同為電影導演和動畫師的妻子，為節省成本，他們直接在自家陽台，利用血漿、剪刀和打火機，將從零售商店買來的衣服，剪破、燒毀成片中的殘破殭屍服裝。 不僅如此，甚至連劇中主角日暮導演的房子，其實也是上田導演本人的家。他說：「一切都是手工製作的，這是一部將所有手邊隨手可得的物件，利用殆盡的電影！」 縝密劇本與排練，37分鐘「一鏡到底」拍攝挑戰...

2018.10.05 前製編劇導演

科學與樂音的雙重奏，導演Shahir Daud捕捉魔幻MV視聽

你能想像當科學撞上樂音，會生成什麼樣的影像嗎？ 導演Shahir Daud，曾為實驗音樂人Nigel Stanford拍攝MV〈Cymatics〉，透過水、細沙等介質共振，捕捉聲波震動，製造奇異視覺藝術。片中更使用「特斯拉線圈」，製造絢麗電弧效果，向名導Christopher Nolan（諾蘭）的《頂尖對決》致敬。 去年，他們再次合作拍攝MV〈Automatica〉，設計讓「工業用機械手臂」演奏樂器，攝影指導Timur Civan更以「假如由機器人拍攝，影像該如何表現」的角度，呈現流動順暢的運鏡，成為科技與藝術的「另類」結合。 聲波共振製造奇美景觀——〈Cymatics〉完美打造視聽新饗宴 「運用『科學元素』最棒的是，對外行人來說，它幾乎看起來像魔術。」——〈Cymatics〉導演 Shahir Daud 導演Shahir Daud出身紐西蘭，活躍於紐約藝文圈，執導諸多廣告、MV和劇情短片。他與實驗音樂人Nigel Stanford熟識多年，曾為後者多次拍攝MV，Nigel Stanford也曾為他的短片〈La Loteria〉配樂及混音。 兩人自2013年開始研究「音流學」（Cymatics），意旨透過不同頻率的聲波共振，經水、細沙、火焰等各種介質，得到相異的聲波幾何圖案。他們希望藉此結合「科學與音樂」，以音流學為名的影像作品〈Cymatics〉也因而誕生。 向諾蘭《頂尖對決》致意的神祕演奏儀式 導演Shahir Daud規劃，讓每種樂器皆透過一種介質，展現其因音頻不同而油生的美感，並把演奏視為某種「儀式」。他說：「每種樂器都是儀式的一部份，我們隨著影像的時間，增加（介質變化）的大小和規模。」 前製階段時，兩人也反向以「影像」思考音樂創作。他們反覆測試克拉尼板（Chladni plate）、魯賓斯管（Rubens’ tube）等音流學器材，研擬聲波形成的幾何圖形，思考如何編寫樂曲，能讓視覺更加豐富。Shahir Daud說：「Nigel想確保每顆音符，都與視覺緊密關聯，每禎、每秒的畫面都非常考究。」 導演Shahir...

2018.10.04 前製編劇導演

「厲陰宅宇宙」最黑暗篇章──《鬼修女》重現哥德式恐怖美學

鬼修女「瓦拉克」（Valak），自現身於2016年上映的《厲陰宅2》（The Conjuring 2）後，就受到厲陰宅粉絲們的熱切喜愛，於是導演James Wan和製片Peter Safran便以此為基礎，發展出關於「瓦拉克」的獨立電影，使《鬼修女》（The Nun）在上映前，即受到許多觀眾的密切關注。 《鬼修女》由英國導演Corin Hardy所執導，故事發生於1952年的羅馬尼亞修道院，講述受梵諦岡委託的神父Burke和見習修女Irene，一同前往調查修女自殺案件時，意外揭露了這棟中世紀修道院裡，不為人知的祕密。 文中將介紹導演如何奠定本片基調、拍攝現場的場景如何選擇，以及攝影指導Maxime Alexandre和藝術指導Jennifer Spence，如何透過明暗對比和空間設計，營造駭人氛圍，成就這部號稱「厲陰宅宇宙」中，最黑暗的篇章。 經典恐怖元素奠定電影基調——導演Guillermo del Toro的啟發 「我想帶領觀眾，走上一趟既不聖潔又駭人的旅程。」──《鬼修女》導演 Corin Hardy 「我喜歡《鬼修女》發生在1952年羅馬尼亞城堡內的設定──這讓故事同時兼具了新奇和古老的感受。」作為一名恐怖片影迷，Hardy認為《鬼修女》給了他一個機會，融合過往恐怖驚悚片中的經典詭譎形象，包括古堡、修道院、墓地、霧、煤氣燈、燭光、彩色玻璃等哥德式恐怖元素。 其中，更能追溯自Hammer Movies（是指以製作哥德式恐怖片聞名的英國電影製片商）、William Friedkin的《大法師》、義大利神秘探案小說《玫瑰的名字》等源頭；而在冒險元素部分，則借鏡於《魔宮傳奇》。導演Hardy說：「《鬼修女》包含了所有我作為說故事的人所喜歡的元素。」 另外，Ｈardy也談及導演Guillermo del Toro（吉勒摩戴托羅）對他的影響：「我從他的電影《鬼童院》、《羊男的迷宮》中學到很多東西，他講述那些神話、怪物，以及各類神祕事物的方式是充滿熱忱的，使我感同身受。」 深入羅馬尼亞當地——真實存在的「十字架走廊」...

2018.09.28 攝影剪輯音效

深入《滅絕》微光禁區，《人造意識》團隊再創驚奇特效

由《人造意識》導演Alex Garland，執導的Netflix科幻電影《滅絕》，劇情描述生物學家Lena伴隨四位女性，前往封鎖的「X禁區」，探究裡頭外星生物散佈的「神秘微光」。導演希冀藉奇異而驚悚的旅程，直擊現代人心靈的悲涼與荒蕪。 全片為Alex Garland率領《人造意識》原班底再次合作，美術及特效團隊攜手，創造美麗又恐怖的X禁區，研擬出禁區裡，遭「微光」入侵的殘敗場景及突變生物；攝影更透過巧妙運鏡與打光，營造迷離的霓虹光線，為全片鋪上神秘、紛呈的色彩效果。 融入數學概念的場景設計——「碎形」呈現禁區變異空間 「我們保留了書中的基本元素，重新想像事物應該生長成的模樣。」—— 藝術指導 Mark Digby 本片改編自小說《遺落南境》，但導演與藝術指導Mark Digby在規劃整體視覺時，並未依循小說設定，而是專注於描繪，禁區中因微光壟罩的突變空間與生物。並以兩人皆熱愛的數學概念「碎形」（Fractal），作為全片的重要視覺元素。 碎形，意味著「一個零碎的幾何形狀，可分成數個部分，每一部分都是（或近似是）整體縮小後的形狀」。例如：片中洞穴裡的蜂巢狀岩壁，即是參考碎形圖形——「曼德博集合」（Mandelbrot Set）所創建而成。 佈滿「曼德博集合」的碎形洞穴 「整個燈塔裡的洞穴，就是一個『曼德博』爆炸！」Mark Digby說。該場景由美術及特效團隊共同設計，Double Negative視效工作室研發改良版的「Mandelbulb 3D」，製造出大量動態圖像。 他們藉碎形的概念，暗喻X禁區裡變形的空間。洞穴中巨大的微光發光體，即透過「Mandelbulb 3D」程式，先參考生物神經元的構造，再鋪上混合岩漿和金屬質感的外層，最終將複雜的設計合成。視效總監 Andrew Whitehurst稱：「它是優雅的混合體，以精算的幾何圖形、明暗色彩而合成的作品。」 創造病變怪奇的生物樣貌——美術與特效團隊攜手考究研擬 「我們尋覓某些看似錯誤的事，這些錯誤恰巧適合X禁區。」——陳設師 Michelle...