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共 57 篇文章

儒雅冷血的殺人魔背後——安東尼霍普金斯表演分享

「表演就像是生活——你不能『推進』你的生活。你不該總嘗試要保持『確定』。我們都沒有辦法知道接下來的兩分鐘,會發生什麼——我們連2分鐘都無法掌握。但我們都想要逃離死亡,所以我們總是『推進』又『推進』……」——安東尼霍普金斯(Sir Anthony Hopkins) 安東尼霍普金斯(Sir Anthony Hopkins)在英國出生研讀戲劇,在劇場表演多年,前進好萊塢,但他一直到54歲演出《沈默的羔羊》,才真正被大眾看見。在電影裡演活吃人魔Hannibal Lecter(漢尼拔萊克特)的角色,與該片女星Jodie Foster(茱蒂佛里斯特)合作無間,成功打造出「狼」與「羔羊」的對比角色與氛圍。 高齡80歲的他,今年還演出了《變形金剛5:最終戰士》、《雷神索爾3:諸神黃昏》……等作品,甚至還開辦了自己的畫展。 也許是因為亞斯伯格症,他喜歡「拆解」角色: Hopkins被診斷出患有亞斯伯格症,而談到亞斯伯格症帶給他的影響是,他並不參加派對,也不愛交朋友,但他還是非常喜歡人們。他喜歡「潛」進人們的腦袋裡面,觀察他們,也讓他享受「拆解」別人想法,並「影響」他人的過程,也許這也是為什麼總是有人找他演超級控制狂的角色。 1991年一次上節目接受採訪時,主持人問他:請問你是看了多少資料,來揣摩漢尼拔這個角色呢? Hopkins說:我沒有找資料啊,為什麼要找資料,我完全就是靠我過去的經驗去揣摩的……。主持人對於這個回應感到詫異,乾笑起來, 而Hopkins在畫面裡溫柔地微笑:為什麼你要笑得這麼緊張呢? 演員需要高度自律,「丟本」是基本要求: 高齡也廣富經驗的Hopkins,至今仍然虛心練習台詞,他是出了名的「丟本」演員。「丟本」並不是指他拍片時會把劇本丟掉,而是事先把所有台詞熟記,在現場不看劇本也能一字不漏講出台詞。 如何達到「丟本」的境界,就是每次拍戲前把台詞熟讀200-300次,他認為這是很基本的事情。他曾經在拍攝《勇者無懼》時,讓導演Steven Spielberg大驚,當時已年屆60的Hopkins,居然可以一字不漏地把長達7分鐘的法庭台詞講得流利,而且完全不需要任何一點提示。 此外,高齡的Hopkins沒有記憶力衰退的困擾,因為沒拍戲的時候,他會讀很多困難的詩,來幫助自己維持記憶力。當他在教年輕演員的時候,會告訴他們:「要牢記你的台詞,強記一遍又一遍。」儘管過程無聊,但熟記台詞才能幫助演員,真正了解台詞意思。對Hopkins來說,表演是需要高度自律的工作。 不要再說他為了演好漢尼拔,居然練習不眨眼: 《沈默的羔羊》裡,漢尼拔的眼神及言語讓人戰慄,又因為整部電影有漢尼拔出現的21分鐘,他只眨了一次眼,而讓觀眾感受到巨大壓迫。近年在接受採訪時,被問到是否有事先苦練不眨眼睛,他笑說:「這什麼蠢問題?這根本不用練習,你就只是一直讓眼睛張開而已。」 當初與導演Jonathan Demme(強納森戴米)討論起漢尼拔這個角色的時候,Hopkins想起他從小就很擅長「嚇人」,比方說,他喜歡裝成德古拉吸血鬼,發出可怕的舌頭聲,而他把這個經驗,帶進漢尼拔這個角色。 Hopkins分享他如何演好《沈默的羔羊》裡的漢尼拔,甚至是《西方極樂園》的福特博士:「如果你要演一個怪物殺手,你只要保持安靜就好。」 最想演的人物或角色?...

Sony CineAlta VENICE 新機發表——少年pi金獎攝影師掌鏡短片The Dig

Sony推出第一台全片幅CMOS電影攝影機VENICE,找來了《少年pi的奇幻漂流》、《班傑明的奇幻旅程》的攝影指導Claudio Miranda(克勞迪奧·米蘭達)與《創・光速戰記》、《遺落戰境》的導演Joseph Kosinski,使用Sony新機CineAlta-VENICE,拍攝短片作為測試。(本篇文章單純就劇組角度分享,並非廠商贊助業配文章。) 從成品來看,就各方面來說,真的在影像上讓人對於這台新機,有躍躍欲試的興奮感,而影像加分的原因,也是因為在裡面,導演Joseph Kosinski成功用8分鐘就說了一個好故事。 The Dig 完整短片片段:   好萊塢導演X奧斯卡攝影指導的精彩敘事:  選擇對比時間與場景來呈現影像: 這是攝影指導Claudio Miranda跟導演Joseph Kosinski,第三次一起受邀使用Sony的新機,他們都使用過之前Sony出廠的F65和F35,而這也是Sony隆重推出的第一台全片幅電影攝影機(使用CMOS感光元件)。是導演也是編劇的Kosinski,特別選用了這個題材,反而對於VENICE來說,是測試很好發揮的空間:場景橫跨白天與黑夜,並從都市前進到沙漠之中,甚至也有直升機空拍的鏡頭(都重金請了好萊塢導演及奧斯卡金獎攝影指導,再請一台直升機也不為過吧)。 以故事為考量選擇搭配鏡頭: 跟之前介紹過的長廊打鬥片段一樣,短片其實非常強調影像的敘事,甚至不使用台詞,也能達到戲劇效果。在敘事手法上,選用倒敘,過去式與現在式交錯剪接,層層撥開故事,且沒有使用對白,觀眾必須看到最後一個鏡頭,才能理解故事全貌。也因此在鏡頭的使用上面,導演Kosinski選用全片幅的變形鏡頭搭配攝影機,因其在散景或是變焦的時候,變形鏡頭並不像球面鏡頭銳利,較能把焦點放在角色的個人特質上面,給予影像呼吸的空間,而其廣角效果,在拍攝短片中的沙漠場景,也非常有意思, 特殊場景與故事設定,展現機器的真正實力: 正午的沙漠,明暗都捕捉: 從來看,導演Kosinski非常有力地呈現相機在明暗對比上面,能夠有豐富的細節層次。導演Kosinski刻意選用了全黑的車,甚至連內裝都是黑色,在正中午的沙漠,執行拍攝。攝影師Miranda非常滿意最後呈現出來的柔和色調。即使是在行進之中,從車外拍攝車體內部,並透到主角背後的荒白沙漠,車內的暗部與車外背景,都仍然保持一定的細節。而在都市之中的夜晚內景部分,後期調色人員Mike Sowa也非常喜歡從暗部到明部的細節,不需要後期調色修改太多,也能柔和並清楚呈現演員的臉部色調。 內建8段ND濾鏡的好處:  攝影師Miranda一直都偏好內建有許多濾鏡的攝影機,也不一定是出於美學的考量,而是如果在現場突然有個靈感,就能夠使用濾鏡,直接看到色調的變化,而比進入後製製程再調整的方便。而對於攝影助理來說,內建濾片的好處就是在於,不用重複太多抽出、清潔、放入的動作,如果要一直在漫天飛沙的沙漠之中,執行這項任務的話……。 兩面操作介面方便使用:  另外一個對於攝影助理來說的好消息是,這台攝影機有兩面操控介面,攝影助理的那一面有許多按鍵與細節能夠調整,而攝影師的那一面則是簡單地顯示資訊以及簡單的按鈕。在操控上面,攝影師跟助理可以不打架。  產品規格:...

Behind the Scenes 06《逃出絕命鎮》預算不高,更要善用器材

 隨著最近多部電影在多倫多影展一連串放映結束之後,就代表又快到了奧斯卡奬季的時刻,陸續有多家媒體預測奧斯卡名單,而年初上映的《逃出絕命鎮》(Get Out),仍然持續創造話題中。2017年不管是國際或是台灣,「恐怖」電影都屢出佳作,比方說台灣的《紅衣小女孩2》票房剛剛破億,而《逃出絕命鎮》也是今年的火紅恐怖類型片之一,以450萬元美金(約1億4千萬台幣)的預算,達到2.5億美金的票房。 《逃出絕命鎮》的故事是一個非裔年輕人到白人女友家中作客,卻捲入一連串種族歧視的夢魘。對於導演Jordan Peele(喬登皮爾)以及攝影師Toby Oliver(陶比奧利佛)而言,當初他們做的就是遵守預算,以及在對於故事要求的限制下,努力創作。從前製就定下色調,到現場拍攝的安排,他們都有獨特的想法。  《逃出絕命鎮》正式預告:    Toby Oliver的場勘,要進了photoshop跟DaVinci才算完整: 其實在美國拍片,每家製片公司都有自己偏好的片場,《逃出絕命鎮》也不例外。但其實不管是國際或是台灣,拍片人還是希望有家庭生活,於是偶爾願意降低一點酬勞,在離家近的片場拍攝,所以他們仍然說服製片公司到外地拍攝,並聘請了當地專業的工作人員。而這樣的預算,其實並不容許搭景的需求,所以導演Peele與攝影指導Oliver花了許多力氣,才找到他們「腦海中」的實景房屋。 在場勘的時候,攝影指導Oliver有一套自己的邏輯,他會使用Artemis App輔佐他的取景與構圖。但他並不滿意Artmis的攝影功能,於是他會隨身攜帶他的Canon 7D來做粗略的分鏡(photoboards)。回家以後,他會把7D拍攝的相片,匯入photoshop調出喜歡的色調,然後再使用DaVinci Resolve(達文西調色軟體)創造出他剛剛用photoshop調出的電影調色LUTs(Look Up Table)套用在攝影機上。 他大致上為《逃出絕命鎮》訂定了四種色調:        不容許破壞又不夠寬敞的場景,還是能從縫隙中找到解決之道: 導演Peele與攝影指導Oliver終於找到理想中的實景房屋,房屋的主人當然不希望房子被損壞,劇組也無多餘預算支付事後的修補費用,所以,拍攝時所有器材不能鑽牆、鑽天花板,也不能額外架設任何固定設備來固定燈光。因此攝影指導Oliver的機械師Eric Damazio,推薦Oliver使用一套系統:MAX Menace Arm。...

不用再轉為橫向了 廣告影片新趨勢

相信影像創作者都非常在意自己嘔心瀝血的作品有沒有以最好的姿態呈現在觀眾面前。 時代與科技不斷改變人們接觸影像的使用習慣,若沒有與時俱進更新最新趨勢,當影像被「不當」的觀看時,就會大大地影響內容及視覺。即便再好的作品也可能面對被忽略或淘汰的命運。畢竟你無法要求觀眾配合創作者的期待觀賞影片,觀眾只會依他們最方便的方式觀賞你的作品。 之前我們談過影像在4K及1080的畫質選擇(Netflix表示,4K還是1080,還要抉擇?),除了畫質隨著科技再進步,我們日常所使用的手機也正在改便我們觀看影片的行為。如何讓影像在小螢幕上達到高品質成了另一項功課。然而除了電影及電視外,廣告影片更是需要更強大的吸引力才能抓住觀眾的目光,任何造成觀眾麻煩的觀看方式都可能大幅降低他們觀看廣告的動力。 因此今天要來談的就是最近在手機中,不斷出現的直式廣告影片。從前幾年就出現的直式廣告,已經蔓延到了常使用的社群軟體中。也有許多人預言直式影音廣告將成為未來廣告的主要趨勢。快來DC FILM SCHOOL跟進這一波新消息吧! 數據顯示:不到30%的人會將手機轉橫 美國行動廣告公司MediaBrix最近在一項實驗中發現:不到30%的人會將手機轉橫,觀看橫向影音廣告。而當他們這麼做的時候,也不會看完整支廣告,平均只看了廣告的14%。許多媒體商及廣告商也開始將重心轉移至垂直影音。因為他們意識到這種露出影音的格式對閱聽眾來說更為方便實用。  逐年增加的手機使用量 事實是:人們很懶惰 想想看,當使用者正在使用手機瀏覽網站及使用社群軟體時,總是傾向方便的操作及體驗,如果這時跳出的廣告影片必須以橫式、全景模式才能觀看,那麼恐怕許多人不甚樂意將他們的手機轉成橫的並展開成全螢幕模式。這很懶惰,但這是事實。 從行銷角度來看,代表橫式影片無法將廣告打到這群不願將手機擺橫的人身上。作為製作影片的人可能會認為是觀眾無法用正確的方式觀看影片,不了解影片製作的意圖。但是人們不在意,他們只在意為了看影片,將手機轉過來只是一件不方便的事。而有些人甚至不轉動手機,用「直式」的畫面觀看「橫式」的影片。   垂直視頻比以往任何時候都更加突出 2017年初時,共有112個主流媒體紛紛開始運行垂直影音廣告。雖然與整個媒體投放量來說,還是佔據相對低的比例,卻是前所未有的新興產業高峰。觀察這些運行垂直影音的媒體,他們擁有一些共通點,像是擁有足夠的財力來資助創新的嘗試。 根據調查數據,這些媒體包括美國紐約出版界巨頭Hearst(出版物包括《ELLE》、《美麗佳人》等著名時尚雜誌)、美國紐約出版集團Conde Nast(出版物包括《紐約客》、《GQ》等知名雜誌)、美國出版公司Time Inc.、美國數位媒體集團Vox Media、美國線上公司AOL、美國知名的財經科技新聞網站Business Insider以及美國媒體集團NBC Universal。 大多數垂直影音廣告都是15秒 根據分析,大約70%的垂直影音長度為15秒,但目前仍處於測試階段。例如,MFS投資管理公司正在投放90秒的廣告,但也有其他企業正在嘗試投放5秒鐘廣告,例如Chanel的3秒形象廣告。而身為垂直影音先驅Snapchat,目前主要以10秒廣告為主。Snapchat更在2015年發布一項調查,調查顯示全屏垂直影音廣告觸及率比橫向影音廣告高出9倍。 公司還表示,垂直影音廣告的視覺效果相較於橫式提高了兩倍。Snapchat真正做到了「以適合手機的方式傳達品牌信息。」這件事。 位居領先的影視娛樂產業...

Netflix表示,4K還是1080,還要抉擇?

這一篇是給對於影像畫質有所困惑的人,不管你是廠商、創作者,都會對於高解析度有困惑跟迷思,雖然解析度越高代表品質越好沒錯,但其實都會有相對應的使用時機。因為你可能會聽到有人說「你還在HD,我已經拍4K拍膩了,最近又拍了幾部8K的作品了!」 雖然現在影像畫質解析度最高規格是8K,但很多人也許都還在猶豫4K跟1080之間的抉擇。如果是一般的Youtuber或是Vlogger,或是對於影像創作限於在YouTube、Facebook、Vimeo發表的使用者來說,1080是最經濟又對網路空間「環保」的抉擇了。  因為就算你的影片規格再高,如果沒有相對應高解析度的螢幕、沒有相對應的HDMI線或其它硬體、沒有相對應符合頻寬的網路速度,也許你還是無法在家裡享受4K的快感。那為什麼4K的討論還是那麼多,甚至科技已經往前發展到8K,國外的Vlogger,Peter McKinnon的影片,以及Netflix規定的影片規格,都可以讓你參考。(本篇非Netflix贊助,重點在於影像畫質討論。) 大家都想要買4K的機器,用4K的機器拍出超棒畫質,卻也擔心其實一般還是使用1080p觀看影片,例如手機或電腦。如果因此就放棄4K,其實不合理,因為使用4K拍攝的影像,如果讓檔案能正確地以相對應的格式,以1080的格式輸出,畫質其實還是比原本就用1080機器拍攝的畫面棒。 以4K拍攝的檔案,因為畫質解析度很高,在剪接程序上,你可以隨意放大、縮小、快轉、慢速,甚至運用簡單技巧製作左pan、右pan⋯⋯等的鏡頭運動,畫面上看起來也非常合理。也就是說,畫質越高,容許你在後製剪接的運用度也越靈活。 以拍攝運動、大自然等高速進行的影像內容,甚至是廣告、電影,4K攝影機絕對相對能夠呈現較好的畫面品質。除非,你真的非常確定你的影片只會在網路上播放,且不涉及任何高速或慢速內容,其實1080攝影機就可以符合你的需求。 Netflix網站名列規定,Netflix原創出品的作品,都必須達到4K的標準以上,甚至列出規定的攝影機種,以確保影像品質符合Netflix出品的所有標準。如果劇組出動兩機拍攝,Netflix同意B組或是B機,能不用以表單上的攝影機為主,但是畫質也還是必須保持4K以上。 至於為什麼Netflix這麼堅持?其實他們在2014年已經開始堅持,所有原創作品都必須要以4K以上的畫質上傳跟呈現了。理由是,未來如果要找到普通HD畫質的電視,其實會比找到4K的電視,或4K以上的電視還要困難了。 不過Netflix目前並不支援所有瀏覽器都能觀看4K畫質的檔案,建議購買4K專案前先確認軟硬體設備是否都能支援。 Netflix 認可的4K/6K/8K攝影機: Canon C300 Mk II Canon C500 Canon C700 Panasonic VariCam 35 Panasonic VariCam LT...

從電視劇演員到電影導演—— 泰勒・謝里丹的電影路

由傑瑞米・雷納與伊莉莎白・歐森主演的美國驚悚片《極地追擊》將於台灣九月底上映,是泰勒・謝里丹首度執導的處女作。 謝里丹更憑該片在70屆坎城影展「一種注目」單元中獲得最佳導演獎。說起泰勒・謝里丹的導演路,可是從一名電視劇演員開始的。二十多年來的演藝生涯中,其中令觀眾最有印象的角色是在連續劇《飆風不歸路》(Sons of Anarchy)中飾演的查敏警察局副局長大衛・海爾。  《飆風不歸路》是美國FX電視台出產的犯罪連續劇 2015年他為丹尼・維勒納夫執導的電影《怒火邊界》撰寫劇本, 獲得美國編劇工會獎最佳原創劇本提名。接續為電影《赴湯蹈火》撰寫劇本,也獲得了金球獎最佳劇本及奧斯卡最佳原創劇本獎提名的好成績。  犯罪劇情片《怒火邊界》在奧斯卡中獲得最佳攝影、最佳配樂和最佳音效剪輯三項大獎提名 搶劫犯罪片《赴湯蹈火》獲奧斯卡最佳影片、最佳剪輯、最佳原創劇本、最佳男配角等四項提名  讀肥皂劇劇本最大的收穫:我清楚哪些是不該做的 「我不是布萊德彼特,無法出演火線追緝令,我讀的劇本是艾倫・斯班林的肥皂劇。 二十多年我不斷告訴自己:『雖然我不知道怎麼做是對的,但是感謝老天,我清楚哪些是不該做的。』」 曾經是演員的他,所讀過的劇本就是在表演前交到他手中的劇本。雖然無法從肥皂劇劇本中學習將劇本寫好的方法,但是他卻深刻體悟到哪些是觀眾不想看到的故事內容。 謝里丹式的劇本哲學 謝里丹將馬丁・史柯西斯所執導的電影《四海好傢伙》(Goodfellas)奉為劇本聖經,其劇情鋪陳方式讓觀眾對於接來要發生的劇情毫無頭緒。這對謝里丹來說,就是劇本的最高水準:讓觀眾無從預知接下來的劇情發展。謝里丹更為自己設立了三項準則,準則出自於他自己而非擷取自任何一本劇本教學工具書。 寫一部你願意花錢去戲院看的電影。 永遠不要讓角色說那些在畫面就看得出來的內容。 你必須讓觀眾好奇接下來會發生什麼事,而不是困惑現在發生了什麼事。 謝里丹更表示如果他從電影相關的學校畢業又或者看過相關劇本教學的書籍,那麼他做事的方式也許會和現在大不相同。 1990年的美國黑幫犯罪電影《四海好傢伙》  免費幫電影加分的利器:好的劇本架構 謝里丹的劇本一向以架構複雜、劇情簡單的形式呈現。他喜歡複雜的角色設定,並且認為複雜的角色設定與複雜的劇情較不適合湊在一起。謝里丹表示在劇情簡單的電影中,只要做些調整,就能帶給觀眾不同與以往的新鮮感。 電影《赴湯蹈火》就是個很好的例子:不在電影中揭露兩兄弟搶銀行的原因,好讓觀眾更專注於角色正在做的事,並試著從畫面中找出線索。 另外,謝里丹也喜歡在劇情中揭露資訊,像是在新作《極地追擊》中,使用倒敘法揭露謎團,使觀眾成為比電影中角色更清楚事情真相的人。謝里丹表示有兩種方式可以混淆觀眾對於下一步的劇情預測,一種是視覺的呈現,而另一種則是劇本的架構。 但是在視覺上下功夫需要相對高的成本,所以他一向選擇在劇本架構下手,帶給觀眾意想不到的觀影感。...

2017.07.27 影視專題

他們才是真正的藝術家——電影《丹麥女孩》的美術設計

由湯姆·霍伯所執導的電影《丹麥女孩》,改編自大衛·埃伯肖夫的同名小說,內容描述一位丹麥畫家接受變性手術的真人真事。該片更獲得奧斯卡最佳服裝設計與最佳美術設計提名的榮耀。 與霍伯共同合作《王者之聲》、《悲慘世界》,也是該片的藝術指導Eve Stewart表示,電影美術設計最大的任務就是掌握所有的視覺元素,並且讓他們合乎電影的視覺主題。為達到導演的要求,在電影籌備期間Stewart多次和導演湯姆·霍伯齊聚在房間裡一起討論該如何透過視覺,精準的呈現角色。正因爲美術團隊如此專注於細節的呈現,才讓觀眾在短短幾分鐘內,就能墜入埃納和格爾達的藝術世界中。 演員艾迪與真實人物莉莉·艾爾伯 實際走訪及田野調查,往往能讓你找到方向 藝術指導Eve Stewart表示,他在實際走訪了埃納和格爾達在哥本哈居住的街區後,不但找到了整部電影的靈魂色調,也決定了工作室的輪廓:寬敞的公寓中,從窗戶灑進大量的日光。 「一切都是從埃納和格爾達曾居住過的公寓開始,斯堪地那維亞半島上映照著一股奇特的憂鬱之光,讓我找到了電影該有的顏色。」 這一幕大家應該並不陌生,這是埃納和格爾達的朋友艾梅柏,一位芭蕾舞者的工作地點。為了這個場景,Eve Stewart特地到了巴黎皇家歌劇院後台汲取靈感,看舞者們如何在後臺換上舞裙以及放置舞鞋的位置等等細節。 她發現歌劇院為了維持芭蕾短裙蓬鬆的視覺效果,會將芭蕾舞裙倒著吊掛。她當下感覺這個場面實在太不可思議了,立刻就決定要將這個元素放到電影中。 從真實畫作、老照片、同時期畫家的作品下手 從大量老照片中下手是絕大多數的美術設計一定會做的功課,埃納和格爾達在巴黎的住處,從演員身上披掛的織品到房間內的花瓶、居家擺設都是來自老照片的靈感。 電影拍攝前,Eve Stewart及導演拜訪歐洲收藏家研究埃納和格爾達的作品,為了讓戲中莉莉的畫作能夠神似艾迪的長相,團隊花了非常多時間從格爾達的畫作中搜集線索做揣摩。並與英國壁畫藝術家Susannah Brough合作。藝術部門總共產出了將近70幅的仿造作品。而電影開頭房間內的肖像畫作則是畫家格爾達真正的作品。 戲中的畫作來自格爾達1927的作品  另外美術團隊也參考了與埃納同時期的丹麥畫家Vilhelm Hammershøi,其作品多以建築為題材,色彩帶著寂寞,卻又飽含生命力。也是公寓主要的靈感來源。Eve Stewart認為Hammershøi的作品風格相當能詮釋當時埃納夫婦在哥本哈根的人生狀態。 空間的氣息感是「人為」的   你得為場景注入生氣和靈魂 「你只能真的在這裡工作,一直工作到有那個對的感覺出現,而這是假裝不來的。」藝術指導Eve Stewart表示。為了讓工作室富有工作氣息,美術團隊真的就在這裡作畫以及設計。讓房間地上隨處可見素描草稿,以及潑灑的顏料印。 電影中出現的人物素描圖,本來是經由藝術部門繪製,後來因為導演需要用到大量的素描圖,整個美術團隊都成了不斷產出素描圖的工廠。Stewart甚至笑說就像回到多年前在藝術學院唸書的日子。...

搖滾樂手與鬼才導演的結合——電台司令Jonny Greenwood

出現在眾多作品當中的搖滾樂手Jonny Greenwood 電影配樂一直都是電影中很重要的一個部分,如同Nolan之於Zimmer,鬼才導演Paul Thomas Anderson(他喜歡別人簡稱他PTA)和Radiohead電台司令吉他手Jonny Greenwood也是如此契合的搭檔。 儘管Thom Yorke一直都是樂團中第一個被提及跟關注的話題人物,仍然無法掩蓋Jonny Greenwood驚人的才華,除了跟PTA合作的《黑金企業 》(當年被提名為奧斯卡最佳配樂獎),他也為《挪威的森林》、《凱文怎麼了》做過配樂、參與過《哈利波特:火盃的考驗》、《暮光之城》、《CSI犯罪現場》、《西方極樂園》⋯⋯等作品。 今年Jonny Greenwood與倫敦現代樂團(London Contemporary Orchestra)更重新演出《黑金企業 》的經典配樂。導演PTA也宣佈他的新片也將和Jonny Greenwood再次合作。 There Will Be Blood 的序曲展開   如果要談PTA和Greenwood的關係,可以先從《黑金企業》開始談起。電影改編自小說,講述19世紀末的美國石油工業興盛的黑暗面,Greenwood選用翁德馬特農電音琴(Ondes Martenot)來創作。 Greenwood擅長操作多樣樂器,來進行創作與編曲,但這次的樂器其實非常的特別,鮮少用於配樂,但他的確因此做到又古典又混亂的效果,聽起來就跟電影裡讓人窒息的氣氛一樣,把人壓得喘不過氣。...

2017.07.26 攝影剪輯音效

攝影大師怎麼說——Rodrigo Prieto、Linus Sandgren、Emmanuel Lubezki

《SILENCE沉默》奧斯卡攝影獎提名RodrigoPrieto 大師代表作:《斷背山》、《色,戒》、《亞果出任務》、《沈默》 Rodrigo Prieto接受訪談時表示該片採取底片拍攝的原因,「我們用底片拍電影,當然是因為底片是最棒的選擇—可以捕捉到皮膚、臉部細節、背景的色彩—然後數位只是用來處理光線微弱的場景。」 如何跟這麼多不同導演合作? Rodrigo Prieto:「身為電影攝影師,我學到做這一行要懂得變通,要了解每個導演各自不同的拍片方式。藉由去適應任何風格,我也漸漸成為一個成熟的電影人。」  《LA LA LAND 樂來越愛你》奧斯卡攝影獎 Linus Sandgren 大師代表作:《心靈勇氣》、《瞞天大佈局》、《翻轉幸福》、《樂來樂愛你》、(還沒上映的Battle of Sexes,女主角又是艾瑪史東) 拍攝這樣大場面,及眾多舞蹈鏡頭的《樂來樂愛你》,Linus Sandgren 表示:「一開始當然是覺得不可能,但你會學習,然後你會增進自己,因為你會慢慢習慣那些一開始以為不可能的任務,最後都做到了。」 原本預計使用Steadicam拍攝開場跳舞片段? Linus Sandgren:「我們沒有辦法一邊使用Steadicam拍攝,一邊穿過分隔島,所以必須不停地在腦袋裡面,想像如何用搖臂拍攝這個鏡頭。我特別喜歡挑戰這種難題。把這些問題都解決就是攝影師最大的樂趣。」 《神鬼獵人》奧斯卡金獎攝影師 Emmanuel Lubezki...

好萊塢編導兄弟檔——強納森諾蘭筆下的Westworld 

美國艾美奬在7月中頒布了入圍名單,戲劇類節目由《Westworld:西方極樂園》拿下22項提名,成為今年大贏家,入圍的獎項有:最佳劇集、男女主角、男女配角、導演、特效、美術、攝影、剪輯……等獎項,獲得極大肯定。Westworld第一季一共10集,由Jonahtan執導開場與結尾,已經完美落幕。目前第2季的預告已經釋出,還沒觀賞第一季的朋友,建議先不要點開雷到自己。但以下文章無雷請放心。 想要讓觀眾買單這個虛擬樂園的存在,那就去實景拍攝。 「我們想要跟HBO合作的部分理由是,當他們在做Game of Thrones的時候,會說『噢,你可以在溫哥華用CG搭出摩洛哥的場景;或者,你也可以直接飛去摩洛哥拍啊』。」Jonathan Nolan  Westworld是由HBO監製的科幻驚悚影集,描述未來世界,人們開發高科技成人主題遊樂園,與機器接待員一起體驗西部世界的故事。編劇是導演Christopher Nolan的弟弟,Jonathan Nolan、Lisa Joy夫妻檔,這是他們改編自小說《鑽石宮》與電影《未來世界》的每集千萬美金的鉅作。 一直跟著哥哥拍片的Jonathan,也跟Christopher一起合作過多部劇本,包括《蝙蝠俠:黑暗騎士》、《記憶拼圖》、《星際效應》等。他說從Christopher身上學到了,一定要去實景實地拍攝這件事。雖然處在好萊塢高規格片場產業的時代,所有場景都能以綠幕解決,但是帶著幾十個、幾百個演員一起在真實的土地上面,感受相同氛圍的場景拍攝,還是非常的不一樣。這一點兩兄弟有著一樣的堅持。而這跟監製的公司也有很大的關係,已經做過史詩鉅作《冰與火之歌:權力遊戲》的HBO,同樣支持劇組想在實景搭景拍攝的想法,所以HBO支持Westworld特地飛去美國猶他州(Utah)取景拍攝。 只要可以騙到1/3的觀眾,Jonathan Nolan的1/3觀眾理論。 「我們總是感覺到觀眾其實很聰明。非常聰明。觀眾已經極度厭倦,一直有人想像觀眾其實很笨,一直不斷地把大便丟給他們觀看。」 Jonathan跟Christopher一起創作的時候,覺得他們就像左手跟右手的關係。 Christopher會把Jonathan的想法組織得更有懸機、更引人入勝,兩兄弟的故事一直都是以「非線性敘事」聞名。比方說電影《Memento記憶拼圖》,是Christopher改編自Jonathan創作的短篇小說《死亡象徵》,Christopher表示之前採用打破敘事重新剪輯的方式,要重寫的次數太多,這一次他決定採用倒敘法,讓觀眾一步一步揭開故事的原貌。在《記憶拼圖》裡,能證明曾經發生過的事件的證據,像是拍立得照片,就成為主角憶起過往的重要線索。 而Jonathan做了幾部電影之後,他了解到:如何判定一部電影的「超展開結局」是成功的?那就是只要騙到1/3的觀眾就好了。 想要讓觀眾被超展開結局驚嚇到,就必須要了解到自己的結局可以讓多少人接受。Jonathan把觀眾劃分為3個族群。如果這個結局,其實有1/3的觀眾已經猜到大概要往這邊走;還有1/3的觀眾,在看到結局的當下感到「噢,天啊。」;最後還有1/3的觀眾,會跟同伴在看完電影回家的路上,一直討論回味不已,這就是一個成功的結局。 那怎麼培養這個品味呢?看Reddit啊。完全不使用社交軟體的Jonathan,卻表示自己曾經沈迷於Reddit大概10年之有。  未來感、科技感的鉅作,Jonathan是如何做到編劇與執導? 在一次度假的時候,Jonathan跟Lisa突然動念前往德國一個汽車工廠參觀,因為他們想感受一下科技世界應該是長怎麼樣的氛圍。結果在一個自動工廠,他們發現製造過程其實非常的美:他們會把車子整個浸到充滿漆彩的大槽裡,旋轉車體,讓車體的每個部分充分被潤浸到完美的顏色。這也就是後來他們與特效師Nathan、Michael Lantieri一起完成的鉅作畫面之一。 在結局的時候,Jonathan安排影劇中一個重要的故事角色,坐在火車車廂內望向窗外,這時候他與攝影指導決定使用Steadicam拍攝這個橋段,讓觀眾像是在場的第三者,與角色同一水平視線,觀察角色。而當角色終於作出決定走出火車,踏出第一步的時候——Jonathan強調,這是整部戲裡面,這個角色第一次為自己做出決定,於是他們把Steadicam替換成手持攝影。 在拍攝電視劇很不一樣的是,有可能必須劇本、拍攝、剪接都同時進行,在時間與金錢的限制之下,還是要執行出最佳的影像是很不容易的事,Jonathan也非常感謝一起執導的導演夥伴們共同完成作品。而這一幕也代表了整部影集的結束,也是另一個開始,換成手持攝影的原因代表,觀眾與角色同在,觀眾的視角跟隨角色的內心一起行動。 像Westworld這樣複雜懸疑的故事劇情,該事先把所有故事告訴演員嗎?...