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世界首支24小時MV——〈Happy〉陪你整天熱舞不停歇
《神偷奶爸2》的插曲〈Happy〉，無疑是世界上最受歡迎的歌曲之一；不僅在當年橫掃多國暢銷排行榜，其官方MV在YouTube上，至今也累積超過10億的觀看次數。但你知道，紅遍大街小巷的〈Happy〉，原始版本的MV其實長達24小時嗎？ 作為世界上第一支24小時MV，〈Happy〉總共動員了400人參與演出，從早到晚，和原唱Pharrell Williams一起，在洛杉磯街頭跟著音樂起舞；此外，製作團隊還特別設計專屬的互動式網站，讓人們隨時隨地點開網頁，就能與表演者一同享受當下的歡樂氣氛。 本文將分享在〈Happy〉24小時MV幕後，製作團隊是如何發揮創意，構思並執行整個拍攝計畫，打造風靡全球的〈Happy〉熱潮！ 〈Happy〉24小時MV： 世界首支24小時MV，完整重現一天中的每個時刻 「我們直覺地意識到，這是個不可能失敗的絕佳創意。」 ——〈Happy〉創意總監Mimi Valdes 在《神偷奶爸2》中，墜入愛河的男主角Gru，踏著〈Happy〉的輕快節奏，穿梭在大街小巷間與人們共舞，整座城市彷彿也隨之感染了愛的喜悅。 起初，原唱Pharrell Williams只是想在MV裡，重現這個歡快的電影橋段，但這個想法經過導演WAFLA（We Are From LA）的創意延伸，演變成了一個更具挑戰的項目——以洛杉磯為舞台，拍攝一支長達24小時的音樂錄影帶。 「每支MV都有預算和排程的問題，但這次是個特別困難的挑戰。」製作人Jett Steiger說。由於製作團隊希望這支24小時MV，能夠完整對應一天之中的每個時刻，這意味著需要拍攝的份量不僅非常多，還得配合真正的時間去捕捉洛杉磯市景，以呈現當下的情境。 製作團隊花了許多心力進行考察，才理清必須在多少場景、於哪些時點進行拍攝，並事先取得相關的拍攝許可。整支MV的架構，最終被依小時拆解成24個部分，每個部分又以15段短片構成；場景從清晨的洛杉磯市中心出發，途經洛杉磯國際機場、銀湖、回音公園、好萊塢等地，於深夜再度回到市中心。
微距攝影展現極致細節，透視迷你英雄《蟻人》的微觀世界
「拍攝這部電影的最大挑戰，在於如何讓觀眾相信， 真的有個男人站在巨大老鼠面前、或在浴缸裡。」 —— Jake Morrison《蟻人》VFX視覺特效總監 身為漫威電影宇宙中最迷你的超級英雄，《蟻人》(Ant-Man) 憑藉著螻蟻之姿，開創了極具細節表現的另類動作場面，無論是視覺呈現還是劇情「笑」果，皆令許多影迷大開眼界。而續集電影《蟻人與黃蜂女》的上映，更是備受期待與關注。 文內將分享製作團隊，如何透過「微距攝影」(Macro shot) 手法，建構《蟻人》的微型世界，並以經典浴缸縮小場景為例，分析拍攝時的注意事項與器材選擇。讓諸位漫威粉絲們，在觀看續集電影前，能先行回顧與複習，再度踏上蟻人的「微」冒險之旅。 結合實景與特效，還原影像真實度 「怎樣才能確保特效的現實感？最好的方法是實際造景，並真正『拍攝』它們。」 —— VFX視覺特效總監 Jake Morrison 大部分的漫威電影，為呈現壯闊的奇幻場面，大多皆採以2.35:1的畫面格式拍攝；但為詮釋蟻人的特殊體型，電影則是選擇透過1.85:1比例拍攝，強化片中主角從正常人尺寸，瞬間轉化為蟻人大小時的視覺高度差異。而創造電影裡微觀世界，又是一大挑戰。 「我們參考了許多經典縮小電影，並剖析其優缺點。」視效總監Jake
全新企劃！「人像攝影零距離」攝影工作坊報名開始！
DC FILM SCHOOL 影製所 團隊，致力於將更多影視產業、攝影相關訊息傳遞給社會大眾。除撰寫國內外影視製作、攝影等優質文章，以及透過訪談，邀請業界人士分享工作經歷外，我們也推出了全新企劃，希望能與業界大師們一起，共同舉辦「工作坊」。 為使想進入產業的人們，有機會能與大師們近距離接觸，面對面、深入瞭解產業的運作與專業技術。我們將於今年暑假，舉辦專為大專院校之學生，量身打造的攝影工作坊「人像攝影零距離－探索攝影師的密室」，並邀請《美麗佳人》、《Bazaar》等時尚雜誌的御用攝影師—— 楊川宏老師 開班授課！ 課程中，川宏老師將分享他的攝影經驗，以及成為攝影師需擁有的特質，讓學員在更認識專業攝影師的工作之餘，也能培養其思考能力。 不僅如此，學員也能至川宏老師的「秘密攝影棚」進行參訪，除認識攝影棚的基本配置外，川宏老師會帶領學員，以從做中學的方式，實際操作棚內器材及燈具，並在實拍練習中，培養學員對攝影的敏銳度，親身體驗業界攝影師的工作情形。 關於攝影師 楊川宏 「我會做攝影，可能是從小就喜歡發呆跟觀察； 後來，我確實發現，光影真的是讓我很著迷的事情。」 個性爽朗、熱愛衝浪的楊川宏老師，擁有豐富的業界經歷，曾與《美麗佳人》、《Bazaar》、《Cosmopolitan》、《Brand名牌誌》、《Elle Gril》、《Man’s Uno》….等各大時尚雜誌，合作及擔任特約攝影，並於2002年成立個人攝影工作室「大川工作室」，持續嘗試創作。 藉由工作坊，川宏老師希望能將自己多年來所學、所看的觀點與想法，以薪火相傳的意念，把自己最私密的個人攝影棚，公開且傳授給學員們，並將這份喜愛攝影的心情傳遞出去。而學員更可藉由此課程的寶貴經驗，進入專業攝影棚，實際操作器材及燈具，拍攝「首張」屬於自己的棚拍作品。 而早在先前，DC FILM SCHOOL 影製所 已數次採訪過
這到底是什麼廣告？Tide創意廣告策略，跳脫你的制約思維
夕陽西下，豪華房車在山路上馳騁，這十之八九是汽車廣告，不，這是Tide洗衣精廣告。酒吧內，三兩好友談笑之間、觥籌交錯，這也是Tide洗衣精廣告。浴室中，清爽帥氣的男子滿臉刮鬍泡，手拿刮鬍刀，但這還是Tide洗衣精廣告。 P&G（寶僑）集團旗下的清潔用品公司Tide（汰漬），可說是稱霸了今年世界盃的廣告大戰。透過模仿各式商品的典型廣告，Tide用巧思和機智的策略，顛覆多數人想像的廣告型態，成功將自家產品形象植入觀眾心中。 掌握超級盃廣告型態——讓所有廣告指涉自家產品 「Tide廣告可說是稍微玩弄了觀眾的心思。」——創意總監 Javier Campopiano。 各品牌兵家必爭之地，運動賽事聚集龐大商機 超級盃是美國一年一度的美式足球冠軍賽盛事，根據調查公司ACNielsen統計，每年平均有40%到60%的超高收視率，可說是將近一半的電視收視人口，同時觀看比賽。因此，即使短短30秒廣告就需花費五百萬美元（約一億五千萬新台幣），還是有許多廠商爭相購買廣告時段，希望觸及更多的消費群眾。 作為歷史悠久的熱血運動賽事，超級盃廣告內容多半與飲食、娛樂相關，主要鎖定男性為目標客群。廣告代理商Saatchi & Saatchi NY的首席創意總監Javier Campopiano點出，超級盃廣告早已自成一個獨特文化，各廠牌除了發揮創意，專為超級盃製作廣告外，有的片商甚至會利用該時段，首映電影預告片。 不追求差異——反向思考，一把網羅其他廣告 此次Tide廣告共有 15個不同的場景片段，分別模仿不同的類型廣告，而且都是往年常見的超級盃廣告。每個片段開頭看似常見又普遍，例如：看到畫面出現一行電話號碼，以及主持人專業的模樣，自然會聯想到保險廣告，在制約的期待下，卻突然被Tide的標語打斷，原來這些都是Tide廣告巧思。 「你的概念必須確切簡單，讓所有觀眾一看就明白。」導演Traktor巧妙運用每則廣告中，都有乾淨衣物的特質，做出「只要出現無污漬的衣服，就是Tide廣告」的結論，讓人難以忘記。 洗腦式標語It’s a
大導演喜愛的攝影技巧——「推軌變焦鏡頭」製造迷幻效果
Alfred Hitchcock（希區考克）的經典《迷魂記》裡，男主角因患有懼高症，攀至高塔向下看時，畫面中的樓塔彷彿瞬間「拉長」好幾倍，因而表現他內心畏高的恐懼。這顆短短幾秒的鏡頭，其攝影機運動方式稱為「推軌變焦鏡頭」（Dolly Zoom），而因首次出現於《迷魂記》中，更有眩暈效果（Vertigo Effect）之稱。 而後，推軌變焦鏡頭經常使用於電影中，例如：《黑色追緝令》運用其手法，表現吸毒者「抽離」現實生活，讓人物在原位置，維持相同大小，畫面背景卻有「Zoom In」的效果。大導演Steven Spielberg（史蒂芬史匹柏）、Martin Scorsese（馬丁史柯西斯）也經常藉推軌變焦鏡頭，誇張表現角色心中的恐懼或驚嚇。 本篇文章，將回顧這些出現推軌變焦鏡頭的經典作品，並且簡介該技法使用上的要點，以及多位大導演們，都如何運用該技法，製造出令人留名青史的奇觀視覺。 先來看看什麼是「推軌變焦鏡頭」： 鏡頭運動大解密——「推軌鏡頭」和「變焦鏡頭」的差異 推軌、變焦與推軌變焦鏡頭的差異： 推軌變焦鏡頭當中，「推軌」和「變焦」這兩個詞，分別為兩種鏡頭運動（Shot Movement）方式。「推軌鏡頭」（Dolly Shot）代表運用台車、腳架或其他器具，朝被攝物接近或遠離的攝影技法 ，「Dolly In」即代表「推進」攝影機靠近被攝物，反之「Dolly Out」則為「拉出」。
引領《怪獸與牠們的產地》復古時尚——柯琳艾特伍服裝設計分享
「設計服裝，必須得先透徹瞭解角色。」 —— 柯琳艾特伍《怪獸與牠們的產地》服裝設計 榮獲奧斯卡最佳服裝設計的《怪獸與牠們的產地》，為哈利波特系列電影中，第一部奪得小金人的作品。其幕後功臣，為美國知名服裝設計大師—— 柯琳艾特伍 (Colleen Atwood)。 柯琳艾特伍的作品無數，所經手的電影已高達五十部以上，相當驚人。且在《怪獸與牠們的產地》之前，她也曾以電影《芝加哥》、《藝伎回憶錄》、《魔境夢遊》等作品，三度獲得奧斯卡服裝設計之殊榮，其實力不容小覷。 文內將以《怪獸與牠們的產地》為例，分享柯琳艾特伍的幕後設計過程，如實地走訪世界各地搜集材料、主要角色的服裝設計考量，以及對於服飾細節的關注等。與柯琳一起，進入20年代的戰後紐約，深入感受富含魔力的復古時尚魅力。 探究20年代的質感美學——至世界各地尋求復古素材 「我認為，就20年代來說，當時的美國服裝比歐洲更具時尚感。」 「我做的第一件事，就是去世界上每一家服裝店搜集材料。」為尋找20年代的復古服飾及配件，柯琳以洛杉磯爲起點，到世界各地旅行。並從紐約友人的收藏品中，獲取稀奇古怪的配件，累積大量且多元的美國服飾。甚至特地重讀了費茲傑羅 (F. Scott Fitzgerald) 的小說，從中找尋靈感。「我希望能呈現真正美國人的感覺。」 她還到巴黎的跳蚤市場，購買工作服及精緻晚裝；或至羅馬的古著店，找尋復古民間服飾。「有趣的是，這些服裝在不同城市的解讀方式也不盡相同，在每個地方都能在不同場所看見它們。」柯琳表示，美國認為是富裕人家的衣服，但對有些國家來說，也可能是中產階級的衣著，這些時代解讀的差異，十分有趣。 與素描藝術家的合作
《來自硫磺島的信》——深入地底戰場，以影像捕捉真實人性
「花子，我們每天都在不停地挖地。這些地洞將是我們的戰場，也是我們的葬身之處。」在暗無天日、狹長幽深的地道裡，準備投身一場不可能生還的戰爭，是種怎樣的感受？ 電影《來自硫磺島的信》，是大導演Clint Eastwood（克林伊斯威特），從日軍視角出發，描繪二戰時期慘烈的硫磺島戰役。在軍力懸殊、後援斷絕的情勢下，日本軍隊於硫磺島地底，開鑿近兩萬公尺的隧道，奉命和美軍拼死戰鬥到最後一刻。 「當你進入那些洞穴，你會站在日本人的角度，被同樣的陰影籠罩。」身為一名美國導演，Clint Eastwood試圖剝去敵人的標籤，以影像帶領觀眾走入地下戰場，挖掘埋藏在國族口號背後，最個人、最深層的人性。 重現地下戰場，用空間為故事代言 「地下坑道給了我們超乎想像的探索機會。」 ——攝影指導Tom Stern 硫磺島一役，共有兩萬兩千多名日本軍人戰死，至今仍有許多屍骨在島上長眠；對日本政府而言，硫磺島是道沉痛的歷史傷痕，並有著深重的紀念意義。種種因素，導致Clint Eastwood難以取得登島拍攝的許可，只好另尋拍攝場地。 為了重現地底的戰爭場景，劇組的場地管理（Location Manager）Steve Beimler，在美國加州的巴斯托（Barstow），找到了一處廢棄的銀礦礦山。與多數礦坑筆直的隧道不同，這座銀礦有著蜂巢式的結構，與日軍於硫磺島挖鑿的地道十分相似。 礦坑的實景拍攝，也從視覺上，為故事帶來意想之外的豐富層次。攝影指導Tom Stern表示：「坑道的空間特性，不僅打破常見的方正格局，還帶有垂直的元素，這是在人造佈景中看不到的。」 《來自硫磺島的信》裡，Clint Eastwood就經常利用這些坑道的高低錯落，安排角色的位置和動態，定位人物間的權力關係，使畫面更具戲劇張力。
忠實呈現影像的不完美——《亞特蘭大》低曝光的攝影技法
日前造成熱烈討論的MV〈This is America〉由歌手Donald Glover（又名Childish Gambino）所演唱。除了歌唱事業外，多才多藝的他，還在美國影集《亞特蘭大》（Atlanta）中自編自導自演，更奪下艾美獎最佳男主角和金球獎最佳喜劇等多項大獎。 《亞特蘭大》講述新興饒舌歌手Paper Boi，與經紀人表兄弟Earn發展事業的故事。攝影指導Christian Sprenger刻意運用鏡頭曝光不足，搭配LED燈具使用，創造影像的真實感，更把主場景——亞特蘭大城，化作主角之一，展現細膩且鮮為人知的面相。 與城市建立情感連結——同樣作為一名角色的亞特蘭大城 「『誠實』是可信的，也能讓敘事更真實、效果更好。」 ——編劇、導演Donald Glover。 以內斂穩重的方式，試圖注入獨立電影的精神 《亞特蘭大》的故事，正是發生在美國東南方喬治亞州的亞特蘭大。導演兼製作人Hiro Murai（村井浩）表示，電視上的亞特蘭大城，要不是以一種誇張、非寫實的方式，展現嘻哈與黑人文化，就是紀實類型的電視節目（Docudrama），但《亞特蘭大》的風格，更近乎為一種「內斂」的態度。 攝影指導Christian Sprenger表示：「我們希望能把獨立電影的精神與靈魂，放入到電視影集中。」Sprenger強調，這並非是想把《亞特蘭大》當獨立電影拍攝，而是想跳脫一般電視節目的基調。 「真實」是說服觀眾的最大籌碼
揭開廣告拍攝秘辛，攝影指導Art Adams解析繁複燈光設計
一名女子端坐在書桌前，腦中閃過千百種念頭，點子像老式卡通般，點亮頭頂的燈光；男子於打字機前思索，鏡頭緩緩拉近，移動至背景佈滿整齊排列、貼滿整牆的便條小紙卡；另一支影片，攝影機從高空中拍攝，張張寫滿註記的餐巾紙，如鮮花般飄散在女子身上。 這三支三十秒的短片，是美國Cisco Spark企業通訊平台的商業廣告，以極簡的情節，表達「發想點子容易，但需要一個團隊幫助你實現」的概念，藉以宣傳該平台資料共享、視訊會議的功能。然而，看似簡易的廣告背後，攝影指導Art Adams與團隊，在器材選擇、佈景陳設及燈光設計都有極多考量，才得以完成攝影流暢、構圖精美的高質感影像。 Cisco Spark的三支形象廣告： 精打細算的「攝影宅」——商業廣告的器材選擇 「在數位時代，成為一個熟悉所有攝影設備的怪咖是再好不過了。」——攝影指導 Art Adams 攝影指導Art Adams從事影像工作十餘年，過去曾參與多部電視劇、情境喜劇拍攝，近幾年轉而拍攝動態廣告，與Google、Sony、Facebook等知名品牌合作過，並且經常善用虛擬實境（Virtual Reality）、光場相機技術（Light Field Capture）等影像技能，讓作品更具新穎鮮明的視覺感。 但在Art Adams為Cisco Spark拍攝的三支形象廣告中，盡可能透過前製期，研擬拍攝腳本、選擇適當器材，並在現場與劇組場佈時，不停實驗佈景與最佳燈光位置。他表示，一顆簡單的鏡頭背後，必經許多複雜思考，才能呈現最完美的影像。