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超現實浪漫服裝廣告——導演Seb Edwards以特效強化視覺張力
過去以童星身分出道，演出電影《希望與榮耀》主角的廣告導演Seb Edwards，憑藉自身對電影的喜好，以強大視覺張力，及豐沛情感敘事聞名，並合作拍攝過多部知名企業廣告，如Nike、HTC等，儼然是當今最重要的影像創作者之一。 本文將介紹Seb Edwards的創作經歷及理念，並以他為服飾品牌Lacoste拍攝過的兩部廣告為例，看他如何以現實生活為基底，並結合震撼感官的超現實想像，以視覺特效、演員特技等製作手法，創造如夢似幻的廣告場景。 積極爭取機會，確保創作空間的自由度 「如果案子沒有足夠的創作自由，我會非常審慎地考慮要不要接下。」──導演Seb Edwards 自當年演出《希望與榮耀》後，Seb Edwards雖發現自己對表演不感興趣，卻深深著迷於電影幕後的龐大製作，並於大學時主修藝術科系，努力摸索自己的創作方向。爾後，透過導演John Boorman的幫助，他成功加入電影《王牌大盜》劇組的美術部門，正式開啟影像創作生涯。 起初，Edwards未能立刻成為廣告導演，而是負責跑腿、送件，直到一件腳本不佳、無人接手的低預算廣告案出現後，Edwards立刻自告奮勇，嘗試重新編寫腳本，並提案給創意總監，才意外獲得好評。他表示：「我真的不知道自己在做什麼，我只是拍了一堆東西，剪成一部片，結果就遠遠超出他們的期待。」 以演員角度設身著想 「演員和導演一樣，都想要找到合作夥伴，並在有安全感的前提下，一起探索故事、探索角色。」Edwards解釋，根據以自身演員經驗，他非常理解演員在工作狀態下，身心都十分脆弱；因此，他常站在演員角度，同理他們的想法，並願意與演員討論，共同嘗試更具實驗性的表演方式。 與客戶、代理商有效溝通 「去查出這些人是誰、做過什麼，你才能知道他們的想法高度到哪。」Edwards表示，由於他非常強調創作時的自由度，因此清楚理解客戶、代理商的喜好及資歷，慎選所有合作對象，亦是身為導演的重要任務，而若三方相處不來，或無法共同有效解決問題，更應盡早結束合作關係，才不會浪費彼此時間。 ► 延伸閱讀：GUCCI御用攝影師拍廣告，以電影為靈感捕捉時裝魅力 《The
導演提姆波頓的暗黑童話——《小飛象》栩栩如生的CG角色設計
「我試圖保留我喜歡的風格，這個角色形象不太適合以主流娛樂詮釋。」 ——《小飛象》導演 Tim Burton 今年，迪士尼推出《小飛象》(Dumbo) 真人版電影，由《怪奇孤兒院》、《魔境夢遊》導演 Tim Burton執導。電影改編自1941年上映的同名動畫，轉以人類角度，講述真實馬戲團環境，以及與小飛象Dumbo相處的友誼故事。 Tim Burton以黑暗、詭譎奇幻的視覺色彩聞名，其辨識度極高的作品形象，更衍生出名為「Burtonesque」的形容詞，深受許多影迷喜愛。《小飛象》也承襲了Burton的強烈個人風格，激發出許多令人毛骨悚然、又不失溫暖的奇異火花。 文內將分享，導演深受《小飛象》故事吸引的原因、真人版Dumbo角色設計與拍攝過程，以及片中風格迴異的兩大馬戲團場景：Medici Bros.Circus和Dreamland如何創建，帶領觀眾重遊迪士尼與鬼才導演Tim Burton的暗黑童話世界。 真實改編劇本——以人類視角重新詮釋經典童話 「這個世界須盡可能真實，因此，我們決定不會有任何會說話的動物。」 —— 編劇 Ehren
剪接小撇步——看《鬥陣俱樂部》、《天才一族》如何剪出豐富影像內涵
閱讀前篇「剪接小撇步——看《2001太空漫遊》、《駭客任務》如何流暢銜接畫面！」後，你是否已經學會怎麼透過剪接，自然地銜接各個鏡頭了呢？ 除了流暢組織畫面，利用不同的剪接技巧，還能讓敘事更加豐富、為影像帶來獨特風格。本文將以《鬥陣俱樂部》、《全面啟動》與《天才一族》的片段為例，看這些作品分別如何透過剪接手法，建構情境、同步敘事，甚至快轉時間！ 《鬥陣俱樂部》豐富敘事內涵的L-cut與J-cut 「在電影裡，我們雕刻時間、行為，和光線。」 —— 《鬥陣俱樂部》導演David Fincher L-cut與J-cut，是一種影像與聲音不同步的剪接技巧，於電影、新聞、預告、廣告等各類影片中，都經常被使用。 其名稱的由來，是因為在剪接軟體上，當畫面從素材A切換至素材B，但繼續播放素材A的聲音，影像軌和音軌的形狀會呈現L形；反之，當畫面仍停留在素材A，素材B的聲音就已先進入，影像軌和音軌的形狀則會呈現J形。 這樣聲畫不同步的剪接方式，不僅能流暢銜接不同鏡頭，還能為影片刻畫更豐富立體的內容、強化想表達的言外之意。 以《鬥陣俱樂部》運用L-cut的片段為例，當主角Tyler在背誦俱樂部規則時，畫面並未一直鎖定在說話的Tyler身上，而是於各個準備打鬥的人物表情、動作細節之間變換。如此一來，觀眾不僅被語音帶入角色身處的空間，也透過穿插的各種影像，獲得建構整個情境的視覺訊息，深刻感受當下一觸即發的緊張氛圍。 ►延伸閱讀：經典之作《鬥陣俱樂部》——從「恐懼」出發，挑戰你的視覺神經 《全面啟動》同步敘事的Cross-Cut 「嗯，你總是能在剪接室裡發掘許多東西。」 ——《全面啟動》導演Christopher Nolan Cross-Cut（或稱Parallel Editing），是指影像在同一時間、兩個場景之間交叉切換。此種剪接技巧，能夠有效地同時講述兩個並行的事件，並透過畫面對比和交錯節奏，為故事增添戲劇張力。
蘋果廣告導演Dougal Wilson創作分享——專屬素描本繪出「腦力激盪」
近年來，導演Dougal Wilson為Apple、IKEA等大品牌操刀拍攝廣告，一次次藉由美術、特效設計，發揮影像創意。他也長年與英國百貨John Lewis合作，新廣告更搭上電影《波希米亞狂想曲》熱潮，描繪一場學校公演，青少年演出太空音樂劇版的〈Bohemian Rhapsody〉，向樂團Queen致上敬意。 Dougal Wilson總在拍攝前做足功課，為每部作品準備專屬素描本，親自手繪紀錄創意靈感。本文將分享他創意發想的過程，與美術、特效團隊腦力激盪的合作，以及如何運用老式底片、流行元素，打造出別具「復古味」的廣告。 廣告導演發想創意的過程——前期作業的三大要點 「記錄創意想法時會有很多靈感，而你永遠無法確定，何時好點子會降臨。」—— 導演 Dougal Wilson 導演Dougal Wilson並非就讀影視相關科系，畢業於英國名校Durham的他，渴望成為天文學家，但卻因替校內戲劇演出設計海報，對影像創作產生興趣，萌生「轉行」的念頭。而後進入廣告公司，撰寫文案、執導影像，因其幽默創意、趣味視覺影像風貌，成為英國廣告、MV界的佼佼者，至今已累積超過70部作品。 一、準備作品專屬素描本，進行紙上腦力激盪 現今，Dougal Wilson仍維持高產量製作影像。創作時，他會為每支作品準備一本黑色素描本，隨時記下腳本概念、視覺發想，或研擬出簡易的構圖與運鏡。他表示，這種「紙上腦力激盪」，更接近他在學術界研究時的手法：「我非常喜歡這種迫使我專注數個小時的方法…..看到想法被寫下來、或勾勒出來，就像是在與自己對話。」 二、「廢物淘汰流程」：試拍檢驗想法的可行性
《異星入境》、《銀翼殺手2049》剪接師Joe Walker的8個剪接訣竅
為《自由之心》、《異星入境》、《銀翼殺手2049》等傑出電影操刀，兩度獲得奧斯卡提名的英國剪接師Joe Walker，無疑是當代出色的電影工作者之一。本文將整理Joe Walker曾在採訪中提及的8個剪接訣竅，了解身為專業剪接師的他，是如何思索編排素材、讓影像為故事發聲。 1. 抓住故事重心 掌握架構篇幅 「大聲總結整個故事、思考講述各段所需的時長。 這個長度會是理想比例的指引。」 以描繪12年奴隸生涯的《自由之心》為例，Joe Walker認為，比起為奴期間的內心掙扎和情感變化，主角被拐賣的過程顯得相對單純，敘事上也有更多能夠壓縮的空間。因此，他在片中利用倒敘的手法，讓畫面從舉杯慶祝的場景，直接切換至幽閉的地牢，再穿插破碎的回憶片段，快速呈現主角遭人設計、下藥的經過。 2. 抽離剪接軟體 「橫向」思考敘事 「要『橫向』而非『縱向』思考。 多少次人們花上大把時間，結果卻是在錯的地方打轉？」 Joe Walker建議人們在組織結構階段，可以暫且擱置剪接軟體，改用一張張紙卡進行排列組合；如此一來，便能專注於編排敘事架構，避免過早在挑選鏡頭、雕琢細節上白費精力。Joe Walker操刀紀錄片《一日人生》時，便是透過這樣的方式，處理數千部來自世界各地的Youtube短片，從長達四千五百小時的素材中，理出連貫的敘事脈絡。
動手拍出3種電影經典畫面——剪影、瞳孔特寫、貓眼視角
你是否曾經好奇，影史上的經典名片，何以令人刻骨銘心、難以忘懷？除有傑出的劇本、完善的製作等，創造辨識度高的代表影像，亦是非常重要的訣竅之一。本文特別選出，3種拍攝難度較高的常見鏡頭，解析幕後實用拍攝技巧，讓你也能透過模仿、學習，打造屬於自己的經典畫面。 強烈背光塑造孤獨、神秘的氛圍──剪影畫面 「剪影可以傳遞孤獨感，也可以表現威脅感，但環境才是關鍵。」──《銀翼殺手2049》攝影指導Roger Deakins 剪影（Silhouette）的運用，在影像藝術的歷史上屢見不鮮，從德國表現主義電影的強烈光影對比，到希區考克營造懸念時，刻意凸出的黑色剪影。不論是恐怖片、驚悚片或黑色電影，影像創作者們都非常愛用「剪影」，增強影像的神秘、不安感，更藉此創造出許多經典畫面。 其中，攝影指導Roger Deakins即善於使用「剪影」，透過背光、縮小光圈等技巧，讓光源、背景和拍攝主體，形成層次分明的影像元素，進而展現主體輪廓，藉以放大懸念或強調肢體動作等；然而，若是搭配不同的場景或情境，剪影也能成就浪漫瞬間。 《E.T.外星人》飛行片段： 導演Steven Spielberg拍攝《E.T.外星人》時，一段著名的飛行畫面，便是以巨大月亮為背景，透過周遭景物和主體的剪影，凸顯人物飛上天空的超現實動作，增添畫面的浪漫氛圍。因此，Deakins強調，劇本及場景的情感所需，才是他選擇拍攝剪影的主要原因。 ► 延伸閱讀：攝影指導Roger Deakins——年年交出不同類型精采傑作 微距鏡頭拍進人物內心世界──瞳孔特寫畫面 「眼睛是個雙面鏡，它不僅能看見事物，也能反映事物。」──《銀翼殺手》導演 Ridley Scott 從《驚魂記》、《銀翼殺手》到《噩夢輓歌》，特寫鏡頭下的瞳孔，一直是創作者愛用的經典畫面。不論是表現驚恐、憤怒或憂慮，「瞳孔特寫」的戲劇性效果，令觀眾彷彿能看見人物內心世界，進而產生同理。
《我們》以服裝打造全新駭人形象，剪接、配樂深化驚悚氛圍
恐怖懸疑電影《我們》，由美國導演Jordan Peele（喬登皮爾）執導，講述一家人來到海濱小屋度假後，遇見多次不祥徵兆，而後發覺一群與他們長相相仿的人們突然出現，且打算闖入小屋，將他們殺害。 本片是繼《逃出絕命鎮》後，Peele再次挑戰驚悚題材，透過他獨特的創作視角及作品致敬，不僅承襲前作特色，打造出神秘而宏大的世界觀，其精彩的服裝、剪接及配樂等設計，更成功融合恐怖和喜劇調性，以獨一無二的美學風格，開創新一代驚悚電影風範。 （以下可能有雷，請斟酌閱讀。） 受經典影視作品啟發，奠定明亮的驚悚氛圍 「嗯，你知道的，我想要做一部充滿彩蛋的電影。」──《我們》導演Jordan Peele 《我們》的原文片名Us，既可解釋為「我們」，亦為縮寫的「美國」。導演Jordan Peele解釋，故事雖以非裔家庭觀點出發，但其背後試圖探討的議題，不僅止於種族，更關乎特權、控制及當代美國等主題，使本片相較《逃出絕命鎮》，蘊藏更深遠的創作想像。 「我們最大的敵人就是『我們』。」Peele表示，受到美國經典電視劇《陰陽魔界》單元劇〈Mirror Image〉的啟發，他對分身、雙重性等概念，一直都有濃厚的興趣；因此，Peele不僅設計剪刀、兔子和複製人等意象鮮明的符號，供觀眾自行解讀。故事選擇開展於80年代，也是諷刺該時代社會充滿虛偽的和諧表象。 根據《大白鯊》、《鬼店》、《活死人之夜》等經典驚悚電影的視覺風格，Peele發現，那些如田園詩般的美妙場景，正是暗藏恐怖元素的絕佳之處；因此，本片除有不少畫面仿效上述電影，其影像充滿明亮色彩，亦是以此鋪陳驚悚氛圍，Peele表示：「我最喜歡的恐怖畫面，就是顛覆所有的美好畫面。」 此外，為創造恐怖和喜劇兼備的敘事風格，Peele特意增添寫實色彩，以日常的家庭衝突，取代類型電影的公式化情節，讓電影中的情境更加逼真、有趣，而人物反應也更貼近現實，加強故事與觀眾之間的連結。 ► 延伸閱讀：《逃出絕命鎮》預算不高，更要善用器材 服裝創造全新恐怖形象，從細節透露劇情線索 「我的工作是幫助演員創造角色，你們真的不用太注意到故事裡的服裝。」──《我們》服裝設計Kym Barrett
剪接小撇步——看《2001太空漫遊》、《駭客任務》如何流暢銜接畫面
為使觀眾沈浸於故事情境之中，如何流暢組織鏡頭、避免突兀切換畫面，是剪接師經常得要面對的課題。本文將以《2001太空漫遊》、《駭客任務》與《鳥人》的片段為例，介紹三種實用的剪接技巧，看這些作品如何利用相似元素、人物動態及視覺「死角」，巧妙地隱匿剪輯痕跡！ 《2001太空漫遊》銜接場景的Match Cut 「我喜歡剪接，勝過製作電影的其他環節。」 ——《2001太空漫遊》導演Stanley Kubrick Match Cut，是利用兩段素材間相呼應的元素，例如類似的動作、圖形、顏色，銜接不同場景的剪接技巧。 此剪接手法，能在切換場景、推動情節的過程中，保有流暢的敘事節奏，避免觀眾因為畫面轉變而感到突兀，同時也能透過關聯物件的對照，共同傳遞隱含其間的內在訊息。 影史科幻經典《2001太空漫遊》，便是巧妙運用Match Cut的著名案例之一。在電影第一章「人類的黎明」尾聲，一隻黑猩猩發現骨頭可以作為工具，並將手裡拿著的骨棒高高拋起；隨著骨棒緩緩落下，影像遂切換到與骨棒形體相似、漂浮於無邊宇宙的太空船上。 這一瞬的畫面剪接，不但把故事舞台從遠古的蠻荒之地，搬移至浩瀚無垠的外太空，亦藉由骨棒與太空船的對比，呈現人類文明跨越千萬年的演變進程。 ▶延伸閱讀：《黑鏡》交錯虛擬與現實，影像剪輯烘托戲劇張力 Cutting on Action完成《駭客任務》精彩打鬥 「作為一名電影工作者，某種程度也是名手藝精巧的工匠。」 —— 導演
電影導演如何設計運鏡？推軌、跟蹤與急搖鏡頭的運用
隨電影史發展，攝影也依從技術革新，發展出更多元的運鏡方式，運用台車（Dolly）、軌道及穩定器，令鏡頭移動、畫面構圖更具新意。從Steven Spielberg、Martin Scorsese等殿堂級導演，到《樂來越愛你》導演Damien Chazelle等新生輩創作者，更依據推軌、跟蹤與急搖鏡頭，創造獨具標誌性的攝影風格，締造眾多影史經典片段。 推軌鏡頭 Dolly Shot ——平穩推近人物與觀眾的距離 「對Steven Spielberg來說，攝影機在故事中是積極的參與者。」——《慕尼黑》《搶救雷恩大兵》攝影機操作員 Mitch Dubin 「推軌鏡頭」（Dolly Shot）代表鏡頭以固定焦段，運用台車平穩使攝影機運動的攝影手法 ，可以表現人物、鏡頭與觀眾的「距離」，常以向演員臉龐靠近，讓觀眾體驗角色當下情緒的方式出現；或者遠離被攝物，製造其與觀眾之間的疏離感。 大導演Steven Spielberg便經常於作品中使用，例如：《第三類接觸》中，以推軌鏡頭拍攝童星角色Barry，讓鏡位從中遠景拉近至特寫，表現他望見飛碟從天而降的驚喜神情。此種「放大」演員臉龐的手法，更被影迷稱為「Spielberg Face」。