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美術妝髮特效

共 171 篇文章

2018.07.20 前製編劇導演

翻玩「時間」的拍攝、剪輯手法,導演Bison眩目的MV影像

電子音樂新秀Bonobo,在樂音表現追求突破之餘,其MV作品也獨具創意思維。除先前介紹的「偽一鏡到底」MV〈No Reason〉外,另一首〈Kerala〉交由導演Bison執導,使用「故障剪輯法」,完美吻合影像與反覆錯落的拍點,巧妙呈現主角崩潰的心理狀態。 Bison腦海中充滿新潮怪奇的構想,擅長以特效、剪輯等手法,打破視覺時空框架,實驗唯美夢幻、奇異迷離的影像。2013年時,他與搭檔Owen Silverwood拍攝樂團London Grammar的〈Wasting My Young Years〉,以35mm黑白底片攝影,效仿《駭客任務》經典子彈鏡頭,使用625組針孔成像鏡頭,360度環繞拍攝,營造復古且神秘的氛圍。 當時刻重複又傾斜——〈Kerala〉以「故障剪輯法」製造不安感 「我喜歡『誤用』影像技術,使用它們去做一些平常不會做的事。」——MV導演Bison Bonobo的MV〈Kerala〉,描繪由《007量子危機》女星Gemma Arterton扮演的女子,處於驚惶失措的狀態,不停跌撞於公園、街道間,似乎正恐懼地逃離某項事物,只要她一睜開雙眼,影像便會不停「故障」,重複前一秒畫面。 導演Bison親自擔任剪接師,運用此種看似錯誤的剪輯手段,一方面巧妙應對曲中,重疊反覆的電子編曲,彷彿讓音符「視覺化」;另一方面,也反應主人翁的情緒,Bison說:「這個核心角色處於崩潰邊緣,無止境地陷入恐慌,已經無法辨識真偽。」 MV播出後立刻引起廣大關注,至今已累積超越700萬點閱率,也令諸多樂迷猜測,女子崩潰的原因究竟為何?但對於Bison來說,作品的意義始終開放給觀眾解讀,他更想實踐的是此種剪輯法,究竟能將影像推向何處:「你要怎麼以剪輯方式打亂影像,又要如何讓它變成嶄新、令人興奮的事物?」 當時空延展與變形——攝影結合剪輯與後製展現創意 「讓音樂與視覺同步,一直是我努力的目標。」——MV導演Bison Bison本名為Dave Bullivant,而「Bison」原為他與另一位導演Owen Silverwood,共同使用的名號。早期合作的作品,他們藉動態攝影、影像剪輯,以及後期動態圖像設計(Motion Graphic),創造奇美且新穎的視覺,成為許多獨立音樂人爭相合作的對象。 捕捉光的軌跡——〈We’ve Only Just Begun〉 〈We’ve...

2018.07.13 攝影剪輯音效

精雕「虛擬」人工智能——《人造意識》鬼斧神工的特效與攝影

導演Alex Garland曾是《28天毀滅倒數》、《太陽浩劫》等科幻大作的編劇,在2015年首次執導電影《人造意識》,探討人工智能的倫理議題,劇情佈滿哲理、科技與人性的辯證。他與攝影及特效團隊合作,打造乾淨、極簡的影像風格,開拓新一代科幻經典。 片中的特效團隊包含「Double Negative」工作室,曾為Christopher Nolan的《全面啟動》、《星際效應》等片效力,也受《哈利波特》、漫威系列等電影青睞。在《人造意識》中,更是創造出兼具美麗與科技感的人工智能「Ava」,讓電影拿下奧斯卡「最佳視覺效果」獎,成為該獎項1998 年以來,製作成本最低的得主。 巧奪天工的智能機器人——更具「人味」的視覺特效設計 「做得少,效果更好,我們一直謹記著這點。」——Double Negative視覺特效總監 Andrew Whitehurst 《人造意識》講述神秘企業發明家Nathan,邀請公司工程師Caleb至其別墅,檢驗人工智能機器人「Ava」,測試她是否具備人類的意識與情感。編導Alex Garland形容本片時空,正發生於「現在的10分鐘後」,因此電影視覺需具備科幻感,同時奠基於真實。 機器人Ava作為電影核心,其設計佔有舉足輕重的地位,分別交由概念設計師 Jock 和Simon Gustafsson設計草圖,再由Double Negative、Milk VFX兩家視覺特效公司進行打造。Double Negative負責Ava的平面視覺、CG軀幹與動作後製;Milk VFX則設計出Ava精密、細緻的機器人大腦。 符合人體工學的機器人 「我為自己和設計Ava的人設定一個準則:我們不能參考其他機器人的形貌。」Double Negative的視覺特效總監Andrew Whitehurst表示,他們參考輕型飛機、F1賽車等精密機械,並研究人體構造進行設計。相較許多科幻片過於天馬行空的想像,團隊基於現行的工業技術,以及合理的人體工學,創造獨一無二的機器人Ava。...

引領《怪獸與牠們的產地》復古時尚——柯琳艾特伍服裝設計分享

 「設計服裝,必須得先透徹瞭解角色。」 —— 柯琳艾特伍《怪獸與牠們的產地》服裝設計 榮獲奧斯卡最佳服裝設計的《怪獸與牠們的產地》,為哈利波特系列電影中,第一部奪得小金人的作品。其幕後功臣,為美國知名服裝設計大師—— 柯琳艾特伍 (Colleen Atwood)。 柯琳艾特伍的作品無數,所經手的電影已高達五十部以上,相當驚人。且在《怪獸與牠們的產地》之前,她也曾以電影《芝加哥》、《藝伎回憶錄》、《魔境夢遊》等作品,三度獲得奧斯卡服裝設計之殊榮,其實力不容小覷。 文內將以《怪獸與牠們的產地》為例,分享柯琳艾特伍的幕後設計過程,如實地走訪世界各地搜集材料、主要角色的服裝設計考量,以及對於服飾細節的關注等。與柯琳一起,進入20年代的戰後紐約,深入感受富含魔力的復古時尚魅力。 探究20年代的質感美學——至世界各地尋求復古素材 「我認為,就20年代來說,當時的美國服裝比歐洲更具時尚感。」 「我做的第一件事,就是去世界上每一家服裝店搜集材料。」為尋找20年代的復古服飾及配件,柯琳以洛杉磯爲起點,到世界各地旅行。並從紐約友人的收藏品中,獲取稀奇古怪的配件,累積大量且多元的美國服飾。甚至特地重讀了費茲傑羅 (F. Scott Fitzgerald) 的小說,從中找尋靈感。「我希望能呈現真正美國人的感覺。」 她還到巴黎的跳蚤市場,購買工作服及精緻晚裝;或至羅馬的古著店,找尋復古民間服飾。「有趣的是,這些服裝在不同城市的解讀方式也不盡相同,在每個地方都能在不同場所看見它們。」柯琳表示,美國認為是富裕人家的衣服,但對有些國家來說,也可能是中產階級的衣著,這些時代解讀的差異,十分有趣。 與素描藝術家的合作 「我不縫,我設計。」柯琳說,她會先構思「概念」,再請素描藝術家繪製成圖像,最後才請專人縫製。「如果我要畫每幅作品,那我就無法完成這項工作,因為實在太多了。」展示服飾之餘,她喜歡讓藝術家們,感受、並畫出角色可能會做出的「怪異姿勢」,表現個人風格,使其更為生動。 親自染製「孔雀藍」大衣——奇獸飼育學家的獨特服裝 Colleen Atwood設計,由Warren Holder繪製。 「我希望紐特在正常世界裡看起來與一般人無異, 卻又以一種低調的方式,展現自己的與眾不同。」...

熔鑄墨西哥文化,《可可夜總會》以創意視覺重建亡靈世界

穿過金色花瓣堆成的巨大拱橋,就能夠到達亡者之地。在那裡,死亡不是終結、逝者不曾離去,只要人們仍保有對死去親人的懷念,亡者的靈魂便能得到永生。 這是2017年,皮克斯推出的動畫電影《可可夜總會》,以墨西哥的亡靈節文化,對死亡和親情所做的溫柔描繪。 豐富又帶有人性的細節,一向是皮克斯作品的迷人之處。本文將分享《可可夜總會》的製作團隊,是如何將墨西哥獨特的人文風情,融合創意與想像,打造出電影中絢麗多彩的亡靈世界。 金黃燦爛的萬壽菊,鋪成亡靈返家之路 「在皮克斯,實地考察是創建故事的重要關鍵。」 ——副導演Adrian Molina 「這次的電影,我們想要百分百融入當地的風俗民情。我們要親眼看見、感受墨西哥,才能徹底了解這裡的文化與傳統。」為了實現這個目標,導演Lee Unkrich帶領製作團隊,實地探訪了墨西哥的許多城市,並與當地居民共同生活。 在亡靈節時,他們看見居民用萬壽菊花瓣鋪成小徑,一路從墓地延伸至家中,象徵引領祖先回家的道路。故事板繪製師(Storyboard Artist)Dean Kelly說:「甚至在夜裡,那些花瓣看起來都在閃閃發光。我們從中得到了靈感——何不真的用萬壽菊搭建一座橋呢?」 製作團隊利用萬壽菊,鋪設了一座座壯麗宏偉的橋樑,作為連接生死兩界的通道;金黃燦爛的花瓣,也成為《可可夜總會》中,貫穿整個故事的重要視覺元素。 無盡延伸的亡者之城,隱含墨西哥歷史軌跡 「我們希望亡者之地看起來真實,並真正與墨西哥文化聯繫在一起。」 ——藝術指導Harley Jessup 進入亡者之地,首先映入眼簾的,便是高聳的塔狀建築群;這些塔狀建築的設計靈感,則來自於墨西哥中部,曾經是銀礦開採地的瓜納華托城(Guanajuato)。藝術指導(Production Designer)Harley Jessup表示:「瓜納華托是座沿著陡峭坡地擴張的城市,它有著階梯式的結構,明亮多彩且富有層次。」 瓜納華托的垂直地景,被轉換為幻想式的龐大建物。製作團隊將各式房屋建築堆疊在一塊,創造出笨重、螺旋式的塔樓;而塔樓的細部,則隱含了墨西哥各個時期的歷史。 Harley Jessup細說道:「每座塔的底部,是阿茲特克和馬雅文明的金字塔;在那之上,是西班牙殖民時期的建築;再往上看,是墨西哥革命時期及維多利亞時代的樓房;接著出現的,則是20世紀和當代的風格。」 呼應不同時代的有機設計,也為亡者之地帶來一種無限的世界觀——隨著越來越多亡靈來到這個世界,這些塔樓仍會持續地增加數量、向上生長。 骷髏造型難發揮,亡靈角色成設計難題...

2018.06.23 前製編劇導演

打造「另類」恐怖電影——《宿怨》獨創驚駭的視覺美學

「我絕對不會原諒,做出這部電影的人是如何虐待我的身心!」——《月光下的藍色男孩》導演Barry Jenkins 《宿怨》自今年初驚駭日舞影展觀眾,首次執導長片的導演Ari Aster,秉持著對電影深厚的底蘊與熱情,讓該片混合家庭劇情及恐怖電影兩種類型,並加入心理驚悚、邪教信仰、鬼怪降靈等元素,外媒更將其媲美《失嬰記》、《大法師》、《鬼店》等影史名片,成為新一代的恐怖電影典範。 電影環繞著Graham一家,以女主角的母親往生起頭,藉由一連串神秘事件,揭開家庭成員間難以抹滅的創傷,迎向急轉之下的駭人命運。劇組以精良的美術設計﹑模型建造,創作出迷人又危險的視覺,並以發揮得宜的攝影技巧,讓觀眾走入導演建立起的魔幻世界,體驗既超脫現實、又真切無比的悚然影像。 《宿怨》電影預告: 類型電影包裝家庭悲劇——絕妙的創作思維與美術設計 「我真的想誠實地,拍一部關於人們痛苦的電影。」——《宿怨》導演Ari Aster 自青少年時期,導演Ari Aster便是位狂熱影迷,涉略各式類型電影,《魔女嘉莉》、《失嬰記》等恐怖經典,更是對他影響深遠。自名校美國電影學院(American Film Institute)畢業後,他嘗試揉合諸多各類型的短片,最終仍選擇深愛的恐怖片,做為首部長片作品的題材。 Ari Aster認為類型片是一種「包裝」,他說:「透過它,你得以處理更艱難的材料。」因此他透過恐怖類型電影包裝《宿怨》,講述家庭背後壓抑的情感,以及親情中難以復原的瘀痕。他曾表示製作時,如何拿捏劇情片與恐怖片的元素是個考驗:「這個挑戰變得很有趣:怎麼在講述劇情時保持誠實,又同時保有恐怖片元素,而不讓影迷失望呢?」 因此,他與藝術指導Grace Yun討論視覺風格時,不僅參考諸多恐怖、驚悚電影,同時也從Ingmar Bergman(柏格曼)、Mike Leigh(麥可李)及Coen brothers(柯恩兄弟)等大導演的家庭相關題材作品中,擷取視覺元素。藝術指導Grace Yun表示,他們將上述電影裡的設計,融入《宿怨》的劇情與人物,打造「另類」恐怖片視覺。 片中,極重要的主要場地——Graham家的房屋內部,則全靠棚內內景搭建,讓拍攝時的攝影機,能有更多擺放或隱藏的空間,使得攝影機運動更加便利、靈敏。屋內的壁紙裝潢及傢俱陳設,皆偏飽滿、濃郁的深色系。Grace Yun解釋,暗沉的顏色選擇,可幫助營造驚悚氛圍。 「透視」眾角色的命運——精巧細緻的微型模型 「導演Ari幾乎認為,模型本身就是電影裡的角色。」——《宿怨》微型模型設計師Steve...

2018.06.21 前製編劇導演

乘載貧富階級的方舟——《末日列車》豐富奪目的場景設計

韓國鬼才導演奉俊昊的《末日列車》(Snowpiercer),講述全球進入冰河末日,僅存的人類搭上一班自給自足的列車。車上乘客被分為兩種人:車尾生存環境嚴苛的下層人民,和車頭生活奢華的上流階級。 隨著主角Curtis率領下層人民前往車頭抗爭,穿越一節節車廂,色彩和燈光逐漸從晦暗陰鬱,變得鮮明繽紛。原本骯髒不已的貧民窟環境,轉眼就身處富人們高級的娛樂場所。在反差極大的美術及場景設計下,觀眾就像穿越了兩個完全迥異的對立世界。 用場景說故事——末日列車與冰天雪地 「片中僅存的人性互相碰撞,就像我們現在的世界一樣。 無論身處什麼情況,是沒有絕對的和平的。」 ——《末日列車》導演 奉俊昊。 由角色思維出發,模擬出近乎真實的列車設計 電影中,整部列車由一名叫Wilford的男子所創造與統治。起源是他自小愛玩火車玩具,並誓言長大後要造出一列火車,永遠生活在裡面。 根據這樣的故事背景,藝術指導Ondrej Nekvasil表示,他與導演奉俊昊討論出的列車主概念,就是所有車廂並非一人一時間打造完畢的。末日列車應該是角色Wilford經過數年研究,在人生不同階段,一點一滴完成的,「Wilford創造了這班車,每個車廂都該有不同感覺和設計。」Nekvasil解釋。 原先,導演奉俊昊希望列車能寬6公尺,但Ondrej Nekvasil認為,太過寬敞的車廂,會讓觀眾難以入戲。因此,兩人參考真正的火車尺寸,如往來巴黎和伊斯坦堡間的東方快車(Orient Express)。最後打造出的道具車廂,也僅比實際火車大一點點,只為了方便攝影機在車廂中自由移動。 綠幕VFX,真實呈現壯觀場面和細節 相較於大部份實景製作的列車內部,大雪紛飛的末日畫面、水族館車廂,則利用綠幕和VFX(Visual Effects,視覺特效)製作。根據不同特效需求(冰雪、打鬥、內部裝潢等),《末日列車》與多家特效公司合作,其中由Scanline公司負責戶外雪景。 特效師Eric Durst表示,為了能更貼近真實,特效團隊還特地到阿爾卑斯山勘查,透過拍攝照片、全景等方法,真正了解雪山的地形與特性。 《末日列車》雪景VFX 至於在水族館與壽司攤的拍攝現場,是運用較細的建材支架,構築起水族館的輪廓、拱形曲線,還有豪華壽司攤背後的大窗戶,讓後製團隊能清楚分辨,大面積玻璃該擺放的位置。此外,攝影指導洪慶彪選擇在支架上方放置燈具,讓演員身上產生光影,模擬出水族館裡,水光照映的樣子。 《末日列車》水族館VFX 社會分層,階級隔閡——乘載貧富光譜的列車 「我們就是要讓每段車廂,呈現出不同色彩、質感和氛圍。」 ——導演奉俊昊。...

怪獸與牠們的創造者——《星際大戰》、《侏羅紀公園》特效大師Phil Tippett

「作為一名逐格動畫師,你會對時間非常敏感,清晰地意識到每個動作的堆疊。」 ——《星際大戰》、《侏羅紀公園》特效大師Phil Tippet Phil Tippett投身視覺特效40餘年,從逐格動畫(Stop Motion)起家,跨足動格動畫(Go Motion)、電腦成像(CGI);曾六度入圍,並以《星際大戰六部曲:絕地大反攻》、《侏羅紀公園》,兩度獲得奧斯卡金像獎的殊榮。 面對科技與時代的變化,Phil Tippett不斷地革新創作方式,持續參與多部好萊塢大片,成就許多劃時代的作品;但他同時也在工作室一隅,耗費25年時光,手工打造屬於自己的逐格動畫《Mad God》。 本文將分享視覺特效大師Phil Tippett,在影視創作的道路上,是如何捏塑沿途的每個轉折、探尋視覺藝術的變與不變。 受前輩大師Ray Harryhausen啟蒙,踏上視覺特效之路 「當我還小的時候,Ray Harryhausen是我心目中的英雄。」 ——《星際大戰》、《侏羅紀公園》特效大師Phil Tippet 1958年,時年7歲的Phil Tippett,在戲院裡觀賞了特效先驅Ray Harryhausen,用逐格動畫製作的《辛巴達七航妖島》,並深深為之著迷。 「我坐在黑暗中,被眼前的魔法給迷住了。」Phil Tippet被特效帶來的奇幻感受給觸動,亦從此萌生對怪獸和恐龍的喜愛;他甚至買來一台8毫米相機,開始在臥室裡埋頭搗弄黏土,拍攝陽春的逐格動畫。 「我的父母非常擔心,認為我過度沉迷其中,還為此諮詢了心理醫生。」直到Phil Tippet在雜誌《電影世界的著名怪物(Famous...

2018.06.18 前製編劇導演

奧迪廣告分享——導演Ringan Ledwidge獨創小丑駕駛的詼諧國度

「奧迪技術,小丑證明。」 「三寶」駕駛總被視為禍害般的存在,即便小心注意,有時仍無法完全避免,是道路上的潛在危機之一。奧迪汽車 (Audi) 以此為鑑,於去年推出《Clowns TV Advert》廣告,並與商業名導Ringan Ledwidge合作,呈現如糖果般繽紛、亮麗的駕駛世界。 廣告以不按牌理出牌的「小丑三寶」為題材,例舉馬戲團小丑們,於馬路上橫行肆虐的荒謬情形,旨在敘述奧迪如何透過科技輔助,將不必要的碰撞與事故機率減到最低,完美體現「奧迪技術,小丑證明」的廣告標語。 奧迪廣告《Clowns TV Advert》 荒誕繽紛的三寶世界——導演對「小丑」的看法 「創造這個被小丑佔領的世界令我非常興奮。」 —— 導演 Ringan Ledwidge 「這個世界充滿了小丑,奧迪科技讓你無所顧忌。」奧迪英國行銷總監Benjamin Braun表示,「小丑」即代表著道路上的危險,影像旨在展示奧迪將如何有效地解決這些問題。「我們希望以明亮、詼諧且引人入勝的方式,傳達關於奧迪安全技術的嚴肅訊息。」 與導演Ringan Ledwidge的合作 Ringan Ledwidge為廣告業界的知名導演之一,曾與Adidas、Nike、CHANEL和可口可樂等各大品牌合作,並於2006年創立製作公司Rattling Stick,持續發展影像創意。而當他初見奧迪的拍攝腳本時,Ledwidge說,這是他所見過最「簡單、乾淨」的想法之一。 「作為導演,當你獲得越簡單的概念時,你能發揮創意的空間也越大。」Ledwidge表示,這是他第一次接觸小丑題材,他不希望呈現可怕、或像麥當勞般的傳統模樣。因此,他參考導演Buster Keaton的喜劇風格,和驚悚片教父Michael Mann的視覺畫面,並從中獲取靈感,試圖創造出不落俗套的現代小丑形態。 實地走訪布拉格——獨具手工藝風格的「小丑車」造型設計 「布拉格有著豐富的啞劇、戲劇和小丑傳統。」...

2018.06.18 攝影剪輯音效

為暗色驚悚注入明亮,《使女的故事》攝影精湛捕捉光影

陳舊簡陋的閣樓房間裡,僅有窗外稀微的光線,經簾幕投射入房間,照亮陰暗寂靜的室內,照亮坐在窗邊、身穿鮮紅裙裝的女子。隨著鏡頭移動,我們窺見她背光的臉龐眉頭深鎖、眼神畏懼,坐落在光線與陰影之間,彷彿無語控訴生活的掙扎與無奈。 影集《使女的故事》改編自同名小說,展現極優秀的攝影技巧與燈光設計,以嫻熟的影像敘事風格廣受好評,更於去年擊敗《怪奇物語》、《西方極樂園》等影集,在獎項上屢獲肯定。今年,乘著第二季依然優良的水準,於日前公布的艾美獎入圍名單,以20項入圍強勢回歸,成為新一代的美劇典範之一。 營造壓抑氛圍的攝影元素:手持、POV、庫柏力克式對稱風 「我希望觀眾感到不舒服,這故事是個令人感到不安和壓迫的組合。」——《使女的故事》第一季前三集導演Reed Morano 《使女的故事》設定於虛構時空,描述人們歷經天災人禍、失去生育能力,致使美國保守宗教勢力建立「基列國」(Gilead),強迫尚可生育的女性作為「使女」,住進達官顯要人士家中,與男主人進行「受精儀式」延續人類血脈。女主角June即為使女,被送至指揮官Fred家中,整齣劇正以她對世界的觀點與反思,展開奇異驚悚的「反烏托邦」抗爭。 前三集的導演Reed Morano與攝影指導Colin Watkinson,打造出壓抑、緊繃的影像氛圍,時而以穩定攝影機運動,呈現如Stanley Kubrick(庫柏力克)的完美對稱構圖;時而倚靠手持攝影,捕捉主人翁June內心的惶恐。導演Reed Morano說,她渴望「影像化」這本她求學時熱愛的小說:「我們想用最少的文字,讓觀眾以視覺感受故事。」 復古且「過有秩序」的影像風格 攝影指導Colin Watkinson使用輕巧、便利的Alexa Mini攝影機,搭配1970年代製造的老式定焦鏡頭Canon K35拍攝,他解釋道:「我們知道基列國的制度有退步、回到過往時代的元素。」因此,他選擇運用Canon K35,呈現柔美、淡雅的復古視覺。 為傳達劇中世界「過於有秩序」的氣氛,Colin Watkinson效仿名導演Stanley Kubrick的電影,以精準且對稱的構圖,描繪宏大卻荒涼的影像。例如:第一季中,大批使女們集合,受令集體攻擊一名強姦犯時,即動用50英尺高的Technocrane伸縮大吊臂與無人空拍機,從空中以「上帝視角」,捕捉使女們列隊整齊、對稱的隊形。 此外,為表現女主角June複雜的心理狀態,以June為主觀觀點(POV)拍攝的部分,劇組則改換用28mm的Zeiss鏡頭,相較於Canon K35,更能表現較「剛硬」的影像風格,並以手持攝影捕捉她的情緒。Colin Watkinson說:「我們想要進入June的腦中,讓觀眾體驗每個Elisabeth Moss(飾演June的演員)演出的細微末節。」 暗室裡的一道亮晃——高水準的光線設計與捕捉...

2018.06.11 前製編劇導演

《戀愛夢遊中》以夢境訴說影像故事——導演Michel Gondry的半自傳電影

 「我更樂意與我的想像力合作,創造非現實的奇幻世界。」 —— Michel Gondry《戀愛夢遊中》導演 法國鬼才導演Michel Gondry,以天馬行空的華麗影像為個人標誌,擅長透過「夢境」表現虛實交錯的故事情節,呈現童趣般的超現實想像。從他著名的「愛情三部曲」《王牌冤家》《戀愛夢遊中》《泡沫人生》中,即可深刻體會導演對愛情童真、夢幻的浪漫情懷。 其中《戀愛夢遊中》更是Michel Gondry首次自編自導的電影,也被稱為是個人色彩最為濃厚的作品。為貼近真實記憶,Gondry還堅持電影必須在巴黎拍攝,而片中史蒂芬的公寓,即是他曾居住過的大樓。 文章將分享導演Michel Gondry如何化失戀的悲痛情緒為創作靈感,並擷取自身的做夢片段,結合實景拍攝與逐格動畫 (Stop Motion) 技術,透過棉花、羊毛氈、厚紙板等手作材料,真實呈現童心未泯的幻想世界。 以「夢」為創意原料——導演Michel Gondry最私人的電影 「對我而言,夢是靈感的泉源,是改變我生活的一種方式。」 ——導演 Michel Gondry 《戀愛夢遊中》在講述生性古怪害羞、終日沉浸於荒謬異想的男主角史蒂芬,戀上新鄰居史蒂芬妮時內心的美好與不安,試圖穿梭於現實與夢境中尋求答案。導演Michel Gondry曾於受訪時表示,創作靈感即源自於自己的親身經歷。 「我曾和一名從不是我女友的人,有過類似的問題。」Gondry說:「我為她感到瘋狂,但最後卻沒有結果,這讓我非常痛苦。」最終,導演將這份心情轉換為故事素材,構思六年完成劇本,創作出這部極具「自傳性質」的作品。 除此之外,Gondry也將平時做的怪夢融入其中。「紀錄夢境是我生命中很重要的事情。」每天早上醒來,Gondry都對剛剛在夢中經歷的一切,有著相當強烈的感受。而這些在夢中所發生的「酷故事」,皆成為了他進行腦內「烹飪」的重要元素之一。 深受大衛林區影響,偏好以夢詮釋抽象故事 「David Lynch是我最喜歡的導演之一。」Gondry提及,自己偏好以「夢」為故事題材的影像風格,即是從Lynch電影獲得的靈感。「他將故事抽象化,保留了感覺本質,從最平凡的故事中賦予觀眾強烈感受。」Gondry認為,透過抽象的故事,反而能促使觀眾思考,進而與電影產生連結。 《戀愛夢遊中》結合實景與動畫,賦予物件全新生命  「我一直認為藍綠幕拍攝是最糟糕的情況。」——導演 Michel...