近期金馬奇幻影展重映的《噩夢輓歌》，描繪癮君子浮沉於藥物的夢魘人生；獲奧斯卡肯定的《黑天鵝》，劇情為由Natalie Portman演繹的女舞者，迫於壓力走向精神崩潰的過程；去年的爭議之作《母親！》則以女性視角，展開一段跨度性別、政治、宗教指涉的驚悚辯證。
上述作品，皆出自導演Darren Aronofsky與攝影指導Matthew Libatique之手。兩人結識二十餘年，長年合作共六部長片，致力於融合綺想與現實，打造獨有的影像風格，呈現角色繁複細膩的內心，創作出全新的敘事可能。
極端視覺風格化——首尾貫徹的影像語言
「你越快讓觀眾認同那種語言，他們就越快了解你在表達什麼。」
——攝影指導Matthew Libatique
攝影指導Matthew Libatique在美國電影學院中，認識同為學生的Darren Aronofsky，觀看後者的短片《掃描超市》受極大震撼，他說：「它（電影）流露著一種原始的活力與情感，讓我自然而然就跟它產生共鳴。」兩人因此結下緣分，立志要一同在影壇闖蕩。
Matthew Libatique說他們的合作共識，即是為每部電影，發展出獨一無二、首尾貫徹的影像語言，「這樣不論你在攝影機前呈現什麼，不管是現實或幻想，觀眾都能吸收。」
《噩夢輓歌》中「嘻哈蒙太奇」的技法運用：
《噩夢輓歌》使用繁複鏡頭建構夢魘
《噩夢輓歌》為兩人早期代表作之一，故事描繪毒癮者，自幸福至悲痛的心境轉折。他們以拍攝方式、鏡頭語言、剪接手法，貫穿主題——「毒癮後的噩夢」，造就大膽而細膩的影像風格。
攝影以35mm底片拍攝，使用Panavision Panaflex Gold II等多種機型。片中，Matthew Libatique多處使用俯角拍攝演員，並以廣角鏡頭，呈現角色眼裡的扭曲世界，顯示人物的卑微渺小，以及變質的內心狀態。
片中也嘗試大量拍攝「物質」鏡頭，例如：塗麻藥、注射毒品、瞳孔放大的特寫畫面，並快速變換剪輯影像。Darren Aronofsky將此手法稱為「嘻哈蒙太奇」，呈現毒癮者興奮、接近偏執的感受。片中共拍攝2000顆鏡頭，遠比一般長片的600至700顆高出許多。
另一個大膽嘗試，為將畫面一分為二，從不同人物角度，描繪相同場景事件，其一即是男女主角的親熱場景。Darren Aronofsky說明，角色依靠毒品製造歡愉，逃避現實痛苦，「我想表達這樣的感情，因此想到這種方法，他們既是親密，卻又註定會疏離。」
可怕又迷人的角色——呈現人物豐富的主體性
「導演Darren與演員合作密切，非常專注在他們身上。」
——攝影指導Matthew Libatique
導演Darren Aronofsky的作品經常極重視角色，因此如何拍攝演員、呈現角色的主體性，也成為兩人鑽研的方向。例如：《噩夢輓歌》中，演員背戴著附有攝影機的「SnorriCam」裝置，讓他們正對攝影機，置於畫面中心。而人走動時必定造成攝影機晃動，製造角色吸毒後的暈幻感。
《黑天鵝》攝影牽引出角色的暗黑內心
2010年的《黑天鵝》專注在女芭蕾舞者Nina，在舞團、勁敵、母親等壓力環繞下，逐漸崩解的精神狀態。影片以16mm底片拍攝，攝影指導Matthew Libatique近乎全程以手持拍攝，劇組甚至未使用監看螢幕，導演、攝影指導皆是透過攝影機，直接觀看畫面、控制構圖，更親近演員指導動作。
「我們的目標是讓影像，始終與Nina的觀點保持一致。」Matthew Libatique受訪時說，他們會針對演員走位、攝影機移動與燈光照明，做多次排練，並從中試驗出最好的效果。
Matthew Libatique在拍攝時，盡可能減少在演員前配置過多器材，拍攝也多使用自然光、室內燈，不額外打光，「這可以讓演員的視野更自然，能以自己的角度觀察四周，揣摩角色心境。」他認為，《黑天鵝》常需拍攝Natalie Portman的面部表情與肢體，讓演員身心靈放鬆，有助於他們做更貼近角色。
Matthew Libatique認為片中最艱難的場面，是Nina登台演出的高潮戲。他利用舞台的泛光燈製造陰影，作為Nina性格轉變為黑天鵝的隱喻。但令他意想不到，實際拍攝加入其他舞者後，他說：「舞者的陰影環繞著Nina，效果比我料想的好上十倍。」
堅持底片拍攝——光影與色彩的最佳拍檔
「導演Darren擁抱膠捲電影的紋理與質感。」
——攝影指導Matthew Libatique
Darren Aronofsky及Matthew Libatique兩人攜手的作品，近乎都以底片拍攝， 前者受訪時便稱，他認為底片從拍攝到成像的變化性，比數位影像有趣，「底片幾乎像是賭博，你會期待某些化學反應，發揮在圖像中。」
Matthew Libatique也認為，底片能良好表現光與陰影，更能呈現顏色的細部差異，「你可以在各種曝光情況下，仍能捕捉不同影像的明暗程度，但數位攝影則須更仔細的調整ISO值，才能確保不會有失誤。」他在受訪時說到，「有了底片，就有了細節，它依然是這個領域的主宰。」
《母親！》影像色調轉變反應角色情緒
去年兩人推出的《母親！》，Darren Aronofsky期望呈現自然、原始的視覺風格，他形容應要像「1970年代低預算的恐怖片」，因此理所當然選擇傳統的16mm底片，採用Arriflex 416機型進行大部分拍攝。
Matthew Libatique認為，16mm底片是描繪「母親」角色，與她周圍事件的理想畫布，尤其能良好呈現光影、顏色。劇情前段，畫面多以暖色調白光表現，而隨劇情發展，光線的色彩飽和度、對比度逐漸提高，增添濃烈恐怖氛圍。
Matthew Libatique解釋，光與顏色的變化，即是反應「母親」的心境，「外界的人侵擾著她，顏色的侵擾也如影隨形。」最後，被劇組稱為「Fever Dream」的片段，幾乎以紅光表現，他將ASA感光值自500降至320，讓顏色更飽和，呈現宛如負片般的效果，預示即將到來的腥風血雨。
即使《母親！》遭受惡評，但Darren Aronofsky與Matthew Libatique仍維持良好關係，並持續對電影製作保持熱情。Darren Aronofsky受訪時更鼓勵電影工作者，應要打破現有敘事規則，打造屬於自己的影像語言。
「找到你的故事，並找出一個聰明的方式來拍攝它。」
——導演Darren Aronofsky
文字：黃鈞浩 ｜ 來源：variety, oneroomwithaview, filmschoolrejects, indiewire, britishcinematographer, wegotthiscovered, kodak, indiewire, variety ｜圖片來源：telerama, imdb, lfs-es, kodak