美術妝髮特效

2019.06.21 影視專題

《火箭人》重返歌手Elton John的黃金時代，音樂劇形式再現浮華場景

音樂傳記片《火箭人》，講述英國傳奇歌手 Elton John（艾爾頓強），從音樂男孩躍升為創作巨星的奇幻歷程，儘管歌唱生涯充滿瘋狂和痛苦，但他仍努力堅持自我，從親情、友情和愛情的深淵裡，逐漸找回屬於自己的真實面貌。 本片在Elton John的親自把關下，不僅透過融合現實和幻想的音樂劇情節，以複雜的場面調度、攝影運鏡，精采詮釋他的歌曲及處境；更讓飾演Elton John的演員Taron Egerton的精湛演技和歌喉，能與經典服裝造型相輔相成，令電影不時流露出自傳色彩。 （內文有雷，請斟酌閱讀。） 音樂劇形式揭露人物內心，精彩豐富的場面調度 「人物可以向觀眾敞開心扉，清楚表達自己的感受，這就是專屬音樂歌舞片的優點。」——《火箭人》導演 Dexter Fletcher 「其實這不是傳記故事，而是Elton John在康復身心的過程裡，逐漸解開自身包袱和問題的故事。」導演Dexter Fletcher表示，本片旨在反映這位傳奇歌手的內心世界，為了維持敘事流暢度，他刻意提高電影裡的音樂元素，利用大量歌曲銜接各情節的轉換，讓觀眾能在銀幕上清楚看見Elton的心境變化。 例如，拍攝Elton的童年家庭時，Fletcher即特別安排演唱〈I Want Love〉的片段，讓家裡的四位成員，都能夠透過歌曲抒發心聲，揭露自身的脆弱面向，他說：「大家都渴望被愛，只是一切都亂了套。那裡沒有人是壞蛋。」 〈Saturday Night’s Alright for Fighting〉部分電影片段： 而在拍攝表演〈Saturday Night’s...

2019.06.14 影視專題

《女巫》寫實攝影捕捉陰森氛圍，服裝、配樂詮釋真實歷史題材

超自然恐怖片《女巫》，講述17世紀「塞勒姆審巫案」前夕，美國新英格蘭的清教徒家庭，因故遷居到荒野森林旁後，開始遭遇詭異的超自然事件，讓主角Thomasin不僅受到雙親指控是「女巫」的化身，一家人的信仰也因此逐漸崩解，陷入彼此相互猜疑的噩夢。 儘管《女巫》是導演Robert Eggers的首部劇情長片，但他與團隊出色的美學觀點，以及對自然、恐怖元素的精準掌握，完美營造令人戰慄的壓抑氛圍，讓本片不僅曾於日舞影展獲得最佳導演獎，更受到恐怖作家Stephen King（史蒂芬金）等人推崇備至。 建立逼真的新英格蘭世界，演員重拾歷史生活感 「我們必須回到過去的世界，才能開始相信女巫的存在。」──《女巫》導演 Robert Eggers 導演Robert Eggers曾任藝術指導、服裝設計等職位，於劇場界、電視圈打滾多年，但夢想成為導演的他，決定以畫家Goya（哥雅）的名畫《Witches’ Sabbath》為發想，創作與童年陰影有關的「女巫」題材，並親自研究早期新英格蘭文化，耗費4年時間撰寫劇本，打造傳遞女權主義思想的駭人故事。 透過與藝術指導Craig Lathrop的合作，兩人實地走訪美國麻州偏遠地區，並研究新英格蘭的古老房屋結構圖，發現當時的建築材料多以木頭、泥土和糞便為主，使得整部電影的色彩，必須設定為灰暗色調，而Eggers亦開始觀摩荷蘭、法國17世紀的繪畫，以便想像新英格貧窮人家的生活情況。 善用技巧指導年輕演員 為呈現真實可信的電影世界，Eggers決定以相對私密的觀點，塑造宛若自身童年記憶的17世紀英格蘭，也因此，他除令劇組採用真實建築及全手工家俱，打造充滿日常感的片場之外，也試圖引導演員們融入當地生活，讓演員Anya Taylor-Joy讚賞：「在這個完美世界裡，我們真的可以徹底成為那些角色。」 另外，由於Eggers過去曾多次演出莎劇，擅長口白訓練，因此能夠引導少年演員Harvey Scrimshaw以及幼年雙胞胎演員，說出片中較為生澀、複雜的古老用語，而Eggers亦透過設計精準的指定動作，讓年輕演員們不必完全理解故事內容，即可做出符合情節的詭異舉止，藉以保護其身心發展。 ► 延伸閱讀：「厲陰宅宇宙」最黑暗篇章──《鬼修女》重現哥德式恐怖美學 善用幽閉景框比例，捕捉自然光環境的寫實面貌 「當我看見劇本裡出現非常有感的畫面時，我就會把它拆解成可以被攝影鏡頭拍出來的狀態。」──《女巫》攝影指導 Jarin Blaschke 「這個比例是一種『永恆』的象徵，而且非常吸引人。」攝影指導Jarin...

2019.06.07 前製編劇導演

《名偵探皮卡丘》實景搭配視覺特效，創造不毀童年的真人電影

《名偵探皮卡丘》為知名遊戲精靈寶可夢首部真人電影，內容講述少年提姆為了尋找失蹤的警探父親，陰錯陽差與父親的寶可夢皮卡丘搭檔，展開一場循著線索抽絲剝繭、揭開陰謀論的冒險。 除電腦特效外，製作團隊亦透過實地取景與底片拍攝，呈現虛擬世界萊姆市的真實感，賦予逗趣可愛的寶可夢生命，使電影更貼近現實。本文將從幕後製作的角度，探討《名偵探皮卡丘》成功擄獲人心的秘密。 減少綠幕使用，實景實地建構出寶可夢世界 「對我來說最大的挑戰，是將卡通角色與人類故事、情感結合， 讓觀眾打從心裡相信寶可夢真的在那裡。」 —— 《名偵探皮卡丘》導演 Rob Letterman 導演Rob Letterman曾聯合執導過動畫《鯊魚黑幫》與《怪物大戰外星人》，之後轉戰真人電影，獨立執導了改編自經典童話、著作的《格列佛遊記》與《怪物遊戲》。兼具動畫電影與真人改編電影的製作經歷，使他在《名偵探皮卡丘》中，取得了電腦動畫與真人演出之間的絕妙平衡。 通常真人結合動畫角色的電影，大多採用大量的綠幕，透過低成本且高效率的後製技術來完成電影，但《名偵探皮卡丘》正好相反。Rob Letterman與劇組更實際前往英國倫敦、蘇格蘭高地等地拍攝，為的就是讓這個虛擬世界能更加真實。 「拍攝並沒有使用很多的綠幕，因為導演Rob Letterman想盡可能實地取景，所以我們於蘇格蘭高地、河谷場景拍攝了幾週，導演對於這樣的作法有先見之明，因為寶可夢是科幻的角色，置於現實背景中能更加凸顯它們。」飾演主角提姆的演員Justice Smith表示。 以倫敦為主體，結合東京、紐約特色的虛擬萊姆市 劇情設定上，萊姆市（Ryme City）為人類與寶可夢和平共處的虛構城市，由於《名偵探皮卡丘》是美日合作的電影作品，美術設計上即捨棄單純仿製遊戲、動畫建築地標的做法，取而代之的是以東京新宿街景為啟發，結合倫敦與紐約的都市風格，形塑一個文化交雜的新天地，再以後製擴展天際線、修掉倫敦著名地標等，呈現更為遼闊的空間感。 「簡單來說，萊姆是必須是個結合熟悉感、與未知領域的現代都市中心。」美術指導Nigel Phelps認為，如果片中所有電影場景都是遊戲動畫與卡通場景的還原，感覺較容易失真。「某種程度上我們避免這麼做，只留一些可以象徵寶可夢宇宙的線索，維持電影的真實感。」 使用35mm底片拍攝，呈現自然粒子質感的畫面 「雖然這麼說有點不知羞恥，但我們確實想讓它看起來像是《銀翼殺手》。」 ——《名偵探皮卡丘》攝影指導 John Mathieson...

2019.06.05 影視專題

夜戲日拍——《羊男的迷宮》《冰封之心》如何於白天模擬夜晚質感？

有時，因環境及預算等限制，劇組難以進行夜戲的拍攝，只能於白天盡量呈現宛如夜晚的畫面。而「夜戲日拍」的手法，從黑白電影時代到現今數位攝影，對於幕後人員來說一直是一項艱鉅任務，除了必須留意日光對於背景、人物與前景，以及各個畫面細節的影響程度，也需考慮不同時段的光線大小與方向，適時調整光圈、ISO等數值；或是使用減光濾鏡，避免光暈和強烈折射光，便於後期調光、調色，模擬呈現夜景效果。 本文將介紹「夜戲日拍」的常見手法，並以《羊男的迷宮》及《冰封之心》兩部作品為例，探討製作團隊如何在環境限制下，透過攝影、燈光及後製處理，將白天的外景模擬夜晚呈現，創造出電影中獨特的夜戲氛圍。 日光仿月光，夜戲日拍的戶外拍攝重點  「你感覺身處在真實、自然的夜晚中，但其實只有陽光才能營造出來。」 ——《羊男的迷宮》攝影指導 Guillermo Navarro 或許你會想夜戲為什麼不在晚上拍攝？夜間攝影確實是更直接的做法，但他必須考慮到攝影器材的感光度，以及大量照明設備的成本。舉例說明，電影中看到的月光，其實多半是幕後人員打出來的，並非真實的月光，因此在設備上就需要一大筆預算，這也是劇組決定以夜戲日拍的主要原因之一。 然而，夜戲日拍需要考量的環節繁多，若稍不留意，就會成破綻滿出的假夜景，不僅失了夜晚的質感與氛圍，也叫觀眾看了出戲，所以夜戲日拍的前製作業相當重要。 最好選在陰天、清晨或傍晚拍攝 夜戲日拍的做法，大多是先於白天拍攝，再由後製人員進行光線與色彩校正。白天拍攝的好處是可以保留畫面中陰影處的豐富細節，讓後製有更大的彈性調整空間，為夜景添上不同層度的黑色陰影。調光調色後製軟體可依據亮度程度分成高光 (Gain)、中間調 (Gamma) 與暗部 (Lift)，調光、調色師即可依此分別調整不同區域的亮度與顏色，呈現夜戲日拍極具層次感的細緻影像。 必須注意的是，太明亮的光線，會導致夜景破綻百出。如果在晴空萬里的好天氣下拍攝，會產生對比相對強烈的影子，這會使夜晚顯得不夠自然，畢竟晚上的特點是大片陰影面積與偏冷的色溫，由於夜晚本身就已經很暗，月光的投射也較難映照出明顯的陰影輪廓，因此最好避免在光線強烈的正中午拍攝，盡量選擇於陰天、清晨、傍晚或是可遮蔽烈陽的地方，捕捉夜戲畫面。   ►延伸閱讀：拍片都用哪些燈光設備？你不可不知的常用電影燈具 盡量避免拍到天空 與夜晚恰好相反，白天天空是相對整個影像畫面中較為明亮的，屬於高光調，而地表、人物則偏向中間調，因為兩者亮度、顏色不同，必須分別進行不同程度的調整，另外根據攝影機運鏡，可能也需要動態追蹤天空，使夜空色調能夠確確實實符合影像畫面。若天空中有許多較為細小複雜的不規則影像，如樹葉、街道電線等，後製過程會更加難以呈現夜晚，因此，建議盡可能不要拍到天空。 儘管如此，如果真的需要將白天天空調整成夜晚質感，那麼拍攝時就讓天空畫面保持乾淨，且與之相接的地平線也要清晰，減少後製的難度與工時。《星際大戰：原力覺醒》特效師 Andrew Kramer，在網路上創辦 VideoCopilot，免費教大家 After...

2019.05.31 前製編劇導演

《捍衛任務3：全面開戰》再造極致動作美學，獨特服裝打造殺手世界

《捍衛任務3：全面開戰》講述主角John Wick因違反大陸酒店規定，遭到全世界的殺手網絡通緝，而在逃亡求生的過程裡，他決定試圖與「高層」展開斡旋，並迎擊各路殺手的全面來襲。 時隔2年，《捍衛任務》系列的主創團隊不僅全員回歸，在龐大豐富的殺手世界觀底下，導演、攝影、服裝等執行層面，更各自發揮創意巧思，奠定宛若黑色科幻電影般的冷冽風格，令本片在IMDB上贏得系列作的最高分。 （內文可能有雷，請斟酌閱讀。） 堅持演員親身肉搏，成就高質感打鬥場面 「我們只想把這部兩個小時的電影做到最好。」──《捍衛任務3：全面開戰》導演 Chad Stahelski 導演Chad Stahelski出身特技演員，善於自行編排武打動作，並對60、70年代的二戰電影情有獨鍾，如《第三集中營》、《決死突擊隊》等；因此，Stahelski非常喜愛實景特效，並著迷於連續、真實的打鬥場面，他說：「實際拍攝這些動作場面，真的已經變成我的電影美學。」 為求創新突破，本片加入不少令人驚奇的戰鬥場面。例如，演員Keanu Reeves（基努李維）與球星Boban Marjanović以小搏大的圖書館戰鬥情境，即是參考電影《死亡遊戲》裡，李小龍和球星Kareem Abdul Jabbar的對打戲。 而令人為之稱奇的倉庫飛刀戰，則發想自Stahelski童年玩雪球大戰的回憶：「當我們在丟雪球時，我們會以最快的方式丟出最多的雪球，以便對彼此輸出最大的破壞力。」 嚴格訓練演員武打能力 Stahelski在開拍前6個月，即要求明星演員們，必須每周特訓6天，且每次訓練6小時以上，完全將他們視作專業的特技演員。除了讓演員學習近距離射擊、莫桑比克射擊法（Mozambique Drill）等戰鬥技巧之外，Stahelski亦非常重視呈現實際情況的彈藥數量，他表示：「在其他電影裡，很多人都不在乎這件事。」 首次加入犬隻戰鬥場面 此外，劇組不僅讓飾演訓狗殺手的演員Halle Berry，於開拍前7個月，便開始和5隻比利時瑪連萊牧羊犬一同培養默契，劇組亦訓練牧羊犬追捕有彈性、好去背的亮綠色玩具，使片中飾演被狗狗攻擊的殺手們，能在腹股溝、胯下等位置，以綠色魔鬼氈黏貼綠色玩具，創造痛感十足的「咬胯下」畫面。 ►延伸閱讀：電影打鬥場面怎麼拍？掌握三大要素：動作設計、攝影和剪輯 沿襲慣用攝影法則，用燈光替場景持續創新 「我喜歡下雨，它為電影加上第三維度的視覺效果。」──《捍衛任務3：全面開戰》攝影指導...

2019.05.17 前製編劇導演

《人類升級》科幻結合肉體恐怖電影，獨特戰鬥場面打破攝影限制

科幻動作片《人類升級》，講述主角Grey經歷劫難後，意外被植入名為STEM的人工智慧晶片，而他必須與STEM共存、合作，才能替亡妻復仇。本片不僅曾於SXSW西南偏南電影節打敗《宿怨》，獲得觀眾票選獎，其獨特的電影風格及戰鬥場面，更是受人矚目。 本片由《奪魂鋸》編劇Leigh Whannell編導，透過精湛的攝影運鏡，及形象鮮明的美術場景，劇組復刻80年代科幻電影的影像氛圍，並結合《暴力效應》導演 David Cronenberg（大衛柯能堡）肉體恐怖電影的色彩，使本片既保有類型電影風範，亦開創出獨到的視覺美學。 （內文影片可能有雷，請斟酌觀看。） 遵循經典科幻片精神，從高科技挖掘肉體恐怖元素 「我對於人類自願把科技產物放進身體裡很感興趣，那是我從沒接觸過的領域。」──《人類升級》導演 Leigh Whannell 早自2012年以前，導演Leigh Whannell便開始發想、撰寫本片劇本。為探討人體與科技產物的結合，Whannell研究未來學家Ray Kurzweil撰寫的相關書籍之餘，亦效法David Lynch（大衛林區）無意識的寫作型態，透過挖掘潛意識裡的超現實想法，成功預言現實世界裡的智能廚房、自動駕駛汽車等元素。 「為了奠定電影原型，我選擇80年代科幻片。」Whannell表示，由於他深受《魔鬼終結者》、《機器戰警》等片影響，他決定減少影像上的CG效果，盡可能以實體模型、道具為主。而他亦以懷舊、黑暗的芝加哥市為視覺形象參考，奠定寫實色彩，並輔以鮮明的科幻元素，創造更貼近現實的未來世界。 恐怖電影的啟發及應用 Whannell曾製作《奪魂鋸》、《陰兒房》等系列電影，令他對恐怖片多有研究，尤其深受導演David Cronenberg的肉體恐怖電影啟發。因此，Whannell即以肉體恐怖片的思維，設計讓片中角色失去對身體的控制權，改用槍械武器取代人體內臟，使科幻故事能與恐怖電影元素融合，進而表達主題。 另外，Whannell深受恐怖電影的敘事節奏影響，他習慣在製造懸念時，先以短暫的沉默，吸引觀眾的注意力，其後再透過動作來打破沉默，讓本片不同於其他科幻電影，更帶有驚悚、緊張之感，借鏡自電影《火線追緝令》的影像風格，亦強化其懸疑氛圍的營造。 ►延伸閱讀：精雕「虛擬」人工智能——《人造意識》鬼斧神工的特效與攝影 練就流暢的機械動作，攝影運鏡打造「鎖定鏡頭」 「我想讓大家知道，我第一次看見《駭客任務》時的感覺。」──《人類升級》導演 Leigh Whannell 為彰顯人體受人工智能控制的狀態，導演Leigh...

2019.05.13 影視專題

電影炸翻你的感官——《黑暗騎士》、《金牌特務》經典爆破場景

無論是戰爭電影、間諜驚悚或科幻史詩，驚心動魄的爆炸場面，一直是構成電影世界的重要元素；而在各式各樣的爆破場景幕後，拍攝安全、製作預算與創意實踐，向來也是主創人員必須平衡的課題。 本文將分享「實景爆破」、「微縮模型」及「電腦特效」三種好萊塢常用的爆破拍攝手法，並一窺《黑暗騎士》、《金牌特務》等電影幕後，劇組如何打造這些經典爆炸場景。 走進爆炸現場，捕捉無可比擬的臨場震撼 「讓演員身處爆炸現場，你會得到與使用綠幕截然不同的反應。」 ——《全面啟動》特效總監 Chris Corbould 拍攝爆破場面最直觀的方式，就是引爆真實規模的場景，實際捕捉強烈爆炸所帶來的臨場震撼。但因為實景爆破的代價通常相對高昂，同時具有較高的危險性，因此專業的爆破團隊、事前的縝密規劃，都是確保拍攝成果、人員安全不可或缺的要角。 《黑暗騎士》小丑引爆醫院之謎 以追求實拍聞名的導演Christopher Nolan，為拍攝《黑暗騎士》小丑引爆醫院的橋段，竟實際炸毀一幢廢棄醫院大樓。由於爆破大樓的機會只有一次，劇組在正式拍攝前，甚至替此場景製作模擬動畫，並與飾演小丑的Heath Ledger進行過無數次現場排演。 網路上盛傳片中爆炸間的短暫停頓，乃是劇組失誤所導致的意外，憑藉Heath Ledger神來一筆的即興演出，才挽救這個差點失敗的橋段。 然而從模擬動畫、導演訪談等幕後資料，都能看見該停頓原本就在規劃之內，可見有關失誤的傳言並不正確。但無可否認的是，正是Heath Ledger的精湛表演，才讓這一幕成為影迷心中不可磨滅的經典。 《全面啟動》夢境般的實景爆破 同樣由Christopher Nolan執導的《全面啟動》中，Leonardo DiCaprio和Ellen Page身處巴黎街頭的小酒館，周遭的建築和街道逐次爆開，碎裂的物件如失重般懸浮於半空。讓人難以置信的是，這樣超現實的夢境場景，竟也是透過實景爆破的方式完成。 與一般帶有火焰和煙霧的爆破不同，因為巴黎政府禁止劇組使用炸藥，特效總監Chris Corbould改以高壓氮氣，引發街道上的一系列爆炸。空氣砲的噴射方向經過嚴密計算，並經由電腦後製增強、添加碎片（例如：用於實際拍攝太過危險的玻璃瓶），在確保演員安全的前提下，實現這個不可思議的爆破場面。 ►延伸閱讀：《黑暗騎士》混淆善惡界線，奠基於「現實」的暗黑英雄世界 引爆微縮模型，兼顧拍片預算與真實性 「當你面對水、火等元素，讓它在物理上真實發生，能夠帶來更好的效果。」...

2019.05.10 影視專題

隱身於電影幕後的職人們——概念設計師、收音師及調色師在做什麼？

導演、製片、攝影師、剪輯師…….這些影視工作者的職業，或許你並不陌生，對他們的工作內容也略知一二。然而，在電影產業中，從無到有完成一部作品，所需的人才絕不僅此而已，還有更多隱身於幕後的從業者，也是成就電影的關鍵。 本文將從電影製作的前製、拍攝及後製期，分別挑選出概念設計師、收音師及調色師，介紹他們於工作崗位的職掌內容，以及在《侏羅紀公園》、《愛情，不用翻譯》、《牠》等知名電影中，他們如何發揮所長，成為作品不可或缺的推手之一。 前製期：整體視覺由他發想——概念設計師如何從零到有創造角色 「我懷著滿腔熱血，　讓導演雇用了我和我的團隊做《侏羅紀公園》。」—— 概念設計師 Mark ‘Crash’ McCreery 概念設計師多在電影製作前期參與，可能從腳本皆無的狀態下，試圖繪製出片中的角色、場景形貌，讓導演或美術做日後設計、拍攝的視覺參考。概念設計家Mark ‘Crash’ McCreery便為《侏羅紀公園》中，負責設計這些虛擬又具真實感的恐龍。 McCreery連同多位概念設計師，便依據原著小說、科學研究，再依靠自身想像力，創造出片中暴龍、翼龍、迅猛龍等。諸多《侏羅紀公園》釋出的手稿中，仍可在右下角，看見他註記的簽名「Crash」，作為他創作的印記。 「侏羅紀不是只令人恐懼，它也是美麗的。」McCreery謹記，要將猛獸賦予性格，即使看似凶狠的恐龍，也有其複雜細膩的情緒，因而更加細膩地設計其外型、動作，成就這部1990年代的經典之作。 部分概念設計師而後也會加入劇組，協助將設計草圖呈現於大銀幕上。當年，McCreery甚至連同特效設計師John Rosengrant，穿上由發泡橡膠製作的恐龍裝，於經典的廚房追逐戲扮演恐龍，成為實踐概念設計的「最佳代表」。近幾年，McCreery也回歸《侏儸紀世紀》系列，持續為片中新登場的恐龍，發揮創意完成設計。 ▶延伸閱讀：沒有CGI怎麼辦？重溫《侏羅紀公園》、《大白鯊》裡的經典怪獸 拍攝期：現場聲響由他捕捉——收音員在拍片現場如何應對 「我們要保持低姿態，但也必須隨時注意任何事。」——《蜘蛛人2驚奇再起》、《愛情，不用翻譯》收音師 Kira Smith 電影收音師隸屬於成音部門（Sound Department），負責在拍攝現場，舉著Boom桿（麥克風收音延伸桿），捕捉演員口白、現場環境音，把聲音錄進錄音設備中。 擔任《愛情，不用翻譯》的收音師 Kira Smith...

2019.04.29 影視專題

經典場景如何誕生？一窺《一級玩家》、《瘋狂亞洲富豪》的幕後巧思

電影場景不僅是故事發生的背景舞台，同時也是為劇情帶來深度、賦予影像個性的重要視覺元素。本文將分別自《2001太空漫遊》、《瘋狂亞洲富豪》及《一級玩家》三部作品中，選出令人印象深刻的電影場景，並分享幕後團隊的設計巧思。 《2001太空漫遊》月球造景，捲入登月造假疑雲？ 「永遠不要對一個想法說不，你永遠不知道它會如何點燃另一個想法。」 ——《2001太空漫遊》導演 Stanley Kubrick 1968年上映的《2001太空漫遊》，至今仍是許多科幻影迷心中的經典之作，然而片中令人驚嘆的視覺，卻意外地讓導演Stanley Kubrick，捲入登月計畫的造假疑雲之中。 為了創造真實的太空環境，Kubrick參考了許多NASA提供的影像資料；針對重要的月球場景，劇組不僅用石膏製作了逼真的月球模型，更動用了好幾噸經過清洗、染色的沙子，以仿造月球表面的荒蕪景觀。 但1969年阿姆斯壯登陸月球，並發布在月球上拍攝的影像後，卻因登月時點與《2001太空漫遊》上映的時間十分接近，而引來外界質疑。有陰謀論者指出，太空人根本沒有登上月球，這些畫面其實是NASA找來Kubrick，於攝影棚中拍攝完成的。 由於Kubrick生前始終沒對這則傳聞給出回應，於是數十年來，人們仍對此爭論不休。大概是被週遭的人問煩了，他的女兒Vivian Kubrick終於忍不住於2016年，在twitter上公開駁斥：「怎麼會有人相信，像我父親這樣為理念奮戰的鬥士，會去做這種背叛人民的事？」「這顯然是一個瘋狂的謊言。」 ►延伸閱讀：縮小版的荒涼末世——《銀翼殺手2049》以微型模型打造科幻之城 《一級玩家》數位結合實體，再現《鬼店》經典場景 「你希望人們認出它來，但同時意識到他們從未見過這樣的東西。」 ——《一級玩家》藝術指導Adam Stockhausen 科幻電影《一級玩家》，成功地透過動態捕捉技術，讓主角們化身虛擬人物走進遊戲世界；其中最讓影迷津津樂道的，便是透過遊戲任務，向Stanley Kubrick的作品《鬼店》致敬的精彩環節。 為了重現《鬼店》中的經典場景，《一級玩家》的藝術指導Adam Stockhausen率領製作團隊，分別打造了「數位佈景」和「實體佈景」，以完成不同部分的拍攝。 至於為何需要兩種佈景，藝術指導Adam Stockhausen解釋道：「這取決於視效團隊的後製需求。每當我們讓主角們走動，我們就不需要真實的佈景，那只會妨礙那些試圖捕捉演員表現的紅外線攝影機（Infrared Camera）。」 但當畫面需要呈現真人時，拍攝需求就會逆轉，例如走向電梯的雙胞胎女孩、或者出現在浴缸裡的裸女。藝術指導Adam...

2019.04.26 前製編劇導演

限制級影集《愛x死x機器人》——如何以動畫呈現暴力、性愛場景？

今年，串流影音平台Netflix帶來多部原創影集，如《安眠書店》、《性愛自修室》等，獲得眾多影迷喜愛，另也推出成人動畫《愛X死X機器人》，以短小精幹並刺激玩味的內容，精緻多元且魅力無限的動畫風格，拓展出串流平台內容的新發展方向。 影集由兩位知名導演《控制》David Fincher、《死侍》Tim Miller共同發想並擔綱製作人，定調出毫無框架受限的「R級內容」設定，並由15家動畫工作室跨國製作，從概念發想、美術設定至動畫繪製，結合成人情慾、暴力動作、科幻機械元素，融合2D、3D及真人演出，呈現18個令人血脈賁張的影像世界。 （內文影片有部分裸露畫面，請慎入） 熱愛R級成人動畫——大衛芬奇與《死侍》導演如何搭上線？ 「你會希望這個故事，能夠達到最大的娛樂性和影響力。」——《愛X死X機器人》製作人 David Fincher 影集主創團隊之一的Tim Miller，在成為《死侍》導演前為專職動畫師，其短片作品曾兩度獲奧斯卡提名，過去也參與《龍紋身的女孩》、《雷神索爾2》等片的特效製作。然而，他也早在2005年時，便與同樣熱愛「R級內容」的導演David Fincher，籌備改編成人漫畫《The Coon》為動畫，可惜案子因故停擺擱置。 因此，兩人再續前緣的《愛X死X機器人》，同樣定調為「成人口味」，滿足觀眾收看暴力、血腥及情慾內容的渴望。Tim Miller認為，隨影音內容取得便利、時代風氣更為開放，觀眾也漸能接受R級內容：「人們喜歡極端的事物，《死侍》就是很好的例子，當你的作品變得加倍暴力，仍然會有人喜愛。」 ►延伸閱讀：經典之作《鬥陣俱樂部》——從「恐懼」出發，挑戰你的視覺神經 聯合15個動畫團隊跨國製作 影集由Tim Miller所創立的Blur工作室主導，由團隊挑選故事腳本、管理製作進度。除其中三集內容為Blur工作室製作外，其餘則由另外14個動畫團隊創作。動畫總監Jerome Denjean認為，Blur工作室長期與這些團隊處於競爭關係，但同時也十分欽佩其作品：「能把每個人齊聚，讓他們各自的視覺創意應用在影集中，是非常令人激動的事！」 Tim Miller及Blur工作室依循作品調性，在全球尋找適切的動畫團隊合作，例如：具奇觀動作場面的《目擊者》，交由《蜘蛛人：新宇宙》前藝術指導、西班牙導演Alberto Mielgo執導；富含東方色彩的《祝你順利》，則是韓國Red Dog Culture...