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《鐵巨人》傳統手繪動畫完美結合CG角色，創造不敗經典
《鐵巨人》是一部1999年上映的動畫片，也是《超人特攻隊》、《料理鼠王》導演Brad Bird初執導筒的作品，改編自英國作家Ted Hughes的同名小說。內容講述一名來自外太空的巨大機器人，無故降落到洛克威爾小鎮，與小男孩豪加成為好朋友的故事。 儘管當年因為廣告宣傳不足，導致最終票房慘淡，但《鐵巨人》在媒體與觀眾的評價仍然普遍良好，也榮獲雨果獎的最佳戲劇表現提名以及九項安妮獎等殊榮；不管是特別的故事背景、細膩的場景設計，還是巨人深植人心的形象，都令許多觀眾印象深刻。 本文將分享導演Brad Bird的創作理念、劇中的美術設計，以及動畫團隊如何將電腦動畫結合傳統手繪動畫，完成生動的角色設計。 打破動畫常規，反映現實的故事設定 「我們想做一部成年人跟小孩都適合看的動畫電影。」 ——《鐵巨人》導演 Brad Bird 當時的動畫產業以迪士尼的歌舞劇風格為主流，賣座動畫往往都是能夠散播歡樂、有美好結局的作品；但《鐵巨人》卻反其道而行，沒有邪惡浮誇的反派、沒有傻裡傻氣的配角，甚至沒有出現任何琅琅上口的主題曲，反倒以鐵巨人的純真，以及與小男孩豪加之間的友誼，感動人心。 導演Brad Bird僅採用了原著小說中，外星鐵巨人出現在人類世界的概念，他與編劇Tim McCanlies重新構思了故事內容，並選擇以1957年，冷戰時期的美國作為故事背景。對於劇情設定，為小男孩豪加配音的演員Eli Marienthal說：「當時大家似乎都害怕不是來自美國的東西，如果有個東西（鐵巨人）來自其他地方，那肯定是不好的。」 「每個人都害怕核武、蘇聯、史普提克衛星，甚至搖滾樂。讓50英尺高的大機器人降落到這裡再好不過。」導演Brad Bird透過「如果一把槍有靈魂，並且不想成為武器」的想像，來發展《鐵巨人》的故事，同時也反映冷戰時期，人們對於未知事物的惶恐，以及反戰思想。 慢節奏聚焦角色刻畫
如何製作鏤空人體——〈Wide open〉一鏡到底的精緻特效
舞者的優美曲線，流暢延展的肢體動作，隨著樂曲節拍，身體逐一幻化成網狀鏤空軀體，呈現猶如有機生命體的機器人——這是英國電音樂團 The Chemical Brothers 所譜曲的MV〈Wide Open〉，由美國創作歌手 Beck 演唱。導演 Dom＆Nic 深受歌曲啟發，決定以 3D 列印義肢為創作發想，試圖透過舞蹈，表現人體逐漸被塑膠取代的意象。 同為葛萊美獲獎者的 The Chemical Brothers 與 Beck
低預算拍片的6大秘訣？《午夜巴黎》攝影指導Darius Khondji經驗分享
當你手上有個低預算的拍攝案，如何根據僅有的資源，從前期發想視覺概念、場勘，到完整的攝影、燈光規劃，成就一部具有獨特風格、又不「超支」的電影作品？ 以電影《火線追緝令》、《午夜巴黎》、《愛慕》聞名的攝影指導Darius Khondji，曾與David Fincher、Woody Allen等大導演合作，擅長為中、低成本製作的電影，變幻出專屬於作品的構圖與光法。本文將整理他的6大拍攝秘訣，分享他如何根據劇本情節、導演要求，完成一次次令人驚嘆的攝影傑作。 （本篇預算衡量標準比照好萊塢規格，一個低預算的製作案成本，約在1500至2000萬美金以下。） 1、為電影設定一個強烈、具主題性的影像「概念」 「一個強而有力的概念，能讓你的作品更具有藝術性。」 電影攝影有百百種手法，器材選擇、運鏡方式與打光邏輯等，皆可能改變影像的成果。Darius Khondji強調，儘管在中低成本製作中，為避免濫用預算，他尤其會仔細思量，制定出強烈、明確的主題概念：「你可以在每場戲有不同變化，但必須有個貫穿電影的主題。」 例如：依據《火線追緝令》探討人性陰暗面的劇本，Darius Khondji首次聽完導演David Fincher，描繪該片探討人性陰暗面的情節時，便說：「這故事應該要看起來非常嚇人！」因此即確立以「暗黑」主視覺調性，採用Kino Flo柔光燈具作為背光光源，並以中式紙燈籠增添頂光效果，達到晦暗、迷離的影像氛圍。 此外，Darius Khondji認為，創造視覺上的「差距」，也是一種概念。《午夜巴黎》中，他以老式Cooke 50mm鏡頭，呈現1950年代的夢幻巴黎，對比以廣角鏡頭拍攝的現代場景，製造出年代區別；《愛上羅馬》則用色調表現相異劇情線，美國演員為主的畫面較為冷調，義大利演員則接近60、70年代老片，鮮豔濃郁、飽和度較高。 2、盡可能「提早」前往拍攝地點場勘
《火箭人》重返歌手Elton John的黃金時代，音樂劇形式再現浮華場景
音樂傳記片《火箭人》，講述英國傳奇歌手 Elton John（艾爾頓強），從音樂男孩躍升為創作巨星的奇幻歷程，儘管歌唱生涯充滿瘋狂和痛苦，但他仍努力堅持自我，從親情、友情和愛情的深淵裡，逐漸找回屬於自己的真實面貌。 本片在Elton John的親自把關下，不僅透過融合現實和幻想的音樂劇情節，以複雜的場面調度、攝影運鏡，精采詮釋他的歌曲及處境；更讓飾演Elton John的演員Taron Egerton的精湛演技和歌喉，能與經典服裝造型相輔相成，令電影不時流露出自傳色彩。 （內文有雷，請斟酌閱讀。） 音樂劇形式揭露人物內心，精彩豐富的場面調度 「人物可以向觀眾敞開心扉，清楚表達自己的感受，這就是專屬音樂歌舞片的優點。」——《火箭人》導演 Dexter Fletcher 「其實這不是傳記故事，而是Elton John在康復身心的過程裡，逐漸解開自身包袱和問題的故事。」導演Dexter Fletcher表示，本片旨在反映這位傳奇歌手的內心世界，為了維持敘事流暢度，他刻意提高電影裡的音樂元素，利用大量歌曲銜接各情節的轉換，讓觀眾能在銀幕上清楚看見Elton的心境變化。 例如，拍攝Elton的童年家庭時，Fletcher即特別安排演唱〈I Want Love〉的片段，讓家裡的四位成員，都能夠透過歌曲抒發心聲，揭露自身的脆弱面向，他說：「大家都渴望被愛，只是一切都亂了套。那裡沒有人是壞蛋。」
意想不到的創意短片，逐格動畫師PES展現荒誕幽默
動畫師PES（Adam Pesapane），善於從現實中取材，創造出超現實的影像畫面。他的影片多半以逐格動畫（Stop-motion Animation）呈現，看似不協調卻饒富趣味，不只在YouTube頻道上有破百萬的訂閱數與破億的總觀看次數，也獲得許多國際獎項與殊榮。 本文將透過PES幾部知名的作品，探討其創作啟蒙和理念，以及他是如何從日常生活中獲取靈感，再結合天馬行空的想像，透過看起來毫無關聯的物品，呈現出腦中的異想世界。 廣告公司起家，從優秀作品汲取創作養分 「我不確定這些奇幻的點子是哪來的，可能是我某種天生的幽默感。 我的腦袋很自然的就會把某個東西看成另一種東西。」 ——逐格動畫師PES 「當時我在公司的職等很低，所以什麼都得看。」PES說：「那是個廣告業蓬勃發展的年代，不只有瑞典的Traktor出現，Michel Gondry也拍了許多很棒的作品。」 大學主修文學及印刷，畢業後到廣告公司的創意部門當助手，因為工作的緣故，PES接觸到許多得獎廣告、MV等短片，其中包含了導演Ｍichel Gondry、Spike Jonze等人的作品，也因此讓他受到啟發，開啟了自己的創作之路。 第一支作品〈Dogs of War〉不是戰爭片，而是一場荒謬的夢 跟公司同事借了一台16mm俄國製底片攝影機、向父親要了一部16mm的底片放映機，再請母親幫忙找三個小孩，PES利用工作休假的週末空檔，找了家鄉附近的荒地，拍起生涯第一支短片〈Dogs of
《女巫》寫實攝影捕捉陰森氛圍，服裝、配樂詮釋真實歷史題材
超自然恐怖片《女巫》，講述17世紀「塞勒姆審巫案」前夕，美國新英格蘭的清教徒家庭，因故遷居到荒野森林旁後，開始遭遇詭異的超自然事件，讓主角Thomasin不僅受到雙親指控是「女巫」的化身，一家人的信仰也因此逐漸崩解，陷入彼此相互猜疑的噩夢。 儘管《女巫》是導演Robert Eggers的首部劇情長片，但他與團隊出色的美學觀點，以及對自然、恐怖元素的精準掌握，完美營造令人戰慄的壓抑氛圍，讓本片不僅曾於日舞影展獲得最佳導演獎，更受到恐怖作家Stephen King（史蒂芬金）等人推崇備至。 建立逼真的新英格蘭世界，演員重拾歷史生活感 「我們必須回到過去的世界，才能開始相信女巫的存在。」──《女巫》導演 Robert Eggers 導演Robert Eggers曾任藝術指導、服裝設計等職位，於劇場界、電視圈打滾多年，但夢想成為導演的他，決定以畫家Goya（哥雅）的名畫《Witches’ Sabbath》為發想，創作與童年陰影有關的「女巫」題材，並親自研究早期新英格蘭文化，耗費4年時間撰寫劇本，打造傳遞女權主義思想的駭人故事。 透過與藝術指導Craig Lathrop的合作，兩人實地走訪美國麻州偏遠地區，並研究新英格蘭的古老房屋結構圖，發現當時的建築材料多以木頭、泥土和糞便為主，使得整部電影的色彩，必須設定為灰暗色調，而Eggers亦開始觀摩荷蘭、法國17世紀的繪畫，以便想像新英格貧窮人家的生活情況。 善用技巧指導年輕演員 為呈現真實可信的電影世界，Eggers決定以相對私密的觀點，塑造宛若自身童年記憶的17世紀英格蘭，也因此，他除令劇組採用真實建築及全手工家俱，打造充滿日常感的片場之外，也試圖引導演員們融入當地生活，讓演員Anya Taylor-Joy讚賞：「在這個完美世界裡，我們真的可以徹底成為那些角色。」 另外，由於Eggers過去曾多次演出莎劇，擅長口白訓練，因此能夠引導少年演員Harvey Scrimshaw以及幼年雙胞胎演員，說出片中較為生澀、複雜的古老用語，而Eggers亦透過設計精準的指定動作，讓年輕演員們不必完全理解故事內容，即可做出符合情節的詭異舉止，藉以保護其身心發展。
改變國家的演員——「印度良心」阿米爾罕堅守品質創動人故事
談及印度電影，你一定對這些作品不陌生：如《三個傻瓜》、《來自星星的傻瓜PK》、《我與我的冠軍女兒》等，上述知名電影皆由阿米爾罕（Aamir Khan）主演。身兼演員、導演或製片的他，致力於透過電影批判印度社會現狀，更勇於揭露貧窮、性侵等敏感議題，製作電視節目《真相訪談》，讓印度陋習攤在陽光下，使世界關注印度人權問題。 本文將分享阿米爾罕的創作理念，並以他首部執導的作品《心中的小星星》為例，探討其幕後製作過程，深入瞭解他如何將電影結合社會議題，改變寶來塢的戲劇與藝術風格，更使觀眾將其視為優良電影保證。同時，也介紹製作深度談論節目《真相訪談》時的立意宗旨，敢於突破現有框架的阿米爾罕，更被外媒定位為「印度的良心」。 身兼演員、導演的雙重壓力——從《心中的小星星》談導戲方式 「當我進入這個產業，我是個孤獨遊俠，試圖製作我所相信的電影。 我一直逆流而上，如今潮流已經改變。」 ——《心中的小星星》導演 阿米爾罕 導演與演員的工作準備 《心中的小星星》是阿米爾罕首部執導的作品，他同時也是這部片的導演、製片與演員，因此肩負更多的責任與壓力。作為演員，為了呈現真實的演出，他必須在活化台詞上做準備，使其更貼近角色；而作為導演，相較於演員，他必須更早來到現場，確認攝影、聲音到燈光，一切都準備就緒，並與演員溝通每一幕戲的細節。 同時身兼製片的阿米爾罕表示：「我必須在拍攝當天結束後的晚上，才能規劃第二天的行程。」儘管身擔龐大的責任，但他並不因此鬆懈，而是更加嚴謹地堅守品質，這也是他對每件作品的態度，他曾說：「我一直在做的事情就是確保作品的品質，我想做出好的作品，也傾注心力於這件事上。」 「一旦你開始拍攝面對鏡頭，你就不會看到其他演員，所以你必須自己判斷，其他演員也是。」他說明，他必須始終保持精力與警惕，致力將精彩劇本呈現在大螢幕上。 讓孩子們真情流露演出 「我很在意孩子們是否在拍攝鏡頭前放心演出。」阿米爾罕表示，他認為他在現場最大的挑戰，就是打破僵局。他透過講笑話的方式，與小朋友們關係更加親近，他更笑稱自己成了他們的孩子王。 達席爾薩法瑞（Darsheel Safary）扮演患有閱讀障礙的兒童，他真誠且自然流露的演技，讓這部片更加真實與動人。談及表演過程，薩法瑞表示他曾在哭泣時遇到麻煩，阿米爾罕和他一起花了一段時間，告訴他哭泣的技巧，而他的表現也讓阿米爾罕讚揚：「你知道這種技巧並不容易理解嗎？很多著名的演員都無法學會表演的方法。」 阿米爾罕舉例，當人們受傷時，不是因為感覺疼痛而表現疼痛，更有層次的表演應為：「我受傷了，卻不表現出來，但我的行為會讓觀眾理解它。」他補充：「通常人類的行為不會如實表現感覺。」 另外，《心中的小星星》剪輯師迪帕巴蒂亞（Deepa
〈Cellophane〉神祕符號構築前衛影像，Björk御用MV導演的創意腦洞
2019年4月，英國音樂才女FKA twigs（小枝女孩）發布最新MV〈Cellophane〉，以鋼管舞及超現實視覺元素，創造虛實互動的奇異風格。而其背後的創意操刀手，即是來自洛杉磯的美籍華裔導演Andrew Thomas Huang。 Huang長年以大膽、前衛的實驗作品聞名，透過展現身體和內心的連結，他的創作不僅在藝術及商業領域皆有所成就，與冰島創作歌手Björk（碧玉）的多次合作，更讓兩人的創意得以相互激盪，拍出新穎的VR（虛擬實境）影片。 文內將介紹Andrew Thomas Huang的創作風格及其作品，看他如何將手工製作、實境拍攝和動畫技術結合，並以象徵主義、未來文化等元素，挖掘影像背後的深刻內涵，打造夢境般的藝術世界。 大膽嘗試前衛藝術風格，加入象徵、隱喻符號 「既然我們能夠靠創作來替自己發聲，那為什麼不去用好玩又腦洞大開的方式來做呢？」——導演 Andrew Thomas Huang 導演Andrew Thomas Huang畢業於南加大美術及動畫學系，兒時即曾接觸繪畫、木偶製作、定格動畫等創作，並學習拍片、剪接等技術，讓他因此具備完成影片製作多項環節的能力。在2007年時，Huang於Youtube上傳自己的動畫短片〈Doll Face〉，意外引發熱烈迴響，正式開啟他的影像創作生涯。 受到製作公司的青睞後，Huang開始拍攝一些MV、廣告作品，但他苦於無法突破既定風格，於是在2012年製作短片〈Solipsist〉，以色彩搶眼、造型奇異的視覺風格，再次博得眾人關注，更促使歌手Björk主動邀約合作。
【幕後做的事】當我活在電影美術裡工作坊，報名即日開跑！
影製所 DC FILM SCHOOL 精選影視製作五大領域，推出「幕後做的事」系列工作坊，希望透過動畫、導演、美術、剪輯、配樂等五大領域專業人士經驗分享，讓對影視製作有興趣的朋友們，深入瞭解幕後人員的工作實況，與進入業界更進一步。 繼動畫及導演課程之後，我們即將推出第三堂工作坊——「當我活在電影美術裡」，針對想學習片場美術的學員量身打造專屬課程，並邀請資深電影美術指導——吳忠憲 老師擔任講師，帶領學員們認識電影美術的工作流程與細項，從老師的經驗分享、整體規劃，到團隊分工與現場協助等等，讓學員們深入瞭解電影美術在做的事情，以及在片場美術組擔任的角色與定位。 此次，我們更特別安排實作課程，讓學員實際參與電影美術的工作內容，瞭解美術組如何將一塊平凡無奇的木板，加工製作成歷史悠久的斑駁木塊，呈現電影陳設、道具中的「年代質感」。從第一天參考資料的收集整合，到第二天的材料加工，學員都將透過自己的雙手，親自體驗熟悉工作環節，老師也能於實作過程中進行一對一的指導與諮詢，讓你更加瞭解如何創造出電影中的美術世界。 ► 「幕後做的事－當我活在電影美術裡」詳細課程介紹 關於講師：吳忠憲 「電影美術本身要做的工作，就是創造出電影裡的世界， 讓觀影的人可以進入劇情裡面。」 吳忠憲，為台灣資深美術指導，作品涵蓋範圍之廣，從電影、廣告與MV等影像作品中皆能看到他的名字。曾參與《海角七號》、《那些年，我們一起追的女孩》、《等一個人咖啡》等電影美術工作，並擔任《生生》、《搖滾樂殺人事件》等片美術指導；MV作品也不勝枚舉，張惠妹《一個人對話》、盧廣仲《明仔載》皆出自他手。 他具備多元且豐富的業界經驗，熟捻片場美術作業，將於這次工作坊傾囊相授，把自己於業界吸收到的所見所聞，分享給參與課程的學員們，共同進入電影美術的專業領域。 講師作品 電影《生生》預告 電影《搖滾樂殺人事件》預告 張惠妹《一個人對話》 課程資訊 時間：7/6