德國攝影師Martin Schoeller不僅是《紐約客》（The New Yorker）專任攝影師，也替《國家地理》（National Geographic）、《時代》（Time）等知名雜誌拍照，其最知名的特寫肖像系列，上到影視、政商名人和球星，下到普通市民甚至街友，在他的鏡頭下，每個人都是呈現真實平等的存在。

本文將分享Martin Schoeller的攝影經歷與啟發，以及讓他聲名遠播的特寫系列的拍攝方法與攝影建議，一起來看看這位肖像大師，是如何看待「攝影」這件事。

白天作社工夜晚當酒保，因緣際會闖入攝影圈

「我以前認為，攝影師就只是一群喜歡討論相機的技術宅。」

——攝影師 Martin Schoeller

Martin Schoeller與攝影沾上邊，完全就是陰錯陽差。高中畢業後，他白天的工作是照顧一位硬化症殘障人士，晚上則當酒保以及服務生，直到朋友邀他一起申請攝影專業學校，他也只是抱著嘗試的心態答應：「有何不可呢？也許這會很酷！」

但Schoeller原本並不怎麼喜歡攝影，甚至覺得攝影師就像偷窺狂一樣，然而得知自己準備的攝影作品集，居然通過只有5％錄取率的學校時，他心想：天阿！也許這是一件，只要我努力做就能有所成就的事。自此，攝影才真正闖進Martin Schoeller的生命中。

從攝影助理做起，累積實務經驗

Annie Leibovitz是知名流星音樂誌《滾石》（Rolling Stone）雜誌御用攝影師
音樂人John Lennon（約翰藍儂）遇害前幾個小時，與妻子小野洋子的這張合照，便是出自她手

接觸攝影後，Martin Schoeller擔任過許多攝影師的助理，但攝助錢少事雜，他認為必須想辦法跟在自己欣賞的大師身邊，才能真正學到寶貴經驗。為此，他存錢前往紐約毛遂自薦，希望能為最喜歡的攝影師Annie Leibovitz、Steven Meisel，或者Irving Penn工作。

Schoeller表示初次到紐約並不順遂，花光積蓄依然沒有任何回應，只好回德國打工存錢重新來過：「後來我無酬替一個靜物攝影師工作，剛好他又認識在Annie工作室的人，事情才有了著落。」他認為就算是約聘，業主也多半不會雇用沒實際工作經驗的新鮮人，因此自己後來跟在Annie Leibovitz身邊整整三年，才開始獨立接案。

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一張十分鐘的人像特寫，打開攝影知名度

「我喜歡眼睛與嘴唇看起來很銳利的感覺，

因為這兩者是能呈現所有表情的重點部位。」

儘管身為大師身旁的前學徒，，Schoeller的職涯之路依舊浮沈不定，他表示：「曾和Annie Leibovitz工作過，或許讓我獲得比較多面談機會，但他們依舊不希望自己的總編看到很平庸的照片。」即使成立工作室卻經營不善，Schoeller曾經一整年只接了寥寥可數的五個案子。

但就在其中一場，幫《Time Out New York》雜誌拍攝女演員Vanessa Redgrave的案子，Schoeller在短短十分鐘，拍出了扭轉其攝影生涯的特寫肖像：「他們選了這張帶點自然微笑的照片，放滿版印刷。」Schoeller說：「ㄧ夕之間就像雪崩一樣，每個人都看到了。我那年也許只拍了五個案子，隔年卻接了一百三十件案子。」

啟發自類型學攝影，建立獨特肖像風格

Becher夫婦拍攝一系列末代工業景物，開創「類型學攝影」先河

其實Schoeller看似平淡無奇的特寫拍法，是啟發自大師級攝影夫妻檔，Berd and Hilla Becher的類型學（Typology）攝影風格，而且早在Redgrave的案子之前，他便實驗過這樣的拍法：「我一開始的作品都是拍朋友，他們不能化妝，不能有表情，我想像他們就像水塔一樣。」

80、90年代沒什麼人這樣拍肖像，他解釋當時的攝影主流多半是維持一定距離，且有亮麗的背景或風格的拍法：「那同時也是Photoshop開始蓬勃發展的年代。」也因此，後來Schoeller極近距離、樸素卻呈現細緻肌膚紋理與眼神的特寫，反而顯得獨特且真實。

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千篇一律的打光與拍攝模式，以及看不出身份地位的構圖

Martin Schoeller為Porsche賽車手拍攝的肖像

「我總是覺得肖像特寫是最不可或缺、最確實的照片。

它只關乎人，無關穿著、環境與他們的背景，完全不會透露其社經地位。」

一模一樣的打光與如出一徹的證件照式構圖，在Martin Schoeller稱這樣的特寫肖像為「大頭」（Big Heads），沒有炫麗服裝與背景，只有一張雪亮雙眼直視前方的臉。

為了讓被攝者心情放鬆，Schoeller會在拍攝特寫時放音樂或閒聊，試著逗笑主角，然後再捕捉他們笑完恢復普通表情的瞬間：「我想捕捉的畫面，就存在於那些最親近、沒有任何造作表情、自然且意想不到，甚至讓他們忘記自己正在被拍的時刻之中。」

「我並不以商業拍攝為恥，作為一個攝影師該做的，

就是盡其所能地持續拍出最棒的作品，不管是怎樣的拍攝工作。」

Schoeller拍攝特寫的燈光設置，採用電影製作等級的專業打光系統Kino Flo，將兩組燈座架設於被攝者面前，點亮雙眼神采；攝影器材偏好使用底片相機Mamiya RZ67 Pro，並距離被攝者4到5英尺（約120～150公分），搭配長焦鏡頭拍攝，避免距離太近而扭曲畫面，同時又能拍出空間壓縮的親近感；後製的部分，通常只會微調色調與對比，不會修掉任何皺紋、雀斑或皮膚瑕疵。

即使身為「底片控」攝影師，2012年Schoeller也開始嘗試數位攝影，並表示Phase One XF相機能拍出高畫質與高動態範圍的影像，呈現細緻明暗的效果非常優異：「那是我第一次覺得，其實（數位攝影）拍出來的皮膚色調看起來也滿棒的。」

不自詡藝術家，只專注於作品呈現

「別以為拍過Vanity Fair的封面就夠了，

你的優秀就僅止於那時而已。」

Schoeller表示許多人會因為被稱作「藝術家」而自滿，甚至開始排斥接商業案，從而不思進取：「別總看著雜誌說：『這些雜誌的照片真爛，我拍的比較好。』因為你根本不知道很多照片之所以糟，是因為要應付許多現場情況，發行商與廣告商的各種要求、時間限制、燈光等問題。」

即使被問及在平面攝影這個領域算是登峰造極，會不會想跨足動態影像創作，Schoeller仍謙虛道：「目前不會，因為要成為一個好的（平面）攝影師已經夠難了。每次接到新的案子都充滿挑戰，尤其要想出好的點子時。我試著只專注在（平面）攝影上。」

Schoeller的個人網站 與社群媒體能欣賞更多作品，他也會寫一些拍攝幕後的過程，有興趣的讀者可以自行追蹤關注。

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文字：黃威 ｜來源：petapixel, time, scmp, thephotographicjournal, artdependence, picturecorrect, thetalk, uniquebackdrops, thedollsfactory, smithsonian, youtube ｜圖片：martinshoeller, rollingstone, time, porsche, momaorg