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共 57 篇文章

2018.04.27 前製編劇導演

直擊亂世真面目——MV導演Romain Gavras揭示荒謬的現實景象

患有白化症的男子與其夥伴,在近似荒廢的無人之境,漫無目的地遊蕩閒晃。而後,數百名染金髮的亞裔男孩群起聚集,在仿造的艾菲爾鐵塔底下,層層包圍白化症男子,隨電子節拍奇異地旋轉、擺動肢體,呈現沉靜又衝突、抑鬱且荒謬的奇異美感。 這是法國導演Romain Gavras,為Jamie xx的暢銷單曲〈Gosh〉所執導的MV,風格前衛而大膽。Romain Gavras長年從事MV創作,曾和M.I.A、Jay-Z、The Last Shadow Puppets等歌手、樂團合作,致力於將音樂影像化,並加入政治批判色彩。他曾在接受專訪時說:要以獨創的視覺風格,「征服」這個影像氾濫的世界。 捕捉真實視野——手持攝影的紀實特色 「我們只需要一台攝像機,和一群活力十足的朋友。」——導演Romain Gavras 現今36歲的Romain Gavras,已接觸影像創作20餘年。其父親為曾獲坎城、柏林影展肯定的電影導演Konstantinos Gavras(又稱Costa-Gavras),因此他從小耳濡目染,自14歲起便與好友製作短片,而後創立「Kourtrajmé」組織,致力於推廣法國的嘻哈文化、塗鴉藝術,融合音樂、時尚與社會批判意識,以小編制劇組拍攝紀錄影像。 Romain Gavras青年時期的作品,充滿實驗氣息,經常以手持攝影捕捉畫面,自由隨意地推進、拉遠與被射物的距離,並大量剪輯繁瑣素材,搭配極富節奏感的嘻哈、電子音樂,達成風格強勁、甚至具挑釁意味的視聽作品。 手持質感仿冒紀錄片:電子樂團Justice〈Stress〉MV 當Romain Gavras轉而為較大牌的音樂人拍攝MV時,影像仍保有實驗性質。他在十年前為法國電子樂團Justice拍攝的〈Stress〉,即是仿紀錄片形式,描繪一群巴黎青年搶劫遊客、騷擾女性、放火燒車,呈現歐洲政治、經濟緊繃的時局下,人們無處宣洩的壓力,僅得以暴力回應。 MV推出後即受大眾強烈批評,認為當中的影像鼓吹暴力,但Romain Gavras認為自己僅是呈現真實,並無刻意煽動,他說:「我沒有試圖做有爭議的事,否則妓女、納粹分子也會出現。」MV雖反面聲浪不斷,但仍創下極高點擊率,《PopMatters》雜誌甚至將其駭人驚悚的程度,與Michael Jackson的劃時代MV〈Thriller〉比擬。 揭示亂世浮生——以鏡頭直擊哀鴻遍野的暴力 歌手M.I.A的〈Born Free〉MV:...

2018.04.21 前製編劇導演

偏執驚狂的影像宇宙,《黑天鵝》導演、攝影完美攜手合作

近期金馬奇幻影展重映的《噩夢輓歌》,描繪癮君子浮沉於藥物的夢魘人生;獲奧斯卡肯定的《黑天鵝》,劇情為由Natalie Portman演繹的女舞者,迫於壓力走向精神崩潰的過程;去年的爭議之作《母親!》則以女性視角,展開一段跨度性別、政治、宗教指涉的驚悚辯證。 上述作品,皆出自導演Darren Aronofsky與攝影指導Matthew Libatique之手。兩人結識二十餘年,長年合作共六部長片,致力於融合綺想與現實,打造獨有的影像風格,呈現角色繁複細膩的內心,創作出全新的敘事可能。 極端視覺風格化——首尾貫徹的影像語言 「你越快讓觀眾認同那種語言,他們就越快了解你在表達什麼。」——攝影指導Matthew Libatique 攝影指導Matthew Libatique在美國電影學院中,認識同為學生的Darren Aronofsky,觀看後者的短片《掃描超市》受極大震撼,他說:「它(電影)流露著一種原始的活力與情感,讓我自然而然就跟它產生共鳴。」兩人因此結下緣分,立志要一同在影壇闖蕩。 Matthew Libatique說他們的合作共識,即是為每部電影,發展出獨一無二、首尾貫徹的影像語言,「這樣不論你在攝影機前呈現什麼,不管是現實或幻想,觀眾都能吸收。」 《噩夢輓歌》中「嘻哈蒙太奇」的技法運用: 《噩夢輓歌》使用繁複鏡頭建構夢魘 《噩夢輓歌》為兩人早期代表作之一,故事描繪毒癮者,自幸福至悲痛的心境轉折。他們以拍攝方式、鏡頭語言、剪接手法,貫穿主題——「毒癮後的噩夢」,造就大膽而細膩的影像風格。 攝影以35mm底片拍攝,使用Panavision Panaflex Gold II等多種機型。片中,Matthew Libatique多處使用俯角拍攝演員,並以廣角鏡頭,呈現角色眼裡的扭曲世界,顯示人物的卑微渺小,以及變質的內心狀態。 片中也嘗試大量拍攝「物質」鏡頭,例如:塗麻藥、注射毒品、瞳孔放大的特寫畫面,並快速變換剪輯影像。Darren Aronofsky將此手法稱為「嘻哈蒙太奇」,呈現毒癮者興奮、接近偏執的感受。片中共拍攝2000顆鏡頭,遠比一般長片的600至700顆高出許多。 另一個大膽嘗試,為將畫面一分為二,從不同人物角度,描繪相同場景事件,其一即是男女主角的親熱場景。Darren Aronofsky說明,角色依靠毒品製造歡愉,逃避現實痛苦,「我想表達這樣的感情,因此想到這種方法,他們既是親密,卻又註定會疏離。」...

2018.04.05 前製編劇導演

緊貼音符的空間轉換,《雲端情人》導演再創魔幻舞蹈廣告

白領女孩結束一天的工作後,卸下疲憊返家,隨著「HomePod」播放的音樂放鬆。旋律與節奏,彷彿流進她的身體裡開始舞動,整個房間的呈設、燈光與色彩也一同活躍起舞。 這是《雲端情人》導演Spike Jonze攜手舞者FKA Twigs,所創作的蘋果產品廣告《Welcome Home》,推出後即獲得極高點擊率。繼前年KENZO香水廣告後,Spike Jonze再次展現對音樂、舞蹈的敏銳運用,驗證其影像敘事的魅力;而令人驚奇的是,廣告中看似超脫現實的場景變化,竟非使用CGI後製,而是幕後團隊實景搭建而成。 《Welcome Home》廣告:   百分百貼緊音符旋律——自由精巧的舞蹈設計 「Spike對於我們為廣告排練的動作,有很好的洞見。」——舞蹈指導 Ryan Heffington 眾所皆知,導演Spike Jonze不僅擅執導電影,對音樂圈也頗有涉略,曾多次執導Arcade Fire、Jay-Z、Björk等大咖音樂人的MV。廣告中,團隊使用新銳音樂人Anderson .Paak的創作〈Til It’s Over〉,以現代節奏藍調為基底,融入大量電子成音,曲式節奏起伏大,給予團隊極大視覺發揮。 「我們延長了某些樂句。」舞蹈指導Ryan Heffington說,「讓舞蹈的編排建構角色,使整個故事的劇情變得有意義。」因而在曲目中增加更多獨奏的琴音與斷音,讓舞者FKA Twigs有更多發揮空間。 宛如「新生兒」般的獨特舞步 Ryan Heffington曾為歌手Sia的MV〈Chandelier〉編舞,而他在這支廣告中再次透過FKA...

怪物創造機!進入金獎導演Guillermo del Toro的恐怖之家「Bleak House」

「我從來沒有做過一部『正常』的電影。」 ——導演 Guillermo del Toro 今年以《水底情深》拿下奧斯卡最佳導演的Guillermo del Toro(吉勒摩戴托羅),其作品以暗黑童話的獨特風格聞名,同時也是出了名對「怪物」情有獨鍾的導演,甚至擁有自己的怪物博物館「Bleak House」,作為靈感構思殿堂。 Guillermo del Toro善於塑造奇異詭譎的怪物角色,如《羊男的迷宮》中的「牧神潘恩」與「蒼白瞳魔」、《腥紅山莊》中的魅惑鬼怪,以及《水底情深》中美麗的兩棲生物等,皆是導演親自在「Bleak House」工作室構思、創作而成。 文章將分享Guillermo del Toro鍾愛怪物的原因、靈感工作室「Bleak House」的建立與收藏,以及導演如何設計怪物角色,帶領觀眾更加瞭解怪物的獨特魅力,進入鬼才導演Guillermo del Toro的恐怖異想世界。 出生於墨西哥天主教家庭的「怪物崇拜者」 「我喜歡怪物,就像人們崇拜上帝一樣。」 「當我還在嬰兒床上時,就被怪物吸引了。」導演Guillermo del Toro談起他在墨西哥的童年,他生長在一個虔誠的天主教家庭中,但他從小就認同怪物的存在,並相信有鬼魂圍繞在自己身邊。對此,祖母十分不諒解,還曾經二度帶他去驅魔。 「我喜歡讚美怪物,告訴人們恐怖故事是多麽偉大而美麗的存在。」Guillermo表示,其實他真正感興趣的,是如何將恐怖元素和童話故事結合,他認為暗黑童話呈現的獨有氛圍,反而更為神奇美麗,而這一點也深刻地反映在他的電影之中。 「這是一種心靈上的呼喚,我喜歡人們崇拜上帝的方式。但對我而言,怪物也以非常根本的方式,與我緊緊相連在一起。」Guillermo同情那些不受歡迎、受人畏懼的人,認為怪物總是被人誤解,這個想法正是他重寫怪物歷史的原因,也是打開創作之路的重要媒介。...

2018.03.15 前製編劇導演

魏斯安德森跨界拍廣告,招牌構圖緊抓客群的心

近年來深受影迷喜愛的導演Wes Anderson,其作品《歡迎來到布達佩斯大飯店》影像風格奇幻風趣,情節諷諭歷史與政治,兼富形式與內容之深度。今年初,他所執導的動畫《犬之島》也大獲好評,最終摘下柏林影展「最佳導演銀熊獎」。 然而,在影壇地位逐漸穩固同時,這十餘年間Wes Anderson也多次跨業拍攝廣告,合作對象包含:H&M、PRADA、美國通運、日本電信巨頭SoftBank….等。他仍運用其標誌性的對稱構圖、豐富飽滿的色彩,令傳統商業廣告更吸睛,持續擴展「魏氏」的影像宇宙。 對準你的雙眼——對稱置中的構圖 「我對這種(構圖的)秩序,有極度特殊的需求。」——導演 Wes Anderson 普遍電影學院未必鼓勵極端的「對稱構圖」,認為不應讓影像過於不自然、戲劇感。但追求精準、完美的對稱或置中特色,在Wes Anderson的創作史中日趨重要,至《歡迎來到布達佩斯大飯店》早已運用得爐火純青。 Wes Anderson大方承認,他可能不自覺受到Stanley Kubrick影響(同樣以對稱構圖聞名)。但同時「對稱構圖」也因應拍攝時的需要,他解釋:「我會運用這種技法,是在希望這場戲不要剪接太多,又必須準確捕捉某個重要事物時。」這時Wes Anderson便會將被攝物置於中心,以對稱方式呈現背景,便是既能凸顯主體且顧及場景的方式。 2010年與長期合作編劇的Roman Coppola,共同執導時代啤酒廣告時,情節描述女孩受邀至富家子弟家中約會。場景客廳中的電視、壁畫、沙發都呈完美對稱,並且鏡頭近乎始終置中對準主角拍攝,或者更重要的產品——啤酒上,更能有效彰顯廣告的重點。 時代啤酒廣告《Le Apartomatic》: 》 增加影像的活潑度:Tracking Shot 「Wes總是在努力簡化,並找到實現某些想法的新方式。」——《都是愛情惹的禍》攝影指導Robert Yeoman 除工整的對稱構圖外,Wes Anderson活潑的Tracking...

2018.03.02 攝影剪輯音效

《泥沼》攝影師Rachel Morrison捕捉自然光,真實呈現種族史詩電影

Netflix 出品的改編電影《泥沼》(Mudbound),直指二戰前後期間,美國南方小鎮的生存困境,以農民、地主、軍人等小人物角度,橫跨不同種族、性別與階級,交織撼人的生命史詩。作品自去年日舞影展首映後好評不斷,更在本屆奧斯卡金像獎中獲四項提名。 其中,該片的攝影指導Rachel Morrison則改寫歷史紀錄,成為首位入圍「最佳攝影獎」的女性,近期也嘗試拍攝商業大片《黑豹》(Black Panther),也獲得普遍好評,專業能力備受矚目。她在《泥沼》開拍前,做足前製研究,在緊迫資金、時限內,完成兼具時代感以及視覺性的影像作品。 讓文字歷歷在目——將小說化為影像語言 「我真的想要找到一種影像方式,來表現這段歷史。」——攝影指導Rachel Morrison 《泥沼》改編自作家Hillary Jordan的同名小說,Rachel Morrison表示,故事顯示當時社會對女性、有色種族的偏見,在今日依然符合現實,她說:「讓人厭惡的是,改變的事居然那麼少。」借古諷今的企圖,也是她在閱讀完劇本後,立刻想為該片效力的原因之一。 為精準捕捉戰間期、二戰時的美國南方風貌,Rachel Morrison與導演Dee Rees大量研究過往攝影、圖像的作品,包含導演Les Blank拍攝的紀錄片、非裔藝術家Whitfield Lovell的人像繪畫,都是他們定調拍攝、色調風格的依據。 Rachel Morrison更強調,她受到經濟大蕭條時期,如Gordon Parks等多位紀實攝影師的影響。其作品寫實描繪當時平民貧窮、苦難的日常生活,與劇中角色經歷不謀而合。她逐漸理解,要建立起時代的影像語言,最重要是回歸自然寫實,她說「生活才會在你眼前展開」。 而後拍攝時,她試圖將電影的飽和度提高,效仿大蕭條時期的紀實攝影,能更寫實地呈現片中黑人的膚色,「現在有種色彩低飽和的趨勢被過度使用,而我不希望黑人的膚色看起來是偏棕色,我希望他們能用原本的樣子,顏色豐富地呈現。」 現實與理想間拉鋸——數位攝影時代的調適 「我們希望能讓觀眾感受到的世界是原始、真實的,而不是過度表現戲劇感。」——攝影指導Rachel Morrison 如何準確呈現該時代的影像,也反應在Rachel Morrison選擇拍攝器材上。原定《泥沼》設定以16mm或35mm膠捲攝影,但經過測試後,她判定膠捲攝影機在多為外景地拍攝的情況不穩定,成本過高,讓熱愛膠捲的她,忍痛改採用ARRI...

奧斯卡提名配樂師——Carter Burwell打造電影夢幻聽覺

 Carter Burwell(卡特伯威爾)儼然是近來英美電影圈的熱門配樂師,自主流電影《暮光之城》(Twilight)系列、文藝電影《因為愛你》(Carol)、以及多年來影迷奉為經典的《變腦》(Being John Malkovich)、《蘭花賊》(Adaptation.)皆可發現他的身影。 早年,他更長期和Coen Brothers(柯恩兄弟)合作多部著名作品,包含後者的首部電影《血迷宮》(Blood Simple)、《冰血暴》(Fargo)、《險路勿近》(No Country for Old Man)……等。今年,繼《因為愛你》後,他也再次以金球獎最佳影片《意外》(Three Billboards Outside Ebbing, Missouri),強勢入圍奧斯卡最佳原創配樂獎。 擅長說故事的非典型配樂師 「坦白說,替《血迷宮》配樂是個意外,當其他人也開始邀我做配樂,只能說讓我走上這條路完全是他們的錯。」——配樂師Carter Burwell Carter Burwell並非音樂科班出身,過去曾在哈佛大學學習動畫、電腦技術,對音樂僅是興趣。年輕時他組團在地下酒吧演出,因此結識當時尚未闖出名號的Coen Brothers,開啟Burwell的配樂生涯。儘管未受正式音樂教育訓練,但Joel Coen(喬柯恩)認為Burwell的創作手感很好:「他擅長講述各種故事,並理解電影和它在音樂上的需求。」 雙方合作的黑色犯罪喜劇《冰血暴》中,雖劇情荒謬,頻頻令人發笑,但Burwell的配樂卻相對肅穆。他的創作筆記中寫及反思:「如果音樂使用太過幽默,會消除劇情的懸疑性。如果太戲劇化,是不是又會扼殺它的趣味感呢?」 因此,Burwell運用豎琴、鋼琴和挪威小提琴等樂器,加入乍聽空靈、壯闊的北歐民謠元素,營造孤獨、脆弱的樂音,同理對待這些荒誕情節中的悲哀人物,為電影中的嘲諷色彩,鋪上些許人性的光輝,做出與一般配樂師不同的選擇。 Coen...

2017.11.29 攝影剪輯音效

底片控攝影師Bruno Delbonnel運用柔光,打造《醉鄉民謠》迷離氛圍

法國攝影指導Bruno Delbonnel以強烈視覺風格聞名,繼《艾蜜莉的異想世界》的奇幻色彩之後,他也分別以《未婚妻的漫長等待》《哈利波特:混血王子的背叛》《醉鄉民謠》榮獲奧斯卡最佳攝影提名,他拍攝的電影色調皆輕柔夢幻,形成獨樹一幟的魔幻風格。 文章將以由柯恩兄弟執導的電影《醉鄉民謠》為例,針對Bruno Delbonnel獨特的攝影習慣與方式、視覺發想,以及光線的運用進行分享。 攝影大師Bruno Delbonnel的堅持 「我不想抄襲自己,我想嘗試別的。」 ——Bruno Delbonnel《艾蜜莉的異想世界》攝影指導 因《艾蜜莉的異想世界》打開知名度的Delbonnel,時常遇到人們要求他重新創作艾蜜莉,但他表示他更想嘗試新的東西。多元創作的他幾乎每年都有新作品,拍攝靈感源自於音樂,他想像光線就像交響樂一樣,在畫面上有著不同律動。他也常看電影,並從定格的電影畫面中,研究攝影師的拍攝及打燈方式。 又是一個底片控攝影師 追求簡單的他,在拍攝時幾乎都使用相同的柯達底片、Arricam相機和廣角鏡頭Cooke S4,並在後期利用DI進行調色,《艾蜜莉的異想世界》中的驚人色彩即是如此產生的。 除了Tim Burton(提姆波頓)執導的《大眼睛》基於成本考量而使用數位攝影機拍攝外,Delbonnel的每部作品幾乎都是用底片拍攝的,他認為底片使整體畫面更能保持連續性,電影風格較為一致,視覺情緒得以延伸,在全片陰冷色調的《醉鄉民謠》中更為顯著。 塑造《醉鄉民謠》陰沉的紐約冬季 「我們想要一個充滿泥濘的紐約。」——柯恩兄弟《醉鄉民謠》導演 《醉鄉民謠》的故事背景設定於60年代的紐約,以美國民謠歌手Dave Van Ronk(戴夫范朗克)為藍本進行創作,描述民謠歌手在逐夢路途上,屢屢與機會擦身而過的悲慘故事,主角Llewyn Davis(勒維恩戴維斯)雖是虛構的角色,但卻是那個時代的真實縮影。 視覺發想,與柯恩兄弟的合作 柯恩兄弟一般都是和固定劇組一起拍片的,但由於攝影師Roger Deakins(羅傑狄金斯)當時正忙著拍攝《007:空降危機》,因此才找來了Bruno Delbonnel。...

2017.11.09 平面攝影設計

獨立製片攝影大師——Robby Müller極簡、極美攝影分享

  「我們倆當時都沒有意識到,因為劇本裡短短兩行字,成為了我們拍攝『公路電影』的起點。」——導演Wim Wenders。 有人說,如果你想找車拍的參考資料,看Robby Müller的電影就對了,因為他幾乎把所有能拍的好看角度都拍過了。也許是誇飾,但當你看到Robby Müller掌鏡的電影畫面時,應該就會立刻被他的影像魅力給吸引住,而忘記要懷疑這句話。 Robby Müller是公路電影大師Wim Wenders(文溫德斯)長期合作夥伴,跟他一起合作的導演還有Jim Jarmusch(吉姆賈木許)、Lars von Trier(拉斯馮提爾)、 Steve McQueen(史蒂夫麥昆),大多是獨立製片的藝術導演。 當年Wim Wenders邀請他加入畢業短片製作,他們將只有2行字的劇本,拍成10分鐘的短片,這樣一拍,就愛上了公路,開啟了公路電影旅程,總共一起合作了40部左右的電影。 Jim JarmuschXRobby Müller《不法之徒》不羈寫實之作: 《不法之徒》(Dawn by Law)經典開場:  「嘿茱莉,妳在這裡幹嘛?」 「我在觀察光的變化。」 早期導演Jim...

日本動畫奇才今敏——華麗幻想背後的大師創作

2010年日本動畫名導今敏因病逝世,留下了一封每看必哭的遺書,其中一段表明,非常遺憾還來不及把作品《夢想機械》完成,讓該部作品的「原作、腳本、角色與世界觀的設定、分鏡、印象音樂……等等所有的想法留在今敏一個人的心中。」 今敏首部作品《藍色恐懼》(Perfect Blue),至今仍是經典的動畫作品之一,今敏的創作主題常常關於「潛意識或意識的流動」,例如幻想、夢境、時間、網路⋯⋯等,搭配精湛的影像傳達,作品往往讓人戰慄。 國外的Youtuber頻道Every Frame a Painting分析今敏的剪接,也引用今敏受訪時表示,他並未想過創作一部實拍片,因為對於動畫來說,實拍片的「剪接」太慢了,比如今敏能用6格影格,就做出實拍片10格的效果。如果你讀過今敏的著作:Kon’s Tone(簡字版:《我的造夢之路》),應該更能領悟,今敏的成就來自:製作時的許多困難以及工作人員的貢獻,才能打造今敏幻想王國。 《盜夢偵探》開場片段:   不能因為不忍心就停止要求修改或重作: 所有深諳動畫製作的人員都知道,今敏的作品就是「不可能的任務」,世界上只有今敏,才有這樣的才能與預算,做出這樣厲害程度的作品。1996年《藍色恐懼》開啟製作時,預算只有9千萬日幣(約台幣2400萬),雖然因為各種意外,讓最後作品超支,但在這樣的預算之下,今敏「監督」的功力更是發揮到最極致。 第一次原畫師們交出的稿件,總計不超過一千個鏡頭,但今敏還是下了決定,讓其中八百個鏡頭重畫。對他來說,不行的東西就是不行,尤其拜託了優秀的團隊跟他一起工作,作品也會是大家的心血,不能辜負大家努力的方式,就是必須嚴格把關,所以可能當時團隊都很害怕聽到今敏導演說:「嗯……再改一改。」 但也會遇到一直打回去重畫,都還是無法符合今敏的期待。今敏也了解再這樣下去就是「欺負人」的程度,就會把那些一直無法過關的設計,攬到自己身上,或拜託較優秀的原畫師一起修改,所以這也是為什麼今敏的作品只有他做得到。 2D動畫製作程序: 劇本 > 角色設計 > 背景設計  > 分鏡  >  構圖  > ...