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大師也愛看電影——導演大衛林區、王家衛與多藍心中的偶像與啟發
承襲希區考克——怪奇導演大衛林區的迷離詭譎 「Hitchcock努力讓某種廣大的概念，濃縮到非常小、而且日常的事物之中。」 ——《穆荷蘭大道》導演David Lynch 以電影《穆荷蘭大道》聞名的David Lynch，作品風格「神秘、詭譎與撲朔迷離」，他從不隱瞞對另一位懸疑電影大前輩Alfred Hitchcock（希區考克）的熱愛。他曾在訪問中說：「Hitchcock透過精準的創作過程，每個層面都掌握到他想傳達的。」 David Lynch熱愛Alfred Hitchcock的著名經典，尤其是《後窗》及《迷魂記》。電影中的元素如同：偷窺、陰謀、夢境、金髮女郎等，也經常被他挪用於作品中。《迷魂記》裡有懼高症的警探Scottie，更被視為David Lynch多部電影的主角原型：試圖拯救一位脆弱女性時，發覺自身難以破除的陰暗與缺陷。 電影評論家Leigh Singer曾分析David Lynch的著名作品《藍絲絨》：「電影裡女主角珊蒂說她不確定，男主角Jeffrey究竟是『警探還是變態』，正如同《迷魂記》的主角Scottie，而明顯地，他兩者都是。」 處處致敬高達——文藝大師王家衛的法國新浪潮情懷 「 王家衛的工作模式，讓我聯想起法國大師Godard。」 ──《我的藍莓夜》攝影指導Darius Khondji
播下不滅的樂音種子——坂本龍一的電影配樂傳奇
橫行音樂、電影圈超過四十年，配樂奇才坂本龍一的名號徹響全球。1980年代，年輕氣盛的他主演電影《俘虜》，對著日本大導演大島渚說：「配樂也請讓我來做吧！」從此開啟他悠長的配樂生涯。 片中優美動人的弦樂編寫，和迷幻的類比合成樂音，迸發出配樂的新風貌，同名主旋律〈Merry Christmas, Mr Lawrence〉更成為其著名代表作。五年後，年僅36歲的他旋即以Bernardo Bertolucci（貝托魯奇）的史詩電影《末代皇帝》，奪得奧斯卡最佳配樂。 而後，坂本龍一持續維持產量多且質量高的創作。直至四年前，被診斷出罹患咽喉癌，但仍在復健期交出《神鬼獵人》的配樂，以電子成音模擬自然聲響，映照劇裡蒼茫雪白的末世，也巧妙記錄其抗病的經歷。 踏入電影界的初體驗——《俘虜》如夢似幻的合成樂音 「雖然沒有電影配樂的製作經驗，不過我有自信，自己一定能夠做好。」——《俘虜》配樂師 坂本龍一 坂本龍一自幼開始學鋼琴，雖自稱「從沒認真練琴過」，但仍奠定深厚古典樂基礎。大學廣泛接觸流行、電子及民族音樂，曾組成前衛樂團YMO，在1980年代紅極一時。作為鍵盤手的坂本龍一，也因外型及個人魅力，被導演大島渚相中主演電影《俘虜》。 《俘虜》描繪二戰期間印尼戰俘營裡，日本軍官與英國戰俘間的衝突，片中隱晦的同性情慾，也曾在上映時引發諸多討論。最經典的一幕，莫過於David Bowie飾演的戰俘，勇於親吻坂本龍一飾演的軍官，鏡頭以慢動作呈現畫面，醞釀難以言喻的情感深度。 耗時三個月，打造「南洋味」的迷幻配樂 片中由坂本龍一編寫的配樂，也成為營造氛圍的關鍵，他向大島渚要求三個月時間，全心投入編寫配樂。考慮到故事發生於印尼，加上時間點為聖誕節，他想以爪哇島及峇里島傳統的甘美朗（Gamelan）金屬樂器聲響，運用其清脆響亮音色，模擬歐洲聖誕節的鐘聲，加入拿手的鋼琴、弦樂與電子成音，製作出鏗鏘奇美的樂音。 「（故事）隱喻了日本與西方文化的衝突，所以音樂不該和其中一邊有關。」坂本龍一說。但由於甘美朗難以演奏，因此當時僅是使用取樣器，錄下敲擊酒杯的聲響，透過合成器，製作出接近真實甘美朗樂器的音色。 臨危授命下的傑作——《末代皇帝》氣宇軒昂的中國風管弦樂 「這與我一直以來做的音樂，完全是兩個極端。」——《末代皇帝》配樂師
「映」出鏡中世界，巧妙運用鏡子的拍攝手法？
「鏡子」為電影中常見的敘事手法之一，利用鏡面的反射畫面，不僅能讓觀眾更聚焦於場景，影像上也能呈現出意想不到的效果；除此之外，有時鏡子亦作為象徵人物心理狀態的重要媒介，透過鏡子表現角色內心的壓抑與幻想，使電影別具獨特氛圍。 但你知道，電影中的鏡子是如何拍攝而成的嗎？文內將說明拍攝鏡中成像時，經常使用的攝影手法，並以多部運用鏡子拍攝場景的電影為例，分享這些電影，是如何巧妙「騙過」觀眾眼睛，達到虛實交錯的視覺呈現。 如何拍攝鏡中場景又不「穿幫」？ 為避免相機及攝影人員一同入鏡，攝影師通常會避開正對鏡子，改從偏側角度，以「反射角」拍攝。但仍要注意畫面構圖不能過於刻意，反而會顯得不自然。 而除調整拍攝角度外，部分電影也會僅利用「鏡框」，由替身演員模仿鏡中真實演員的動作，製造鏡面反射的效果，同時運鏡也能更為自由。如《殺客同萌》即是如此，直至鏡頭轉移到「以為」是鏡面那一側，才使用真正的鏡子拍攝。 電影《殺客同萌》的化妝鏡場景 另外，移軸鏡頭 (Tilt-Shift Lens) 的使用，也為拍攝鏡中影像的常用方式之一，其具調整透視功能的鏡頭設計，使相機在固定位置上也能改變構圖，進而產生視覺偏移的效果，避免鏡面反射出現相機本身，常用於商業攝影中。 而隨著電影技術發展，特效的使用日益普及，越來越多電影會利用綠幕拍攝，再後製進行合成，其表現手法更具彈性與多樣性，開創許多兼具美感與奇幻的超現實鏡頭語言，如電影《黑天鵝》即是一例。 《黑天鵝》透過鏡子揭露角色潛在人格 「鏡子是影片的主題。」 —— Dan Schrecker《黑天鵝》視覺特效總監 鏡子為《黑天鵝》中的重要符號之一，鏡中人物象徵著主角妮娜內心的黑暗面，隱喻她逐漸轉變為黑天鵝的崩壞歷程。而在拍攝鏡中場景時，攝影團隊會利用調整拍攝角度的方式，避免相機穿幫；或採用特效製作鏡中場景，營造出極其詭異的悚然氛圍。 「這部電影裡到處都是鏡子，要完成拍攝，就必須獲得乾淨的反射場景。」視覺特效總監Dan
《海邊的曼徹斯特》透過寫實明亮鏡頭，勇敢面對憂傷過往
《海邊的曼徹斯特》（Manchester by the Sea）敘述一名叫Lee的修理工人，在得知哥哥病倒後，趕回位在麻州的家鄉曼徹斯特。未料哥哥過世後，Lee成為侄子Patrick的監護人，一心只想離開曼徹斯特的Lee，其實正逃避著不願面對的過往。 導演兼監製Kenneth Lonergan將角色情緒描寫得十分細膩動人、觸動心弦，《海邊的曼徹斯特》更入圍2017奧斯卡六項大獎，並奪得最佳男主角、最佳原創劇本的殊榮。雖然通篇主題渲染著傷痛，Lonergan卻不加以假飾電影色調，盡可能採用自然光和客觀的鏡頭，創造光明面下，無處躲藏的深沈哀愁。 非線性敘事——自然流暢的交錯呈現不同時空 「如果過度剪輯，這部電影的表演精華和節奏就會大受影響。」 ——剪接師Jennifer Lame。 過去與現在交織而成的敘事手法 許多電影在講述回憶片段時，常常會運用不同的畫面顏色、影像比例或配樂等，以區別過去和現在。但《海邊的曼徹斯特》採用非線性敘事，導演Lonergan表示，他想讓片段之間無縫接軌，模糊兩個時間點的界線，以「無痕無差別」的流暢手法，交互穿插主角Lee的過往和現在。 以事件刺激，帶出回憶片段 剪接師Jennifer Lame表示，在交叉剪輯回憶與現在時，其實像是在同時訴說兩個故事。這也正是主角Lee回到曼徹斯特的體會，在處理哥哥的後事，以及面對喪父的侄子等事件，使Lee曾經的傷痛一點一滴湧上心頭，並強迫他正視自己的過往，所以對主角來說，悲傷不會因時間而減弱。 採用自然色調——調色師精準掌控真實色彩 「我們盡量將肉眼所見的畫面，真實呈現給觀眾。」——調色師Jack Lewars。
揭開人像攝影的神秘面紗，「探索攝影師的密室」課程圓滿落幕
七月工作坊「人像攝影零距離 － 探索攝影師的密室」課程圓滿落幕，楊川宏老師帶領學員離攝影之路又更近了一步。他強調，攝影是一個反覆驗證的過程，需藉由閱讀累積自己，學習用「概念」拍照。本文精要紀錄老師在當天如何談論攝影，也附上學員們在課後的回饋分享，看看他們從中獲得哪些經驗與啟發。 攝影師要具備懂得「說故事」的本領 「大家都太重視相機畫面，而沒有去觀察現場棚內的細節。」 ——攝影師 楊川宏 川宏老師向學員們推薦Richard Avedon、Tim Walker等大師的攝影集，建議他們平時養成習慣，觀察照片裡光、顏色以及人物與環境的構圖。另外，他認為，電影也可以作為平面拍攝的參考：「如果要拍攝紅、黃色系的照片，我可能就會參考《艾蜜莉的異想世界》。有時候，外國電影對影像的追求，對於你在規劃人像拍攝時也會有所幫助。」 經過參閱攝影集、電影的洗禮後，川宏老師認為，學員更可以從中學習「說故事」的本領，為拍攝人物設定情境和氛圍。但他也提到，即使事前的規劃齊全，拍攝的當下仍是最重要的：「攝影師就像廚師，下鍋那一刻才是關鍵，在現場你必須把所有包袱放下，用力的、以各種方向去拍攝。」 攝影要懂得臨機應變、反覆思索 拍攝時，光線的運用也需懂得臨機應變，川宏老師說：「燈可以有任何奇形怪狀的組裝方法，你可以創造出屬於自己的光線。」他舉例某次拍攝時，怎麼調整燈具，環境看起來還是過暗。「於是我們把一盞燈，架在地上往地面上打，以反射光源的方式，模仿自然光的效果，結果就成功了。」 「拍照讓你凝視人，把人格特質融入其中。」他於學員提問時表示，攝影不僅是操作相機，更要學會如何與被攝人物、攝影棚互動。同時，他也提及除拍照的當下外，整理自己所拍的照片，反覆思索攝影的過程，尤其重要。 「每張照片拍的時候都只是字句，整理之後或許能讓它抽出來說話，變成系列照片，它可以是散文，也可以是詩。」川宏老師說，攝影師可以從中回想拍照時的觀點和思考，進而改善自己的不足之處。「我們要更了解自己，才能以更寬廣的角度，去發現這個世界。」 工作坊學員們課後的回饋分享
翻玩「時間」的拍攝、剪輯手法，導演Bison眩目的MV影像
電子音樂新秀Bonobo，在樂音表現追求突破之餘，其MV作品也獨具創意思維。除先前介紹的「偽一鏡到底」MV〈No Reason〉外，另一首〈Kerala〉交由導演Bison執導，使用「故障剪輯法」，完美吻合影像與反覆錯落的拍點，巧妙呈現主角崩潰的心理狀態。 Bison腦海中充滿新潮怪奇的構想，擅長以特效、剪輯等手法，打破視覺時空框架，實驗唯美夢幻、奇異迷離的影像。2013年時，他與搭檔Owen Silverwood拍攝樂團London Grammar的〈Wasting My Young Years〉，以35mm黑白底片攝影，效仿《駭客任務》經典子彈鏡頭，使用625組針孔成像鏡頭，360度環繞拍攝，營造復古且神秘的氛圍。 當時刻重複又傾斜——〈Kerala〉以「故障剪輯法」製造不安感 「我喜歡『誤用』影像技術，使用它們去做一些平常不會做的事。」——MV導演Bison Bonobo的MV〈Kerala〉，描繪由《007量子危機》女星Gemma Arterton扮演的女子，處於驚惶失措的狀態，不停跌撞於公園、街道間，似乎正恐懼地逃離某項事物，只要她一睜開雙眼，影像便會不停「故障」，重複前一秒畫面。 導演Bison親自擔任剪接師，運用此種看似錯誤的剪輯手段，一方面巧妙應對曲中，重疊反覆的電子編曲，彷彿讓音符「視覺化」；另一方面，也反應主人翁的情緒，Bison說：「這個核心角色處於崩潰邊緣，無止境地陷入恐慌，已經無法辨識真偽。」 MV播出後立刻引起廣大關注，至今已累積超越700萬點閱率，也令諸多樂迷猜測，女子崩潰的原因究竟為何？但對於Bison來說，作品的意義始終開放給觀眾解讀，他更想實踐的是此種剪輯法，究竟能將影像推向何處：「你要怎麼以剪輯方式打亂影像，又要如何讓它變成嶄新、令人興奮的事物？」 當時空延展與變形——攝影結合剪輯與後製展現創意 「讓音樂與視覺同步，一直是我努力的目標。」——MV導演Bison Bison本名為Dave Bullivant，而「Bison」原為他與另一位導演Owen
那些貫徹自我風格的導演——昆汀塔倫提諾、羅貝托貝里尼、中島哲也
電影《黑色追緝令》中的暴力，對真實社會是否有間接影響？ 「我的責任不是對整個社會負責，而是對我的角色忠誠。」 ——昆汀塔倫提諾《黑色追緝令》導演 導演昆汀塔倫提諾 (Quentin Tarantino) 的作品，以諷刺題材及暴力美學聞名，極具黑色電影風格。當他因《黑色追緝令》(Pulp Fiction) 接受採訪時，被問到是否認為電影中的暴力，會間接影響真實社會中的暴力時，他的回答為： 「對我來說，這只是一部電影而已，這就是我的感受！我並不認為電影與現實社會中人們的行為，真的有緊密關聯。」昆汀舉例說明：「像是東京是我去過最安全的城市，但我所見過最暴力的電影，也是來自於那裡。」 「所以我們所見的影像，對真實社會的影響又有多大？我不知道答案是什麼，但我知道我是個好人。即使當我11歲時，我看著《日落黃沙》(The Wild Bunch) 和《激流四勇士》(Deliverance) 長大，你懂我的意思嗎？」 「因此，我的原則是，我的第一責任不是對整個社會負責，而是對我的角色忠誠。」他說：「如果你不得不停下來思考，有哪些白痴看完電影後，會做出什麼脫序行為，那你永遠也做不了任何事。」 《美麗人生》用喜劇呈現悲劇，導演對負評的回應： 「有時候只有喜劇演員，才能達到悲劇的巔峰。」 ——羅貝托貝里尼《美麗人生》導演 《美麗人生》(La
一棵大樹引發的衝突——《樹下驚魂》揭露人性的黑色喜劇
自古以來，人們遵循著「里仁為美，敦親睦鄰」的守則，相信鄰里間應該和睦相處、互相幫助。但冰島導演Hafsteinn Gunnar Sigurðsson的《樹下驚魂》（Under the Tree）卻藉著一棵樹所引發兩戶鄰居的爭執，揭開人性壓抑的一面。 導演Sigurðsson將冰島常見的社會題材，編織成縝密的故事線，透過憂鬱且低彩度的鏡頭語言，成功描繪現代人際間的疏離氛圍，劇中人物生活看似和平，內心壓抑的暴力思維其實一觸即發。《樹下驚魂》更代表冰島，角逐奧斯卡最佳外語片。 用在地題材說故事——展開壓抑的「人性」 「這是一個人們試著在社會中生存的人性故事。」 ——導演Hafsteinn Gunnar Sigurðsson。 《樹下驚魂》講述一名面臨離婚、爭奪小孩訴訟權的男子Atli，回到老家後，發現父母親家中後院種植的大樹，因為樹蔭遮擋到鄰居家的陽光，而引發的一連串衝突。 取材自冰島社會常見的爭執面 導演Sigurðsson澄清，鄰居彼此猜忌、惡言相向的劇情，並不是他自身的經驗。不過，這種鄰居間的爭執，在冰島確實極為常見。尤其在終年罕見陽光、植被稀少的冰島，因為「樹」造成的鄰里衝突不在少數，甚至會鬧上新聞。 觀察到這些社會事件，導演發覺平時衣冠楚楚的人們，都可能為了這樣的事情失去理智，而他也提出可能的因素：「也許因為『家』是神聖的，當有人對你家指指點點、提出意見時，雙方開始關係緊張，就有可能導致激烈的衝突和暴力。」 Sigurðsson認為整體劇情都與「人性」緊密相扣，在喜劇中，也能蘊藏緊張的成分。「要說《樹下驚魂》，是運用了非傳統驚悚元素的黑色喜劇也可以。」因此，《樹下驚魂》並沒有特定的類型調性，而是混合多樣的元素。 冰島式的劇情題材，全球化的核心概念 作為一部使用本地題材的冰島電影，導演Sigurðsson表示，雖然不是每個看電影的觀眾都能理解片中的社會事件，但《樹下驚魂》想要帶給觀眾的概念和啟發，卻不會受到地域所束縛。類似片中人物間的爭執，諸如國家、信仰衝突，甚至只因身邊一件小事都可能觸發。
精雕「虛擬」人工智能——《人造意識》鬼斧神工的特效與攝影
導演Alex Garland曾是《28天毀滅倒數》、《太陽浩劫》等科幻大作的編劇，在2015年首次執導電影《人造意識》，探討人工智能的倫理議題，劇情佈滿哲理、科技與人性的辯證。他與攝影及特效團隊合作，打造乾淨、極簡的影像風格，開拓新一代科幻經典。 片中的特效團隊包含「Double Negative」工作室，曾為Christopher Nolan的《全面啟動》、《星際效應》等片效力，也受《哈利波特》、漫威系列等電影青睞。在《人造意識》中，更是創造出兼具美麗與科技感的人工智能「Ava」，讓電影拿下奧斯卡「最佳視覺效果」獎，成為該獎項1998 年以來，製作成本最低的得主。 巧奪天工的智能機器人——更具「人味」的視覺特效設計 「做得少，效果更好，我們一直謹記著這點。」——Double Negative視覺特效總監 Andrew Whitehurst 《人造意識》講述神秘企業發明家Nathan，邀請公司工程師Caleb至其別墅，檢驗人工智能機器人「Ava」，測試她是否具備人類的意識與情感。編導Alex Garland形容本片時空，正發生於「現在的10分鐘後」，因此電影視覺需具備科幻感，同時奠基於真實。 機器人Ava作為電影核心，其設計佔有舉足輕重的地位，分別交由概念設計師 Jock 和Simon Gustafsson設計草圖，再由Double Negative、Milk