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DC 封面人物：3分鐘講堂——電影配樂師王希文
「我們這個行業大概很少，同時只做一件事情。」 王希文，大家熟悉的身份是電影配樂師，但他同時也是作曲人、編曲人、音樂製作人、舞台劇音樂總監、Studio M瘋戲樂工作室負責人，作品遍佈電影、劇場、流行音樂、廣告、動畫⋯⋯等領域。 大學畢業之後在銀行金融業工作一年，才開始決定要往音樂之路邁進，王希文老師的步伐，大步又堅定，成就了現在的他。聰明善於溝通，專業「難搞」的音樂堅持，接受現實卻依然抱有理想，就跟他的作品一樣，老齡哀愁、細膩溫柔、搖滾叛逆，都沒有一定。 早晨從咖啡開始，用創作作為一天的結束 承接的專案類型，以及擅於挑戰的音樂類型，都很多樣，因此希文一天的行程，通常被各種事務充滿，必須從切分工作階段，依序開始：文書時間、通告時間、會議時間、排練時間，然後才是創作時間⋯⋯。行政工作還包含「打預算」、「看報表」、「撰寫企劃書」、「工作室大小團務」等，與音樂非正相關的工作任務。 即使是創作，也分為「作曲」和「編曲」。希文表示：「作曲可能需要很多靈光乍現的想法，編曲可能需要技術、邏輯和理性的頭腦。」創作與非創作，理性創作與感性創作，只能自己去摸索之中的平衡。 「什麼時候是決策者，什麼時候是創作者，什麼時候是作曲， 什麼時候是製作人，什麼時候是樂手⋯⋯，我覺得都不太一樣。」 雖然不是每個配樂師的作品都得這麼「多樣」，而就希文而言，他喜愛追求不同挑戰，所以也常同時背有四、五種不同的案子。每個案子可能剛好處在不同階段，又要與他人的行程互相協調，幾乎是每兩週，就必須重新確認行程。如果要了解他的工作流程，可能要先了解他一天的日常，希文笑說：「其實滿沒有生活休閒的。」 願意嘗試更多可能，就能獲取更多養分 「好萊塢產業的線上配樂家，大多是每種風格，多少都要會運用一點， 並且常常必須處理多種不同氛圍的配樂，卻又能維持自己的個性。 我覺得我比較像走往這種術路。而我是很樂在其中的。」 悠遊於電影、紀錄片、流行音樂、劇場等不同類型作品的希文，說：「每個曲風都有自己的養分，不用分得這麼開。」每種類型的音樂，都是他養分的來源，他認為能「跨」是件很棒的事。 配樂作曲除了需要與導演合作，也會需要與樂手配合，或是錄音師、混音師⋯⋯等。希文也依據作品特性，與不同混音師、錄音師培養出一定的默契：像是現場弦樂很依賴林尚伯老師；搖滾樂器同步錄音則倚靠錢煒安老師。甚至混音部分，也依據專案特性，委託兩位老師專業處理。有時處理前衛一點的編曲，也會與黃文萱老師合作。 希文說：他相信每一個工作都有可學之處，他也會為自己設定挑戰，比方說不同的專案，使用不同樂器、甚至嘗試不同類型的音樂創作。從一把吉他到中提琴、大提琴，或是在國家戲劇院指揮搖滾樂團，甚至挑戰管弦樂團、國樂團、電子音樂、電貝斯二重奏⋯⋯等。入行十年，他不放過各種挑戰自己、挑戰音樂的可能性。
《泥沼》攝影師Rachel Morrison捕捉自然光，真實呈現種族史詩電影
Netflix 出品的改編電影《泥沼》（Mudbound），直指二戰前後期間，美國南方小鎮的生存困境，以農民、地主、軍人等小人物角度，橫跨不同種族、性別與階級，交織撼人的生命史詩。作品自去年日舞影展首映後好評不斷，更在本屆奧斯卡金像獎中獲四項提名。 其中，該片的攝影指導Rachel Morrison則改寫歷史紀錄，成為首位入圍「最佳攝影獎」的女性，近期也嘗試拍攝商業大片《黑豹》（Black Panther），也獲得普遍好評，專業能力備受矚目。她在《泥沼》開拍前，做足前製研究，在緊迫資金、時限內，完成兼具時代感以及視覺性的影像作品。 讓文字歷歷在目——將小說化為影像語言 「我真的想要找到一種影像方式，來表現這段歷史。」——攝影指導Rachel Morrison 《泥沼》改編自作家Hillary Jordan的同名小說，Rachel Morrison表示，故事顯示當時社會對女性、有色種族的偏見，在今日依然符合現實，她說：「讓人厭惡的是，改變的事居然那麼少。」借古諷今的企圖，也是她在閱讀完劇本後，立刻想為該片效力的原因之一。 為精準捕捉戰間期、二戰時的美國南方風貌，Rachel Morrison與導演Dee Rees大量研究過往攝影、圖像的作品，包含導演Les Blank拍攝的紀錄片、非裔藝術家Whitfield Lovell的人像繪畫，都是他們定調拍攝、色調風格的依據。 Rachel Morrison更強調，她受到經濟大蕭條時期，如Gordon
經典之作《鬥陣俱樂部》——從「恐懼」出發，挑戰你的視覺神經
1999年的電影《鬥陣俱樂部》，為《班傑明的奇幻旅程》《控制》《破案神探》導演David Fincher（大衛芬奇）早期代表作，其獨特敘事手法，與強烈視覺風格，皆令人印象深刻，使電影至今仍是許多影迷心目中的經典之作。 導演David Fincher以黑暗、變態心理的作品聞名，電影極具個人風格，他善於透過鏡頭語言傳遞訊息，帶領觀眾融入角色，深刻體驗故事情節，從小細節中都能發現導演的用心。如《鬥陣俱樂部》中的開場特效，即是從人類心理的「恐懼」神經帶入劇情。 文章將探討《鬥陣俱樂部》的視覺風格設計，分享精心打造的開場特效、淺景深廣角鏡頭運用、「頂光」的燈光設計，以及現實與幻想的色調差異，進入導演David Fincher的「變態」心理世界，體驗獨樹一幟的鏡頭魅力。 諷刺消費主義，小說對導演的啟發 「只有在失去一切之後，才能得到去做任何事情的自由。」——《鬥陣俱樂部》 電影改編自美國作家Chuck Palahniuk的同名小說，導演David Fincher在閱讀完小說後，笑到不能自己，他說：「誰他媽的不想看到信用卡公司被炸毀？」 拍攝廣告起家的Fincher認為，《鬥陣俱樂部》準確描述了他對廣告的看法，如劇中主角從小到大，不停被告知「如果你接受教育，找到一份好工作，擁有好的家具、汽車和衣服，就會獲得幸福」的觀念，事實上非常諷刺。 「看完小說後，我只是對自己說：『如果有人要將它製作成電影，我一定要參與其中！至少我可以把它拍成我心中最好的模樣。』」 挑戰大腦中的恐懼神經——電影片頭的視覺特效 「我們從主角大腦內的『恐懼中樞』出發。」——特效總監 Kevin Tod Haug 片中長達90秒的開場特效，其實是仿「人腦神經」設計而成，希望觀眾能進入主角扭曲的心靈之中，Fincher說：「這部電影是關於『思想』，一切都奠基於主角腦內的幻想，需要完全以他的視角來說故事。因此，我希望電影也能從『思想』出發，從第一次體驗到的恐懼情緒開始。」
《黑豹》虛構「瓦干達」文明，非洲美學顛覆傳統英雄片
2018年初登場的漫威作品《黑豹》，是漫威英雄電影系列中，首部主打以黑人為主角的超級英雄電影，已在全球累積超過4億美金票房，且持續上漲中。外媒更高度讚譽，甚至《紐約時報》影評人稱該片「與以往英雄電影不同，故事讓人印象深刻又不冗長」。 《黑豹》以虛構的非洲「瓦干達」小國為核心，講述主角T’Challa在稱王之時，如何面對內憂外患，守護這個繁盛富裕、與世隔絕的國度。導演Ryan Coogler集結三位女性——藝術指導Hannah Beachler、服裝設計Ruth E. Carter以及攝影指導Rachel Morrison，運用大量非洲傳統元素，打造結合全新美學與質感的英雄電影。 從零做起——建造偉大的瓦干達 「（製作《黑豹》）是一個偉大的時刻，而我居然身在其中。」——藝術指導Hannah Beachler 《黑豹》中的主要場景「瓦干達」，設定坐落於東非，因掌握汎合金科技而富足，但卻又鮮少與外界接觸，依然保有非洲原始的習俗文化，兼具現代及傳統元素。 「這是一個很大的挑戰，我們知道瓦干達從沒被殖民、沒經歷過奴隸制，世界上沒有太多這種地方。」藝術指導Hannah Beachler說。因此，劇組進行前製作業時，研究各地原始文化，更走訪非洲，觀察其建築、服裝、風俗、地景特色。 圓形設計——向原始文化取材 瓦干達國度中，可在皇室會議廳、實驗室、地下洞穴等地方，看見許多圓形建築、螺旋狀的構造設計。Hannah Beachler從英國著名的巨石陣、羅馬時期分送水源的圓水池，甚至南非穴居壁畫紀載的文化裡，發現這個共同點，「他們似乎都以圓形設計，來創造、或者輸送引入能源。」 這讓Hannah Beachler連想到，瓦干達擁有的汎合金，便是設定為能吸收聲波及其他震動波，轉變為動能像外發送。因此，由中心向外延伸的「圓弧型」便成為團隊打造瓦干達的共同語言。
《落日車神》低成本獨創如夢似幻的高質感美學
丹麥導演Nicolas Winding Refn在2011年推出電影《落日車神》（Drive），故事兼具清新浪漫、暗色血腥，攝影風格大膽鮮明，影像構圖唯美精準，加上Ryan Gosling、Carey Mulligan等演員精湛演出，為這部作品立下頂級的美學標竿。 該片改編自作家James Sallis的同名原著。情節描述一個孤獨的車手靠修車、做特技演員維生，而在認識鄰居Irene及其小孩後，產生特殊情感連結，生活卻也因此陷入風暴中。 接近底片效果的數位攝影 「這是個神話般的城市冒險，我希望它像格林兄弟的童話一樣神奇。」——導演Nicolas Winding Refn 導演Refn找來曾拍攝過《X戰警》（X-Men）系列、《刺激驚爆點》（The Usual Suspects）等片的攝影指導Newton Thomas Sigel，攜手利用低於1500萬美元的預算、短短7周時間，完成極高質感的影像。 故事囊括各類片型元素：愛情、動作、黑色暴力，而導演Refn與攝影指導Sigel則使用Arri當時最新發表、具底片風格的數位攝影機Alexa拍攝，統一影像樣貌。 由於Refn有色盲，故作品中偏愛使用強烈對比色。攝影指導Sigel則藉iPhone的一款仿底片相機的「Hipstamatic」app，試驗攝影機該做多少顏色校正，他說：「它可以快速更換各種鏡頭和膠卷格式，讓我實驗拍攝一系列照片，再讓導演參考電影的色調怎麼調整。」他希望能以數位攝影，達到底片電影的品質。
交織「光」與「霧」，呈現《水底情深》美麗虛幻的水下世界
「這是一部關於孤獨、愛與同情的電影。」 《水底情深》入圍本屆奧斯卡最佳影片、最佳導演、最佳攝影……等13項提名，為今年備受矚目的強力軍。電影由鬼才導演Guillermo del Toro（吉勒摩戴托羅）執導，以1962年為故事背景，講述一名啞女清潔工，戀上兩棲動物男人的故事。 《羊男的迷宮》《腥紅山莊》導演Guillermo del Toro，擅於將童話故事與恐怖元素融合，打造極具魔幻色彩的暗黑童話世界。《水底情深》亦是如此，電影中真實打造的「魚人」造型、藍綠色調的呈現，與如詩如畫般的影像畫面，皆值得探討。 文章將分享電影的創作靈感來源、怪物造型設計、鏡頭濾鏡的選用，以及如何透過「Dry for wet」（濕片乾拍）的技巧，巧妙利用燈光與煙霧，模擬虛幻美麗的水下世界，一同沉浸於《水底情深》的影像魅力之下。 深埋心中多年的期盼——《水底情深》的創作源起 「我認為這部電影非常美麗，它與我的情感聯繫在一起。」 電影的創作靈感，源自於1954年的電影《黑湖妖潭》，導演Guillermo表示，《水底情深》是他為《黑湖妖潭》想像的幸福結局。他回憶，當他於六歲時，第一次看到劇中的兩棲類生物，深深著迷的感受： 「某個星期天，當我正在看電視播放的《黑湖妖潭》時，我看見這個生物，在Julie Adams的白色泳衣下游泳，不知道為什麼，我認為那是我見過最美的畫面。我愛上了他們，希望他們可以在一起，但他們沒有。所以，我在46年後去修正這個錯誤。」 花費六年時間製作電影，「自掏腰包」真實打造怪物造型 電影從前期構思、設計角色，到實際拍攝，總共花費六年才製作完成。Guillermo甚至自費花了10萬多美元，聘僱雕塑家與藝術家團隊，在他「Bleak House」工作室設計兩棲生物造型，從素描、初步模型，到成型的生物服裝，花費兩年時間才完成。
《剪刀手愛德華》如果我有刀就不能擁抱妳——Tim Burton最私人的電影
「電影對我來說就像是一種昂貴的治療方式。」——《剪刀手愛德華》導演 Tim Burton 由Johnny Depp（強尼戴普）主演的《剪刀手愛德華》，為鬼才導演Tim Burton（提姆波頓）早期的代表作，也是開啟兩人長期合作的第一部作品。電影在講述一名半成品人造人，從與世隔絕的古堡，被帶到文明社會後，與一名女子相戀的故事。 《剪刀手愛德華》以驚人的化妝技術與美術設計聞名，不僅榮獲奧斯卡最佳化妝獎提名，也獲得英國電影學院獎最佳藝術設計等多項獎項。除了細心編排的劇情設定外，片中男主角愛德華的剪刀手形象，與精心打造的「夢幻」社區，更是深植影迷心中。 文章將分享《剪刀手愛德華》的創作源起、導演與電影間的連結、誇張的角色設計，以及美術團隊如何「真實」打造電影中的夢幻社區，帶領讀者一同進入Tim Burton的奇異狂想世界。 《剪刀手愛德華》的創作靈感，源自於導演在高中時所畫的圖畫 「我傾向於看到事物的黑暗面。」——Tim Burton Tim Burton的作品風格強烈，大多以黑暗怪誕的驚悚氛圍聞名。被稱為是電影頑童的他，有著相對封閉的童年，一心投入於繪畫之中，而《剪刀手愛德華》的靈感來源，即是他在十幾歲時所畫的圖畫。愛德華鋒利的手指無法觸碰他人，隱喻導演在青少年時期，孤獨、難以和他人溝通的寂寞心境。 「我從來沒有真正和人交心過，也沒有留下什麼朋友。總覺得人們最後都會離開我，我也不懂為什麼會有這種想法。」Burton說：「這部電影是一個關於無法被觸碰，也無法與他人正常溝通的故事。就像愛德華註定會被人們誤解一樣。」 堅持作品的原創性 其實，在拍攝《陰間大法師》(1988) 之前，Burton就先請編劇Caroline Thompson，創作《剪刀手愛德華》(1990) 的劇本了。「你們不知道的是，一開始有15位高層告訴我們，劇本該怎麼修改比較好。」Burton將這形容為「創作控制之戰」。直到獲得《蝙蝠俠》(1989) 的成功後，他才更有能力，「捍衛」自己想拍的東西，他說：「否則我不會拍這部電影。」 塑造剪刀手的經典形象
《歡迎光臨奇幻城堡》回歸底片攝影，創造冰淇淋般的童趣世界
導演Sean Baker曾以三支iPhone 5s拍攝《夜晚還年輕》（Tangerine），交出驚人代表作，去年於坎城影展公映的《歡迎光臨奇幻城堡》（The Florida Project），則再以強烈攝影風格、大膽色調應用，又一次獲得高度評價，拿下數個英美影評人協會大獎。 但這次Sean Baker回歸傳統，運用35mm底片攝影，找來曾拍過Pharrell Williams、Rihanna音樂錄影帶的攝影指導Alexis Zabe，打造絢爛繽紛、活潑生動的影像世界。 數位時代回歸底片攝影 「我曾經是那個用iPhone拍片的人，現在我想甩開他。」——導演Sean Baker 今年將滿47歲的導演Sean Baker，早前執導的數部電影在影展圈小有佳績，直到2015年拍攝首部以iPhone的長片《夜晚還年輕》，倚靠攝影器材的突破，才真正打響名號，但這樣的成功，也讓他重新省思數位攝影帶給時代的影響。 「我以一個影迷的身分，擔憂著底片電影的死亡。」Sean Baker受訪時表示，數位技術讓影像更普及化、民主化，但依然無法取代底片，「因為它永遠有種有機的質感，那是『種什麼就得什麼』的數位攝影上看不到的。」 《歡迎光臨奇幻城堡》的計畫，實則是對數位時代的反撲，Sean Baker與Alexis
DC TALKS專欄｜楊川宏——透過不同的介質轉換，呈現光質間的「灰色地帶」
繼上輯《從燈管開始淺談，平面攝影中的閃燈秘密》之後，楊川宏老師表示光線實在有太多有趣的部分可以聊了。這次他從燈管的比較，延續到「光質」的變化，與我們分享該如何藉由控制光質，讓被拍攝的人像或商品，呈現你想要的質感。 「光質間的『灰色地帶』最好玩。」 在平面攝影中，「光質」的控制會影響拍攝對象或商品本身紋理、色彩、陰影及中間調的呈現，運用不同的光質以及不同方式拍攝，呈現出的影像效果皆有所不同。 一開始我們先以「硬光」及「柔光」兩極化解釋光線差異，通常用硬光拍攝的畫面反差較大，產生的陰影輪廓較為明晰濃重，光感看起來較「硬」；相比之下，柔光則較為柔和，對比也較小，視覺呈現較平均，光感看起來較「輕柔細膩」。 但這並不完全是絕對，光質間有許多不同階層，透過不同的拍攝手法與介質運用，也是控制光質的方式之一。川宏說：「攝影不是非黑即白，介於柔硬光間的『灰色地帶』才是最有趣的部分。」 淺談光質差異，與「灰色地帶」的多樣性 對於柔硬光的差異，川宏舉例說明，若是想要刻意講求被攝體質感的話，通常會使用硬光，凸顯人像臉部細節或商品紋理，如在拍攝部分年長者人像時，用硬光拍攝更有味道。反之，青年人像可能較適合使用柔光拍攝。而，透過不同的器具運用，也能產生反差較大的柔光，這些光線的多樣性，都可以稱為是光質間的「灰色地帶」。 「光質與光比的運用是一個『相對論』。」 「光比」為影像中，亮部及暗部的比例。比例反差越大，光比也越大。而「光質」與「光比」是一種交互運用的平衡控制，要看拍攝對象或物品，以及使用的器具而定。即使是很硬的光，也能透過反光板、吸光布等介質，控制亮暗位的比例。如白色或銀色反光板可反射光源，適時補充暗部光線；黑色吸光布則可吸收、遮斷其他的光線，增加暗部濃度。 秘密配件，呈現不同質感與階調 川宏提到最近，日本朋友Akemi請他幫忙拍30歲生日照片，為了呈現高品質的細膩影像，他使用大片幅底片相機，4×5相機拍攝。由於大片幅相機拍出的影像尺寸較大，成像清晰之餘，畫面的層次感也更為細緻。 為了形塑人物立體感，拍出「柔中帶硬」的光線，川宏使用至今已經停產的BALCAR PRISMA燈罩。PRISMA燈罩，屬柔光罩的一種，但川宏解釋因其窄長造型設計，可以發散出射角較窄的光線，使影像內的中間調轉折豐富，呈現細長漂亮的畫面階調。 不同介質的運用——攝影就是多方嘗試的過程 廣義來說，通常會稱硬光為「點光源」，柔光為「面光源」，但主要還是依據光線與被攝體之間的距離而定。川宏舉例，拍攝人像時，若是把標準罩拉得很遠，相較之下，就會變成一個發光點，像太陽一樣；但相同的標準罩如果是拍攝鑽石，必須得將光源拉近，對物品來說，則相對成為「面光源」。 「運用不同介質，營造不同質感，是攝影最有趣的地方。」 在拍攝平面商品攝影時，有時就會透過「擴散器」，如：標準罩、雨傘、描圖紙……等，控制「點光源」到「面光源」間的光質差異。如拍攝金屬、珠寶類商品，由於物品本身容易反光，通常會使用描圖紙柔和光線，避免穿幫或過曝，控制反射在商品上的光線質感。有時，則是使用白色壓克力板，作為底部背景，達到反射商品倒影的效果，使商品更添層次及立體之感。 而攝影最有趣的地方，就是並不滿足於，每次只套用單一模式。川宏舉例，有一次，在拍攝鑽石商品時，原本也打算使用描圖紙來當作擴散器，控制光質，但是那次效果，怎麼樣都不滿意。所謂用心生活、用心攝影就在這時發揮功用。川宏突然靈光乍現，特地與朋友索取「手機內的擴散膜」來做拍攝使用，效果居然意外的好。