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《黑暗騎士：黎明昇起》飛機真的解體？高空動作場面的拍攝秘辛
儘管現今特效合成技術發達，但許多電影為了追求真實感，仍會以特效輔助，冒險拍攝許多危險的實景片段；其中，驚險的高空動作場面，在執行上更是充滿挑戰。本文將分別介紹《黑暗騎士：黎明昇起》、《鋼鐵人3》與《金牌特務》等相關片段，帶領讀者們一窺好萊塢大片的幕後專業拍攝。 《黑暗騎士：黎明昇起》土法煉鋼拍攝，飛機模型呈現刺激場面 「我很驚訝我的團隊，能用各種老方法來達到這項成就。」——《黑暗騎士：黎明昇起》導演Christopher Nolan 《黑暗騎士：黎明昇起》的開場畫面，一架巨型飛機垂掛小飛機，反派Bane自逐漸解體的小飛機裡逃脫的片段，由導演Christopher Nolan與團隊以實景捕捉，完成所有機艙外高難度的攝影畫面。 「這是一次讓人難以置信的準備工作，非常多不同部門的工作人員，耗費好幾個月，就為了排練這些跳傘和風中漫步。」導演Nolan表示，該場景拍攝於七月初的蘇格蘭山區，透過劇組與四位特技演員的數月排練，他們在原定五天的拍攝日程裡，僅用兩天便完成此項艱難任務。 排練過程中，劇組先以「假人」來模擬跳出大飛機的情形，接著才讓特技演員親自上陣；小飛機則是以無人的「空殼」狀態，懸吊於直升機下方，讓特技演員得以在上面攀爬；最後，劇組才用後製來完成大、小飛機並行的畫面。 為確保拍攝過程的安全與精準，劇組除要先跟政府申請垂掛飛機的許可，Nolan還親自搭乘直升機，跟飛在懸掛的飛機與四位特技演員旁。特技演員Tom Struthers表示：「跟Nolan工作時，我們能夠做的，就是盡可能地在鏡頭裡做到他想要的。」 ► 延伸閱讀：無人空拍機捕捉電影場景，《哈利波特》《007》《權力遊戲》運用盤點 《鋼鐵人3》跳傘隊員親自演出，不斷跳機的艱辛拍攝 「他們真的是飛機上的那些人，不是特技替身（除了鋼鐵人）。」──《鋼鐵人3》視覺特效總監Erik Nash 《鋼鐵人3》高空救援場面，其實是實際拍攝而成。為了完成此特技，劇組先請特技協調員，繪製詳細的分鏡圖，再由14名專業跳傘隊員及攝影師，進行密切的排練，並耗費一個月的時間，完成整體拍攝流程。 「我們必須準確地飛行，同時看起來很失控。」跳傘隊長Jon Devore解釋，為了拍攝足夠的素材，團隊必須每天從離地3600公尺的高度跳下，並在穿著一般商務襯衫，沒有戴護目鏡的狀態下，前後跳傘共580次。 其後，特效團隊除合成飛機、鋼鐵人等素材，亦為跳傘員們添加飄逸的頭髮、衣物等，但因他們不斷旋轉的飛行狀態，導致後製極為複雜，令視覺特效總監Erik Nash驚呼：「這是我遇過最可怕的合成工作。」 ► 延伸閱讀：《鋼鐵人》開啟漫威電影宇宙，幕後特效、道具製作分享
英國攝影指導Steve Annis的拍攝經驗談：拍廣告不如拍MV來得自由
資深攝影指導Steve Annis，是當今影視業界的佼佼者之一，他不僅曾拍攝多部影視作品，如Ed Sheeran（紅髮艾德）MV〈Castle on the Hill〉、Nike廣告《Spark Brilliance》，與科幻電影《AI終結戰》等，更曾多次獲得MTV音樂錄影帶大獎的最佳攝影提名，展現出驚人創作力。 儘管Annis大學肄業，且自認沒有攝影天分，但他憑藉對攝影器材的熱忱，積極與業界導演、攝影指導合作學習，成功摸索出自己的美學風格，而他對不同影片類型的拍攝觀念，也充滿獨到的見解及做法。 從業界底層做起，透過觀察培養自身美學 「對我來說，攝影風格不該被判定為正確或錯誤，只要是好的攝影指導都會有自己的風格。」——攝影指導 Steve Annis 年輕時，Steve Annis曾修習過攝影課程，並備受老師稱讚其取景和構圖技巧，讓他開始嘗試摸索相關器材，並深受16mm和35mm底片相機吸引。其後，為了學習燈光設計，Annis決定進入英國薩里藝術與設計學院（現被併為英國創作藝術大學）的電影科系就讀。 但隨著在學校時間越久，Annis越覺得課程內容與實務工作無法銜接，因此轉而投奔業界，卻也發覺現場根本不會有人教他，一切都只能邊做邊學。於是，Annis耗費8年時間四處參與拍攝，並從中觀察畫面燈光和演員、情緒之間的關係，逐步將自己的心得實踐於工作之中，他坦言：「一切都是非常直覺和潛意識的。」 鍾愛底片攝影和變形鏡頭 「以前，我拒絕拍攝16mm以外的東西。」Steve Annis解釋，由於16mm底片攝影機，不但是最簡單、直覺的拍攝器材，讓他得以節省龐大技術人力開銷，且底片影像粗獷、美麗的質感，令Annis由衷喜愛底片攝影，但他也強調：「不是所有東西都應該用底片拍攝。應該要考慮每一個腳本和工作的可行性和必要性。」
成就明星的幕後推手—— Casting Director（選角指導）
在探討影視幕後製作相關資訊時，攝影指導通常會縮寫為 DP 或 DoP（Director of Photography），那麼你知道 CD 嗎？這裡講的 CD 當然跟音樂無關，而是選角指導（Casting Director）的簡寫。 選角指導是影視產業中，較容易被忽視，卻非常重要的角色。一直以來，業界都希望奧斯卡能增設相關獎項，但目前僅有美國選角協會（Casting Society of America）的奧提歐斯獎（Artios Awards），能賦予這些幕後的影子功臣應有的榮耀。 本文將透過 Arvold
007系列電影的經典槍管片段與配樂，還有那句必說台詞
經典的諜報動作電影007系列，改編自小說家 Ian Fleming 以自己在二戰時期，參與間諜任務的真實經歷所編寫的作品。從1962年起，007系列已超過50年歲月，至今推出了24部電影，僅次於超過60年、30部電影的日本怪獸之王哥吉拉，也是既長壽又多產的電影系列（film franchise）。 綜觀所有007電影，不論風格、演員或劇情差異，有幾個一路傳承下來的電影元素，包含槍管片段、龐德主題配樂，以及一句歷任007探員一定會說的台詞，成為了系列經典指標。本文將分享這三大元素的幕後製作背景，帶領讀者一同感受007電影的真正魅力。 你絕對看過的畫面，由槍管設計而成的經典片段 「那完全是 Maurice 的點子，那就是他的發明。 我在剪輯室的時候他還拿了照片給我看。」 ——《第七號情報員》剪輯師 Peter Hunt 每部007電影都一定會出現這樣的片段——由移動的白色原點變化而成，一個模擬敵人視角的槍管遮罩，接著一位西裝筆挺的男人信步走出、轉身並開槍，最後一片血紅自上染下 。這段畫面被稱作「槍管片段」（gun barrel sequence），最早出現在007系列首部電影《第七號情報員》的開場，由片頭設計師
《在黑暗中說的鬼故事》打造實體怪物，多種配樂交織恐怖氣氛
《在黑暗中說的鬼故事》改編自美國作家Alvin Schwartz的同名恐怖童書，由金獎導演Guillermo del Toro（吉勒摩戴托羅）監製，《驗屍官》導演André Øvredal執導，聯手創作這部充滿都市傳說色彩的怪誕之作。 本片取材自書中的數個獨立篇章，並將故事設定於動盪的1968年美國鄉鎮，透過一群青少年朋友的視角，揭露現實世界的黑暗與秘密，而片中駭人的怪物造型，以及驚悚的配樂設計，也為電影增添獨特的恐怖魅力。 醞釀多年的拍攝計畫，兩位恐怖大師的合作契機 「我喜歡建立期待和懸念，因為這關於鏡頭、演員、聲音和戲劇張力。它們是電影最純粹的部分，而我享受其中。」——《在黑暗中說的鬼故事》導演 André Øvredal 早在十幾年前，監製Guillermo del Toro就已經著迷於原著魅力，並收購9張書中出自插畫家Stephen Gammell之手的原稿圖紙，期待有朝一日能夠改編成電影。直到2016年，del Toro驚豔於導演André Øvredal的作品《驗屍官》後，他隨即提出合作邀約，開始籌備拍攝本片。 「我必須找到一個概念去涵蓋整個主題。」del Toro表示，為了清楚連貫原著裡的多篇鬼故事，他與編劇決定以1968年的美國越戰時期為背景，並參考電影《站在我這邊》、電視劇《末日逼近》等，希望透過當時的青少年冒險故事，表現童年階段的終結：「在1968年到1969年之間，很多事情都被永遠地改變了。」
那些藏在好萊塢電影裡的東方文化，故事結構與動作場面的設計靈感
不論是東方或西方，各地創作者的在構思創意時，多少會參考他國電影的長處，並融入自身文化特色，展現相互交流或致敬的成果。本文將介紹東方電影文化，對好萊塢電影內容與形式的深遠影響，看這些創作者們如何汲取鮮明元素，再造充滿新意的拍攝手法。 參考日本電影《七武士》，好萊塢故事結構的再創造 「《七武士》對我產生了非凡的影響。」──《星際大戰》導演George Lucas BBC（英國廣播公司）2018年百大外語片單裡，日本導演黑澤明，不僅有多達四部作品入選，更以1954年的經典之作《七武士》奪冠。然而，半世紀前的《七武士》，之所以能歷久不衰，其實與好萊塢有深刻關係。 早在1960年，好萊塢就曾向日方買下《七武士》故事版權，翻拍成經典西部片《豪勇七蛟龍》，而2016年又再度翻拍成《絕地七騎士》，讓《七武士》的故事成就，一再被西方觀眾看見。此外，如《星際大戰》、《蟲蟲危機》等好萊塢經典電影，在故事設定及結構上，皆向其借鏡許多。 首先，村民和傭兵的人物設定，自然就有階級對立的衝突；再者，傭兵的戰鬥動機和過程，涉及正義、犧牲、同情等，具普遍性的戲劇主題；最後，最終決戰的必然性，讓暴力威脅不斷推動情節，為戲劇帶來強大張力，提供豐富的娛樂性。 儘管《七武士》的故事梗概相當簡單，但好萊塢仍愛不釋手。對此，《絕地七騎士》導演Antoine Fuqua表示：「無論套用到任何時代的任何角色，只要是一群人要去幫助另一群無法自助的人，所有的故事就都能成立。」 ► 延伸閱讀：柯恩兄弟新作《西部老巴的故事》，與御用攝影、配樂描繪荒誕人性 驚險動人的「英雄式血灑」，香港電影開創全新類型 英雄式血灑（Heroic Bloodshed）出自於雜誌《Eastern Heroes》，意指以香港導演吳宇森的《英雄本色》為代表的電影類型，其內容多呈現槍戰、男性情誼、道德規範等，並混合動作片和通俗劇元素。 在充滿大量槍枝、歹徒和鮮血的世界裡，此類型常探討主角的道德困境，近似於1940年代美國黑色電影的主題；然而，英雄式血灑電影獨有的因果報應觀，也令其結局往往流露出更強烈的神話、悲劇色彩。 啟發自香港電影，好萊塢也出現不少類似作品。例如，林嶺東的《龍虎風雲》之於昆汀塔倫提諾的《霸道橫行》；吳宇森的《喋血雙雄》之於盧貝松的《終極追殺令》等，都成功塑造鮮明、有趣的類型特色。 ►
電影不只是賣故事：《紅衣小女孩》剪接師高鳴晟工作坊分享
「幕後做的事」系列課程——剪輯不靠感覺，由講師⾼鳴晟親⾝示範，以沉浸式實作體驗，讓學員更深入領悟剪輯箇中奧妙，他也以其作品《噬罪者》、微電影《青春⼀加一》舉例，分享當中的剪接邏輯，讓學員學習站在觀眾⾓度剪出影像情緒。 課程中，老師亦藉由分析影像素材，判斷較有趣的切入觀點與呈現重點，從有限的素材中，思考如何營造懸念與引⼈入勝的影像排序方式，並親⾝示範剪輯⼿法，講解每⼀個鏡頭畫面的選擇原因，加強學員的學習印象。 剪接不是自然就好，還要剪出戲劇情感 「你要演觀眾、演角色，讓自己進入情境裡， 才能夠在這個情況下挑到對的東⻄。」 在剪一場戲之前，首先須熟讀劇本，判別這一場戲的主題，以及在戲劇結構中的功能性為何。剪輯師必須先決定好這些主題，以及欲呈現的氛圍，再從每一個in/out點的揀選、動作的組接，以及各種鏡位搭配的蒙太奇效果，達成一開始閱讀劇本時就決定好的主題與功能性。相較於技巧，如何利用剪輯方法來詮釋劇本，才是剪接師的責任所在。 「如果影片有什麼讓你看得不高興的地方，你就罵出來，沒關係。」高鳴晟表示，遇到不如人意的素材時，更要誠實面對第一次的觀影感受：「攝影好差啊、演員怎麼會是這個眼神？講話太慢了吧！你可以將你觀看影片的第一時間的感受都罵出來，但這可不是在嫌棄、批評別人。」 唯有正視影像的不完善之處，才能對症下藥：「不要去害怕這些缺點，而是要誠實地去正視這些缺點，通通罵出來，讓它變成剪輯師的責任，所有罵出來的東西，之後都要用剪輯修掉！我會要求自己必須去修飾這些缺點。」 「所有我罵出來的東西，在最後我都會處理掉，修飾它、改善它，這樣觀眾就不會罵我剪的片子了。」高鳴晟對學員說道，對於自己的作品，無需客套，也不可以鄉愿，要用最嚴厲的眼光看待，才能夠剪出好片子。 不只是要會剪，還要會臨摹人物心境 「詮釋演員的表演，最好的方式，就是剪輯師自己也要演。」高鳴晟在剪輯的時候，會投入到角色的心境之中，並用心去揣摩角色的表演，如此一來，就能夠去揀選最好的片段：「對我來說，就好像在玩一個表演遊戲app一樣，我雖然不能隨心所欲地去表演，但演員的每一個表演素材，都是我的選項，我必須變成那個角色，才能做出最適合的選擇。」 高鳴晟也強調：「我們雖然不能控制手上的影片，但你可以控制觀眾的期待，只要讓觀眾期待的是導演拍回來的那些影片，他們就會滿足了。」剪輯的秘訣，並不是依循劇情的邏輯性，也不是動作的連續性，更不是評價的客觀性。觀眾在看戲的時候，都是隨著時間推進，靠著影片給出一個又一個的資訊（線索）來理解故事，所以剪輯師只要能夠用資訊來引導觀眾，就能夠控制觀眾的期待。 做法並不難，平面的螢幕只能呈現三維空間的一面，你呈現這一面，其他面向的資訊就會被隱蔽，這就是剪輯控制資訊的方法。比如，男生跟女生提分手，我們選擇讓觀眾看到男生表情，卻不見女生表情，觀眾已經心生焦急，但我們還是不剪女生反應，反而只讓觀眾聽到女生啜泣聲，這時所有觀眾都很想知道女生怎麼了，想要關懷女生的心思也被剪輯引導出來，這就是用剪輯引導觀眾思緒的方法。 加強剪輯效率，實⽤用技巧分享 「提升效率，才能在進行剪輯時，維持更好的狀態跟專注力。」 「我不會一開始就把所有的素材都看過，但不代表我不看所有的素材。」高鳴晟認為，剪輯師先把所有素材都看過後再動工，不僅沒有效率，也會影響剪輯師的專注力與判斷力。他表示，絕大部分的觀眾只看一次電影，電影評價也多半是在這「一次性」的觀賞中，被評斷為好看或不好看。 「所以剪輯師應該要去追求『第一次觀看的感受』。」剪輯師是電影的第一位觀眾，觀眾觀賞電影從來就不是深思熟慮的，而是很直覺性的，被影片的種種資訊刺激，引發思考與想像。因此，高鳴晟的剪輯習慣，是先看攝影機離拍攝者最遠的鏡頭，行話叫做「Master Shot」，因為在這個角度中，就宛如你在路邊偷看到路人吵架，很像在偷窺。
電影令人難忘的收尾：《復仇者聯盟4》、《火線追緝令》幕後巧思
每當電影接近尾聲，可能會有某一段劇情、某一句台詞，或者某個畫面，特別讓人印象深刻，這些片段有的可能是精心安排，又或者只是突如其來的靈光乍現，同時還要配合演員的到位詮釋，才能在電影結束之後，依舊耐人尋味。 本文將分享《復仇者聯盟：終局之戰》、《火線追緝令》等電影，是如何利用前後呼應、暗示，以及演員表現，成就令觀眾難以忘懷的結局片段。 《復仇者聯盟：終局之戰》前呼後應的「我是鋼鐵人」 「Tony原本其實沒有要講任何台詞。」 ——《復仇者聯盟：終局之戰》導演 Russo Brothers 演員 Robert Downey Jr.（小勞勃道尼）在《復仇者聯盟：終局之戰》中，再度說出他當年在《鋼鐵人》片尾，即興發揮的這句「我是鋼鐵人」，這是他作為 Tony Stark 英雄旅程的起點，同時也是惹哭許多觀眾的悲壯終點。然而，這個再好不過的首尾呼應，其實本來並不在劇本安排裡。 「我們在剪輯室裡面想著：『東尼是個妙語如珠的角色，存亡之際他ㄧ定得說些什麼。』但我們百思不得其解。」導演 Russo Brothers （羅素兄弟）表示，最後是 《復仇者聯盟》系列的御用剪輯師 Jeff Ford
《你的名字。》背景美術——波蘭插畫家Mateusz Urbanowicz細緻描繪懷舊東京
一部動畫電影的生成，背後涵蓋著各式繁瑣的細節與分工，需要團隊的付出與努力，才能將完整畫面呈現於觀眾眼前；而除角色設計外，往往「背景美術」更是營造整體氛圍的重要環節之一，增添畫面生機之餘，亦能輔助故事的真實性，帶領觀眾進入劇中世界。 動畫電影《你的名字。》中令人如癡如醉、細緻唯美的背景，許多即是出自波蘭插畫家Mateusz Urbanowicz（暱稱Matt）之手，在他細膩的筆觸下，街景建築彷彿都被賦予了生命力；而他也曾參與《花與愛麗絲殺人事件》與《宇宙浪子》等電影、劇集製作。 文內將分享他走上繪畫之路的契機、背景美術的工作，以及《你的名字。》、《花與愛麗絲殺人事件》等動畫電影背景製作過程。近期，他也將於台灣出版個人插畫集《東京老鋪》，以唯美繽紛的水彩線稿，潑灑出一幅幅逐漸被世人所遺忘的懷舊風情。 遠渡重洋，隻身前往日本的尋夢之旅 「在波蘭，我主修電子學和計算機科學，但我真正熱愛的是繪畫。」 ——《你的名字。》背景美術 Mateusz Urbanowicz 1986年出生的Mateusz Urbanowicz，大學原主修電子工程，在一次日本之旅後，竟意外開啟了他內心存在已久的畫家夢想：「從報章雜誌、海報、廣告傳單到漫畫和動畫，我意識到日本的視覺文化無處不在，這是他們日常生活的一部份。」 對於日本豐富的藝術底蘊，他感到十分驚豔，也令他萌生從事繪畫工作的念頭，無奈波蘭較少關於藝術創作的工作機會，因此Matt決定申請神戶藝術工科大學的獎學金，遠赴日本求學、鑽研動畫創作。不過，初期他也曾感到挫敗：「無論我怎麼努力，都無法讓我的繪畫風格看起來像日本漫畫。」不同於日本流行的萌系可愛少女，Matt更熱衷於背景的繪製。最終，他不再拘泥於風格，改從故事出發，試圖創造出能打動人心的質感作品。 以畢業短片《Right Places》初試啼聲，獲新海誠賞識 受到當時教授的鼓勵，Matt開始嘗試動畫製作，而他的首部電影《Right Places》，講述一名孤獨的男孩，無法與他人分享自己所看見的奇異現象，直到與能看到相同事物的女孩相遇，才得以釋然，克服長久以來的孤寂之感。 「當時新海誠來我的大學演講，我給他看預告，看完後他說想看整部電影。」原先《Right Places》僅為約30秒的預告片，與新海誠的相遇，令Matt決心完成作品，製作期更費時長達七個月：「我從新海誠的書籍中學到很多，並將此融入電影風格中。」