美術妝髮特效

2018.05.08 前製編劇導演

導演雙人組Lamar+Nik玩轉停格動畫，賦予5000張「貼紙」新生命

獨立搖滾樂團The Shins於1996年美國成軍，2004年曾因《情歸紐澤西》的插曲〈New Slang〉，而獲得許多關注。 去年八月，The Shins推出新曲MV〈Half a Million〉，由導演雙人組Lamar+Nik執導。總有許多新奇想法的Lamar+Nik，這次用手工剪紙，拼湊出一部，帶有復古感又充滿驚喜的停格動畫MV。 The Shins〈Half a Million〉MV 超過五千張貼紙打造，讓靜止畫面「活」起來 「基本上，我們想賦予平淡無趣的事物，更多新意。」——導演Lamar+Nik。 〈Half a Million〉的MV製作，是先由導演Lamar+Nik，讓樂團在白色天幕（Cyclorama）前表演，以錄影方式捕捉，再進行後製，將團員們的動作，切割成一幀幀靜態照片。接著印出黑白色貼紙，手工剪去白邊。這種串連數張圖片，連續播放成動畫的做法，即為「停格動畫」（Stop Motion）。 手剪貼紙，耗時費工 相比相機一次拍攝一張照片，再把影像全部合併的做法，Lamar+Nik是先錄影，再列印出照片。這讓每個人物的動作都更加自然流暢、躍然紙上。而印出的黑白相片，透過手剪方式，還能混搭其他真實場景，重新「構圖」。為了不讓所有照片搞混，Lamar+Nik會用塑膠袋和橡皮筋，把同一場要用到的貼紙加以分類、收納。 根據兩位導演的計算，〈Half a Million〉MV從4868幀照片之中，剪下5566張貼紙，並拍了超過40個場景。從Lamar+Nik接下製作案到完成影片，全程共花了兩個月。除了在攝氏38度高溫的街頭，拍攝外景之外，最耗時的，正是西洋跳棋片段。導演表示，光是該橋段，就從晚上六點拍攝到凌晨，費時八小時之久。 從基礎想法出發，再做出創意變化 「我們想讓每部MV作品都很難忘、有記憶點。」——導演Lamar+Nik。 「要用貼紙製作出動畫，同時周遭的真實場景，要正常運作。這是以前從未見過的。」兩位導演解釋了這個想法，已在他們心中構想許久，「而且每個人都辦得到，就像是你和朋友出去玩，並隨手把貼紙貼在某個地方一樣。」...

2018.05.04 前製編劇導演

夢魘幻化為經典——《穆荷蘭大道》懷舊且革新的影像語言

鬼才導演David Lynch的生涯代表作《穆荷蘭大道》，曾於BBC舉辦的「21世紀百大最佳電影」票選中，居位榜首。片中揉合複雜風格與多元元素，包含：希區考克式的神祕女郎、常在Cult片出現的獵奇怪物，猶如現代版的《日落大道》，呈現好萊塢的扭曲樣貌。 David Lynch強化其創作風格，透過美術、攝影、聲音設計等層層環節，打造懷舊且革新的影像語言。觀眾彷彿親自造訪女主角的腦海中，一同跌入《穆荷蘭大道》裡，那場深陷其中，便無法脫逃的夢魘。 （以下涉及少量劇透，請慎入） 那條曲折崎嶇的《穆荷蘭大道》 ——坎坷的製作歷程 「這個故事就像沒有頭的身體一樣，是件非常美麗的事。」——《穆荷蘭大道》導演David Lynch 電影《穆荷蘭大道》前身，即是導演David Lynch在1998年向ABC電視台的影集提案，期望再造他於該台創作的著名影集《雙峰》，單集超過3000萬人次觀看的收視高峰。 殊不知卻事與願違，該影集一度成為David Lynch最大的「惡夢」。自拍攝期間，ABC電視台便屢次對影集不滿，包含演員的選擇、劇中過多的吸菸鏡頭等。最終，當耗費700萬美金的試播集完成後，電視台即因成品「看起來實在太怪異」，整個計畫因此腰斬。 直到一年後，法國片商Studio Canal才向David Lynch提出，願意將不到兩小時的影集試播集，製作成劇情長片。 即使，必須重新調整故事、召集劇組，David Lynch卻對電影野心勃勃：「我渴望講這個沒有盡頭的故事…影集的結局是開放的，所有線索都有無限的可能。」因此，他重新拼湊影集原有敘事線，並新增最終的「夢醒」情節。坎坷的製作過程，造成曲折的非線性敘事風格，不敗經典也由此誕生。 編織華麗的好萊塢美夢——精緻雕琢的美術設計 「永遠不要想完全搞清楚，David Lynch到底要做什麼。」——《穆荷蘭大道》藝術指導Jack Fisk 《穆荷蘭大道》全片皆發生在全球電影工業的核心——紙醉金迷的洛杉磯。藝術指導Jack Fisk在搭建場景時，強烈凸顯精緻雕琢的好萊塢世界。 例如：女主角Betty借宿的富有阿姨Ruth家，Jack...

2018.04.29 短片動畫廣告MV

黑色喜劇《波特萊爾的冒險》——精緻詭譎的華麗場景設計

「有時候重製的作品，可能會比原來的更好。」 —— Barry Sonnenfeld 《波特萊爾的冒險》系列影集導演 《波特萊爾的冒險》為Netflix發行的原創影集，改編自Lemony Snicket（本名Daniel Handler）的同名系列小說。但在影集推出之前，派拉蒙也曾於2004年，推出由金凱瑞主演的同名電影，只是當時礙於片長限制，刪減過多書中劇情，使電影評價普遍低落。 與電影版不同，這次Netflix找來作者本人Daniel Handler，擔任影集的監製與編劇，真實還原原著故事，並由《阿達一族》《MIB星際戰警》導演Barry Sonnenfeld執導。Sonnenfeld更為當年的電影監製，只是最後因故退出。因此影集的重啟，可以說是他的第二次機會。 影集極具黑色喜劇風格，除了更加完整的劇情設定外，多元風格的精緻場景設計，也為影集令人印象深刻的原因之一。文章將分享：導演積極爭取製作的過程、《剪刀手愛德華》對藝術指導Bo Welch的影響，以及兼具「現實」與「童話」的場景設計考量，重回Lemony Snicket筆下的詼諧童話世界。 一圓心中所夢！導演Barry Sonnenfeld的第二次機會 「Netflix正在尋找新的開始，而我說服他們我就是新的開始。」 ——導演 Barry Sonnenfeld 「我一直想做這些節目。」Sonnenfeld提及，一直以來他都很喜歡《波特萊爾大遇險》的系列小說，因此當Netflix買下這些書的版權時，透過朋友引薦，他積極爭取參與製作的權利。「我非常喜歡這些小說和書中素材，我認為我是執導這個故事的最佳人選。」 過程卻不那麼順利，「起初Netflix並不想和我見面，因為我擁有電影監製的頭銜，而他們不想和原創電影有任何關係。」Sonnenfeld原是電影的導演，但因派拉蒙換了一位新製片人，夢工廠也決定要用不同導演重新搭檔，他才被迫離開。Sonnenfeld甚至開會說服Netflix，明白他其實沒有實際參與製作電影。「最終他們僱用了我。」 一齣適合成人及兒童觀賞的電視劇 「若你持續觀看節目，要怎麼不讓觀眾感到無聊？」作者Daniel Handler表示，在編劇時思考最多的就是，如何保持劇情的新鮮度，吸引各年齡層的觀眾注意。起初僅有Handler和Sonnenfeld等小部份人參與討論，他們先從書中列出所有故事，再添加些許小故事，試圖創造全新作品。「對我們來說，每本書都像是製作一部新的劇情片。」...

2018.04.29 短片動畫廣告MV

融合東西古今文化——魏斯安德森手工打造《犬之島》

 有「置中狂人」之稱的導演Wes Anderson，其作品風格奇幻又幽默，深受影迷喜愛。Wes Anderson的最新停格動畫（Stop Motion）長片《犬之島》（Isle of Dogs），被受邀柏林影展作為開幕片，並在最終獲得最佳導演銀熊獎。 除了Wes Anderson招牌的對稱構圖之外，導演對電影細膩又嚴謹的要求，亦是讓《犬之島》獲得盛讚的主因之一。電影中，日式傳統與現代文化風格並存的巨崎市（Megasaki），與漫天塵土的犬之島，取材於日本文化。而各式木偶與精緻道具，其實全是由美術部門，親手打造出來的。 《犬之島》（Isle of Dogs）預告片 揉合傳統與現代，堆砌日本的「近未來」想像 「我們不是將日本呈現在電影中，而是拍了一部因為熱愛日本電影， 而產生的Wes Anderson電影。」 ——《犬之島》製作人Jeremy Dawson。 就像《歡迎來到布達佩斯大飯店》裡的東歐、《天才一族》中的紐約，《犬之島》的場景看似設定在日本，但製作人Jeremy Dawson表示，場景純屬虛構，只是以日本電影文化為本，並參照許多傳統文化，打造故事中的兩個主舞台：巨崎市和犬之島（電影中稱垃圾島，Trash Island）。 各式美學交融，巨崎市參照建築派別「代謝派」 藝術指導Paul Harrod透露，《犬之島》中，巨崎市的城市景觀，取材於日本建築「代謝派」風格，特別是建築大師丹下健三的作品，再結合現代高樓大廈樣貌，而打造的城市。 美國知名建築師Frank Lloyd...

2018.04.13 攝影剪輯音效

縮小版的荒涼末世——《銀翼殺手2049》以微縮模型打造科幻之城

《銀翼殺手2049》儼然已成為新一代科幻經典，除攝影指導Roger Deakins精湛的拍攝，讓該片榮獲奧斯卡最佳攝影獎外，電影中絕美又頹廢的城市、荒漠場景，更使得觀眾迷失其中，掉進這神秘又險惡的未來世界裡。 然而，電影中的高樓、街道及景致，有多處皆並非實景搭建。而是由曾打造《魔戒》系列的視覺效果工作室Weta Workshop，以等比例縮小創作模型，建立如「小人國」般的場景，再經由攝影與後製處理，令每個細節更貼近真實。 《銀翼殺手2049》微縮模型幕後製作花絮： 寫實且具美感——做工精細的微縮模型設計 「他們不僅是微小的模型，而是真正的藝術品。」——《銀翼殺手2049》微縮模型製作經理Pamela Harvey-White 「我討厭使用特效綠幕，它吸走我所有的能量。」《銀翼殺手2049》導演Denis Villeneuve說。他不想如今日許多科幻、動作電影，多倚靠特效模擬場景，因而找來Weta Workshop，渴望維持《銀翼殺手》首集風貌，寫實又兼具陰鬱的科幻感。 Weta Workshop製作每棟模型費時超過一星期，打造出38座片中的場景模型，當中觀眾在片中所見的部分空景畫面，如：洛杉磯的高樓市景、華萊士企業的類金字塔大樓、以及難民群聚的垃圾掩埋場，皆為他們的作品。 工作室建造模型的流程，會先由模型師們依設計圖，在電腦程式中預覽並做調整，運用3D打印、雷射切割技術建造實體，再經由模型師彷彿創作藝術品般，搭建、組裝、繪製模型，再為其補充各式細節。 小人國版的洛城——如同壟罩風暴中的城市模型 「我們努力讓建築物看起來衰敗，像發狂的氣候壟罩著這個世界。」——《銀翼殺手2049》模型師Joaquin Loyzaga 模型師們打造《銀翼殺手2049》中的主場景洛杉磯市時，混合黑、灰等低飽和度的色彩，細緻粉刷建築色澤，調整窗戶、逃生梯、天線等細節。牆上的塗鴉同樣出自模型師之手，因過程中要極小心以免破壞模型，他們甚至戲稱繪製塗鴉的時刻為「危機時刻」。 模型師會再依不同場景，量身設定其特色。例如：他們在洛杉磯警局的模型加裝光纖，令其彷彿微微從內部透出窗光；華萊士企業大樓則由鋼架構成，再鋪上如岩石般藍灰的色調，讓建築物更顯得莊嚴肅穆；垃圾掩埋場則有大量金屬散落其中，團隊需細膩繪製出生鏽的廢墟、斑駁的危樓。 「微型模型是由各種微小的圖案、故事和景物組成的。」藝術總監Steven Saunders強調，這些小物件、元素，即是成就整件作品的關鍵，任何細節都不得馬虎，才得以讓觀眾觀賞影像時，能有身歷其境的感受。 把模型拍成真實場景——重疊鏡頭的運用 「我們的拍攝，（像是）建立出一個巨大、複雜的三明治。」——《銀翼殺手2049》微縮模型攝影指導Alex Funke 《銀翼殺手2049》中，拍攝微縮模型的攝影執導為資深攝影師Alex...

2018.04.12 前製編劇導演

穿梭於虛實之間，《一級玩家》透過VR真實拍攝虛擬宇宙「綠洲」

「這部電影使我們都再次成為了孩子。」 ——導演 Steven Spielberg 現正熱映的科幻冒險電影《一級玩家》，改編自美國作家Ernest Cline的同名小說，由導演Steven Spielberg（史蒂芬史匹柏）執導。故事背景設定於2045年，世界經濟崩塌、亂象叢生，人們只能從虛擬世界「綠洲」尋求慰藉，進而延伸出年輕玩家們，穿梭於虛擬與現實之間，與大企業抗衡的冒險故事。 《一級玩家》融合80年代電影、電玩、音樂……等各大經典懷舊元素，帶領觀眾重回過往感動。並透過VR虛擬實境，呈現極具科技感的華麗視覺，成功打造兼具懷舊情懷與未來科技的虛實世界，引領創新觀影體驗。 文章將分享《一級玩家》的靈感來源、導演Steven Spielberg的堅持，以及戴上VR眼鏡「親身經歷」的拍攝過程，瞭解虛擬世界「綠洲」如何建造而成，與觀眾一同體驗「虛擬實境」的影像魅力。  史蒂芬史匹柏，是導演也是故事靈感來源 「我看這個男人的電影長大，並研究它們。」 —— Ernest Cline《一級玩家》作者 「每個人都需要從幻想中逃避現實，但有些時候，你必須在虛擬與現實間找到平衡點。」小說作者兼聯合編劇Ernest Cline表示，人們可以在「綠洲」做任何事情，不受現實規範與束縛，而如何在虛實之間取得平衡，為故事重點。 Cline費時十年編寫小說，而他同時也是Steven Spielberg的粉絲。「我不僅駕駛了一輛Delorean（電影《回到未來》的時光車），當我第一次見到Spielberg時，我還拆了車上的手套箱蓋給他簽名。」他承認在創作小說時，Spielberg的電影給了他許多靈感，因此，這次的合作使他感到非常興奮。 大導演的謙虛與堅持，拒絕納入自己的電影  「我不想拍一部關於我的電影的電影，而是一部全新的作品。」 ——導演 Steven Spielberg 「我認為，任何電影相關產業的人看完這本書，都會想把它拍成電影。」導演Spielberg表示，Cline書中所描繪的虛擬世界，與他想像中的未來十分接近。「Ernest Cline是一位有遠見的人，在我們想像之前，他已經看見到了未來。」 但起初，Spielberg認為電影該由年輕導演執導，才能發揮虛擬想像的最大值。他說：「讀完小說後，我覺得他們需要一名年輕的導演。」而作為80年代的象徵代表，Spielberg本人卻不想將自己的作品納入電影中。...

2018.04.05 前製編劇導演

緊貼音符的空間轉換，《雲端情人》導演再創魔幻舞蹈廣告

白領女孩結束一天的工作後，卸下疲憊返家，隨著「HomePod」播放的音樂放鬆。旋律與節奏，彷彿流進她的身體裡開始舞動，整個房間的呈設、燈光與色彩也一同活躍起舞。 這是《雲端情人》導演Spike Jonze攜手舞者FKA Twigs，所創作的蘋果產品廣告《Welcome Home》，推出後即獲得極高點擊率。繼前年KENZO香水廣告後，Spike Jonze再次展現對音樂、舞蹈的敏銳運用，驗證其影像敘事的魅力；而令人驚奇的是，廣告中看似超脫現實的場景變化，竟非使用CGI後製，而是幕後團隊實景搭建而成。 《Welcome Home》廣告：   百分百貼緊音符旋律——自由精巧的舞蹈設計 「Spike對於我們為廣告排練的動作，有很好的洞見。」——舞蹈指導 Ryan Heffington 眾所皆知，導演Spike Jonze不僅擅執導電影，對音樂圈也頗有涉略，曾多次執導Arcade Fire、Jay-Z、Björk等大咖音樂人的MV。廣告中，團隊使用新銳音樂人Anderson .Paak的創作〈Til It’s Over〉，以現代節奏藍調為基底，融入大量電子成音，曲式節奏起伏大，給予團隊極大視覺發揮。 「我們延長了某些樂句。」舞蹈指導Ryan Heffington說，「讓舞蹈的編排建構角色，使整個故事的劇情變得有意義。」因而在曲目中增加更多獨奏的琴音與斷音，讓舞者FKA Twigs有更多發揮空間。 宛如「新生兒」般的獨特舞步 Ryan Heffington曾為歌手Sia的MV〈Chandelier〉編舞，而他在這支廣告中再次透過FKA...

2018.03.22 前製編劇導演

奢華下的暗潮洶湧──《美麗心計》名導Jean-Marc Vallée為影集注入新生命

影集《美麗心計》由Nicole Kidman、Reese Witherspoon兩位女星擔綱製作人、並且領銜主演，故事環繞著美國加州完美社區底下，女性們亮麗生活背後的陰暗面。影集推出後廣受喜愛，也獲得艾美獎、金球獎等獎項肯定，並即將再續前緣推出第二季。 《花神咖啡館》、《藥命俱樂部》文藝片名導Jean-Marc Vallée轉戰小螢幕執導該劇，發揮其細膩的導戲功力，將演員表演潛力徹底打開，運用柔和又貼近自然的攝影方式，適量又切中要害的配樂，令觀眾隨著七集迭起的劇情，走進這些各懷心事的男女，內裡由謊言交織的黑洞。（以下有部分劇透，請慎入） 崇尚「自然主義」的導演：一切回到角色本身 「導演Jean-Marc讓我感到安全，而且我知道他總會把表演要求到最好。」──演員Reese Witherspoon 早在2014年，演員Reese Witherspoon早已和導演Jean-Marc Vallée合作過電影《那時候，我只剩下勇敢》，更讓前者獲奧斯卡最佳女主角提名。因此，當Reese Witherspoon思索，誰有能力刻劃《美麗心計》裡複雜、多層次的女性角色，處理戲中的家暴、霸凌、性侵等尖銳議題，她立刻想起Jean-Marc Vallée。 身負重任的導演Jean-Marc Vallée，閱讀完劇本深受感動，並認為即使劇情高潮迭起，仍不應讓「情節超越角色」，他說：「我喜歡以人物為導向的作品，它能展現人性，並讓人們反思自我。」 回歸生活樣貌——打造日常感的攝影空間 「Jean-Marc喜歡讓背景變得柔和，這可以吸引觀眾的眼睛更專注在角色上。」──攝影指導Yves Bélanger 攝影指導Yves Bélanger與導演多次攜手拍攝，非常熟悉Jean-Marc Vallée將影像聚焦於人物的手法。全劇選用Arri Alexa的數位攝影機，搭配Zeiss的超高速鏡頭，可以自由因應日夜景、內外景需求，轉變焦距或光圈。 Yves Bélanger說，這兩者的搭配令影像更加柔和，並且有助於表現人身上多樣的顏色。他說：「就像35mm底片攝影一樣，它重現了膚色的複雜性。」 拍攝時也使用偏光鏡、減光鏡等濾鏡，同樣希望幫助拍攝人物。Yves...

2018.03.21 前製編劇導演

揭開光纖「內部」機密——廣告導演Sam Brown揮灑創意

英國公司維京媒體（Virgin Media）去年為自家光纖網路，推出第一支短片廣告《Delivering Awesome》。這則廣告交由廣告公司Rogue Films製作，並由旗下知名廣告導演Sam Brown（山姆布朗）所導，而視覺特效公司The Mill則負責影片中的視覺效果。廣告劇情簡單、明瞭，影片中的人物更是五花八門、虛實參雜，趣味性十足。 《Delivering Awesome》：  人物與場景皆在虛實之間 「搭建實景讓一切變得有形、堅固、真實。」——導演Sam Brown。 看到廣告的最後，才會發現，角色們其實是在光纖線內彼此追逐，爭先衝向光纖的另一頭，女孩的平板電腦。此廣告的用意，是為了顯示該牌光纖能快速傳遞各種娛樂，到消費者的手中。 實際打造一條光纖隧道 「可以的話，實際做出一個東西是很棒的。」導演Sam Brown抱持著這樣的信念，「真實」打造出一條光纖隧道。角色們身處的光纖隧道看似科幻，但它非全是電腦成像（Computer-generated imagery，CGI）製成，而是在布達佩斯一處攝影棚實際打造出來的。 導演Sam Brown表示，雖然拍攝實景較容易搞砸，卻也常常有出乎意料之外的新發現。在拍攝燈下，演員不經意的一個小動作、燈光師一顆不同角度的燈，都可能創造出比原本計畫更豐富的畫面，這就是實景拍攝最有趣的地方。  劇組做出來的光纖隧道其實僅有200英尺長（約60公尺）。導演解釋，如果可以把演員放到實際的場景裡，便能免去導演詳述，與演員自行想像的時間，因為他們可以更身歷其境地去感受，並加以安排自己的演出。只要演員夠把自己放進情境中，真實傳達角色心境，那觀眾也一定能感同身受。 視覺特效公司The Mill運用特效，放大各種想像 現今各式媒體製作上，常常會使用到電腦成像CGI。然而，導演認為CGI是否像真的一樣，並不是重點。「對觀眾來說，最重要的還是敘事。」就像觀眾並不會挑剔經典電影裡，不純熟的傳統特效（Special Effect，SFX），如《綠野仙蹤》、《回到未來》。流暢的故事和精彩的人物刻畫，才是這些電影的精髓。  《Delivering Awesome》中的人物形形色色，有真實歷史中的偉人拿破崙、短跑選手Usain...

2018.03.08 前製編劇導演

擁抱生命的美好——《異星入境》以人為本營造科幻視覺

導演Denis Villeneuve接連交出兩部科幻大作《異星入境》及《銀翼殺手2049》，電影皆極富人文涵養，裡頭觸及諸多對於科技、人性、環境等議題，更值得當代影迷反思。 《異星入境》裡描述，語言學家Louise受軍方請託，試圖解開外星生物的語言之謎，卻意外認知她此生的命運。Denis Villeneuve與團隊創造外星文化，並以攝影、剪輯方式帶領觀眾，從女主角Louise的視野，進入神秘的科幻世界。 時間是一個圓——創造七足外星生物及其語言 「定義一個新物種、一種思維方式、文化或語言都非常不容易。」 ——《異星入境》導演 Denis Villeneuve 縱使《異星入境》改編自短篇小說《妳一生的預言》，但導演與藝術指導Patrice Vermette便依據外星生物的生命觀：非線性思維、過去與未來循環的時間觀，重頭設計他們的構造形貌。 劇中被稱為「Heptapod」擁有七足、形似章魚的外星生物，為多位藝術家、設計師的作品。最終由視覺設計師Carlos Huante統一風格，他形容「Heptapod」是巨大、模糊卻又安詳寧靜，彷彿該生物的存在，便能消弭人類的隔閡與衝突。Denis Villeneuve說：「Carlos Huante畫出真實的靈魂，而不僅僅是生物而已。」 神秘又迷離的圓型墨水字符 「Heptapod」由七足所噴射出的黑色圓型語言，原定設計團隊仿冒原始文化，製造出類似象形文字或代碼的字型，但藝術指導Patrice Vermette始終覺得過於「人模人樣」。 直到某天，他的妻子Martine Bertrand（為知名服裝設計師）給了他靈感：運用墨水創造出迷離神秘的字符。而Patrice Vermette再加工讓字符便成圓形，更由墨水印漬不同的蜷曲變化，製造出百種的符號。例如：形狀較為厚重的代表語氣急迫性，反之則代表語調的平和，而帶有圖案中帶有「小圓鉤」的則是問句。 美麗智慧兼具的設計——外星船與內部空間 「我們想創造具美學的趣味風格，但它必須與文明、與我們頭腦所知道的一切不相容。」——《異星入境》藝術指導 Patrice Vermette...