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奧斯卡提名配樂師——Carter Burwell打造電影夢幻聽覺
Carter Burwell（卡特伯威爾）儼然是近來英美電影圈的熱門配樂師，自主流電影《暮光之城》（Twilight）系列、文藝電影《因為愛你》（Carol）、以及多年來影迷奉為經典的《變腦》（Being John Malkovich）、《蘭花賊》（Adaptation.）皆可發現他的身影。 早年，他更長期和Coen Brothers（柯恩兄弟）合作多部著名作品，包含後者的首部電影《血迷宮》（Blood Simple）、《冰血暴》（Fargo）、《險路勿近》（No Country for Old Man）……等。今年，繼《因為愛你》後，他也再次以金球獎最佳影片《意外》（Three Billboards Outside Ebbing, Missouri），強勢入圍奧斯卡最佳原創配樂獎。 擅長說故事的非典型配樂師 「坦白說，替《血迷宮》配樂是個意外，當其他人也開始邀我做配樂，只能說讓我走上這條路完全是他們的錯。」——配樂師Carter Burwell
《艾蜜莉的異想世界》積累25年的生活靈感，打造奇幻夢想「巴黎」
「我喜歡尋找沒有人在意的事情，我討厭老電影裡，那些開車從來不看路的人。」 ——《艾蜜莉的異想世界》 法國經典電影《艾蜜莉的異想世界》，為《異形4》導演Jean-Pierre Jeunet（尚皮耶居內）執導。電影在上映當時風靡全法，成為年度賣座冠軍，榮獲歐洲電影獎最佳影片、最佳導演等多項獎項。而近期，數位修復版也於台灣重新上映。 電影以強烈鮮明的色彩聞名，導演透過明亮、飽和的暖色調，試圖營造積極愉悅的故事氛圍。加上適當運用廣角鏡頭，突顯人物臉部細節與特色，呈現獨樹一幟的視覺風格。文章將分享《艾蜜莉的異想世界》的創作源起、色彩與鏡頭的運用，以及美好巴黎的建造，探討Jean-Pierre Jeunet如何創造出超現實的幻想國度。 導演的轉型，從黑暗面到光明面的風格改變 「我想拍一部快樂的電影。」——Jean-Pierre Jeunet 導演Jean-Pierre Jeunet早期的作品，大多以黑暗童話為故事基調，擅長刻畫人性的陰暗面，如與Marc Caro共同執導的《黑店狂想曲》《驚異狂想曲》等。但Jeunet在拍攝完《異形4》後，才意識到自己從沒創作過快樂的電影，改變風格的想法油然而生。 Jeunet說：「人們需要振奮人心的故事，需要喜悅和光明，特別是在我們所居住的城市受到恐攻之後。」而《艾蜜莉的異想世界》是一個超現實的浪漫愛情故事，它發生在人為創造出來的完美巴黎。Jeunet認為或許這時的法國人，正需要想像力的存在來撫慰心靈。 蒐集25年的小故事與想法 「我喜歡注意生活中沒有人在意的小細節。」——《艾蜜莉的異想世界》 《艾蜜莉的異想世界》中的小故事，是從1974年就開始慢慢累積的。Jeunet表示自己平常有蒐集點子的習慣，其中有些會用在他的電影裡，比如劇中男主角尼諾，收集快相亭旁廢棄碎相片的想法。 「曾經有一段很長的時間，我會把所有的故事片段和想法，都蒐集到一個盒子裡。現在依然如此，只不過改為整理到電腦裡。這些想法不全是來自於真實生活或全憑想像，也不能強加於電影中，必須得和人物性格相符合才行。」 Jeunet整理25年來的這些想法，共有200多個小故事，花費了約兩個月的時間，創作18張草稿與分鏡。他說，他不認為這是工作，而是件很快樂的事情，非常有趣。
《大藝術家》獻給好萊塢的電影情書，黑白默片的獨特氛圍
「電影拍攝可以是一種藝術形式。」 榮獲奧斯卡最佳電影、最佳導演、最佳服裝設計……等多項獎項的《大藝術家》，由法國導演Michel Hazanavicius編導。故事背景設定為1920年代末到30年代初的好萊塢，以默片明星的沒落為劇情主軸，講述無聲電影至有聲電影的興衰歷程。 全片仿黑白默片的形式拍攝，人物間沒有對話，僅透過演員生動的演技發展劇情，並運用燈光及服裝，營造故事氛圍與塑造角色形象，搭配適當配樂扣人心弦，完美呈現默片獨特的鏡頭魅力。 《大藝術家》劇情簡單卻深具娛樂性，視覺語言值得探討。文章將分享電影創作源起、默片的拍攝規格與特色，以及燈光及服裝在默片中的重要性，重拾被遺落的經典時代記憶。 向默片時代致敬，導演對默片的不捨與熱愛 「我真的很想拍一部默片作品。」 默片的興衰如同電影般戲劇化，在1920年代末以前，大部份電影都是默片，直到1930年代初期有聲電影的興起，默片時代才正式結束。導演Michel Hazanavicius認為有聲電影的出現，使原本可能可以有更多進展的默片停滯，是件很可惜的事情。這也是他籌拍《大藝術家》的原因，想證明現代也能拍出優秀的默片作品。 「我真的很喜歡默片的表達方式。」Hazanavicius表示：「語言不是唯一的溝通方法，就如同一個嬰兒對你微笑時，那種感動是不可言喻的，我希望電影可以帶來那樣的感覺。」 編劇是最艱難的任務 由於默片沒有台詞，僅穿插字幕卡（Intertitles）交代重點對話，因此劇本的創作，必須得更精準描繪人物形象及情緒氛圍。為了更加瞭解默片的拍攝形式，導演做了很多研究，看了很多20年代的默片，花了四個月才完成。Hazanavicius表示這個過程，比執導電影還困難許多。 《大藝術家》受到許多默片作品的影響，其中又以卓别林的《城市之光》最為重要。「在寫劇本的時候，我看了不下20次的《城市之光》，每一次都讓我更加確定，拍攝這部黑白默片是非常值得且正確的決定。」Hazanavicius期盼可以透過電影，讓觀眾明白只有默片才能呈現的美好感動，是無法輕易被有聲電影給取代的。 《大藝術家》如何呈現默片的鏡頭魅力 「這是最純粹的說故事方式，你只需要創建視覺形象，不需要對話。」 雖然《大藝術家》的拍攝僅花了35天，但攝影指導Guillaume Schiffman表示在拍攝之前，他與導演Hazanavicius看了20多部電影，希望盡可能依照20、30年代的風格拍攝，在不過度引用經典的前提下，思考故事架構與拍攝手法。 底片攝影再轉為黑白色調
Greta Gerwing首部編導作品《淑女鳥 Lady Bird》——驚艷展現導演能力
瀏覽評論網站，《淑女鳥 Lady Bird》的好評遍地開花，導演是出身演員的Greta Gerwing。她不只擔任導演，也是這部電影的編劇。這部片成功地拍出了某些人青春期經歷的自溺階段，進而到面對成長的種種反思，場景更直接拉回Greta Gerwing位於美國的家鄉Sacramento。 但這並不是Greta Gerwing的自傳故事，是虛擬人物；某種程度而言，也是和女演員Saoirse Ronan共同打造的角色。同時，Saoirse Ronan因為《淑女鳥 Lady Bird》，拿下金球獎最佳影后獎座。(本文無劇透，請安心服用。) Lady Bird的角色秘密 《淑女鳥 Lady Bird》除了背景年代以及場景，是依據當年導演Greta Gerwing畢業的年份2002，以及家鄉Sacramento之外，整部電影並非自傳電影。而主角Lady Bird也完全不是導演Greta Gerwing的青年翻版。 「我不像她那麼大膽。她唯一知道的事情，就是自己是最棒的；她不會等待，她會去主動追求自己想要的東西。」——導演Greta Gerwing。
透過電影色調及場景設計，重回《午夜巴黎》的黃金時代
「沒有什麼藝術作品可以和一座城市相提並論。」——Woody Allen 導演Woody Allen（伍迪艾倫）以一年一部電影聞名，作品產量驚人且獨具個人風格。對於各國城市文化情有獨鍾的他，繼在倫敦拍攝《愛情決勝點》，以及於馬德里取景的《情遇巴塞隆納》之後，第41部長片《午夜巴黎》，是他第一部全片在巴黎拍攝的作品，被稱為是Woody Allen寫給巴黎的一封情書。 《午夜巴黎》以輕鬆愉快的步調，探討法國與美國生活選擇上的差異，並透過色調轉換及場景重現，營造不同時期巴黎的時代氛圍。文章將分享導演的創作靈感來源、暖色調鏡頭呈現，與細心考究的場景設計，一同沉浸在巴黎浪漫的鏡頭魅力下。 靈感源自於《午夜巴黎》的電影名稱 「我有把巴黎浪漫化的傾向，接近午夜的時候，當燈光亮起，一切都變得如此美妙。」 「我和所有的美國人一樣，對巴黎的了解都僅限於電影。」生長於紐約的Woody Allen表示：「直到1965年我才第一次踏上這片土地，那時的巴黎與電影如出一轍，正如我的電影《曼哈頓》所展現給世人看到的紐約一樣。」 而《午夜巴黎》的電影開頭也使用與《曼哈頓》同樣的手法，利用一幕幕的巴黎街景，從清晨到午夜，傳達下過雨後的巴黎之美。「我就是想以我的感覺呈現這座城市的樣貌，無論真實與否，這就是我眼中的巴黎。」 即使被大雨淋濕也心繫電影的導演 攝影指導Darius Khondji表示為了拍攝開場鏡頭，他們去街頭流浪取景，Woody Allen對陰天和濕路面感到高興，即使被突然傾瀉而下的大雨淋濕也毫不在意，「Woody根本不在乎我們是不是濕的，他只是沉浸在喜悅裡，因為這正是他想要電影呈現的感覺。」 透過攝影打造溫暖時代氛圍 「我希望透過相機呈現電影的溫馨氛圍。」 導演一開始想用黑白畫面呈現1920年代的鏡頭，但Darius
DC TALKS專欄｜楊川宏——從燈管開始淺談，平面攝影中的閃燈秘密
「不過光線，我還想再講。」 在上輯《談肖像攝影，畫面是來自攝影關係的成果》的最後，楊川宏老師聊到了閃燈的秘密，但這個秘密必須從「光影」開始說起。目前較專注於人像攝影的川宏老師說，他從小就喜歡觀察光線，長大以後也被電影光影、人像光影、實景光影所吸引。 關於實景光影這一點，川宏老師也跟當代攝影師Annie Leibovitz相同，並不特定專愛棚拍光影。從拍攝《滾石》雜誌照片開始的Annie Leibovitz，至今創作了為數眾多的攝影作品，作品的光線常常帶有電影感般的迷幻、美麗。剛擔任攝影師的那幾年，她也曾經租了天花板挑高的空間，來當作工作室使用（每個攝影師都夢想擁有的工作室），但後來她發現，她最喜歡的，還是「實景」拍攝的照片。 在能夠靈活運用實景光線、棚燈光線之前，還是得先學習好基本的技術。川宏老師說，所謂的「風格」，其實是所有細節的總和。攝影師一定有許多的工具，硬體、軟體等，習慣使用的工具，以及拍攝模式，就會漸漸變成一種風格。而身為助理的時候，你的「老闆」，可能也會影響你的風格。 從燈管以及使用目的開始淺談閃燈的秘密 講到習慣用的工具，川宏老師拿出棚內的閃燈，開始說明。由於川宏老師早期接觸的燈具是法國BALCAR燈具，至今仍有習慣使用的BALCAR燈具（目前已停產）。但工具是會跟著時代改變的，近年川宏老師也有使用瑞士廠牌PROFOTO的燈具。而他講起為什麼至今BALCAR的燈具，仍然非常好用，關鍵在於燈管的設計是U型燈管。 環型燈管與U型燈管的比較 「U型燈管，zoom in zoom out 可以運用的面積很大。」 部分閃燈燈頭會有zoom in/out的設計，而燈管設計跟燈頭Zoom的效果，也是可以有加乘的作用。舉例來說，Ｕ型燈管的設計，在zoom in/out的表現上，發散到燈罩上的面積會有不同的效果。 因為環形燈管的主體是在底部的環形設計，受光面積其實是固定的，就算裝了燈罩，似乎也只有「內外的差異」，只有部分面積能吃到光線。而如果是Ｕ型燈管的設計，因為燈管是突出的，所以整個燈罩都是受光面，全燈罩的面積都可以運用，所以在zoom
愛情哪有一定的公式——如果動手術就能忘記你《王牌冤家》
《王牌冤家》(Eternal Sunshine of Spotless Mind)，為著名編導Charlie Kaufman與導演Michel Gondry合作的電影作品，也是「反好萊塢戀愛公式的科幻電影」（但Kaufman並沒有預設為哪種類型）。而《王牌冤家》中文片名實在讓人費解，甚至很難想像這是一部，你應該不會只看一次的「動腦」戀愛電影。 故事的開始是「有天你在家裡信箱，收到一張卡片說，某個人已經將你從他的記憶裡刪除。」整部電影，觀眾與主角一起探索過去，思考究竟是在哪一步，就已經注定當時戀情失敗的結局。導演Michel Gondry還說過，其實他想過，放映時應該一直反覆播放，讓觀眾隨時都能來去。 對記憶也是對愛情的反思，是電影故事的起點： 曾經創作《變腦》劇本的Kaufman，對於「記憶」非常感興趣。《王牌冤家》這個劇本也在Kaufman的心中醞釀很久，久到在Christopher Nolan的《記憶拼圖》推出之後，Kaufman立馬決定放棄這個故事。他在內心焦慮大吼：「不！我不要做了！」，並且立刻打給Michel Gondry說：「不！我們不要做了！」，然後兩人再一起打給當時的導演Steve Golin說：「不！我們不要做了！」，Steve Golin非常憤怒，篤定地說：「你們會把它做下去！」於是劇本就完成了……。 一開始的故事，就是Michel Gondry的朋友想到「收到告知刪除的卡片」。Michel Gondry把這個想法拿去跟Charlie Kaufman，共同想出了一個男人的前女友把他的記憶刪除的故事，並且很順利地把它賣出去。
捕捉80年代經典電影的復古風格，一窺《怪奇物語》的懷舊科幻世界
《怪奇物語》（Stranger Things）為NETFLIX的科幻恐怖影集，由Duffer兄弟 (杜夫兄弟) ——Matt Duffer和Ross Duffer創作，以1983年的印地安那州為背景，講述一名小男孩失蹤後，隨著親友與警方不斷調查，逐漸捲入神秘事件中的故事。 系列影集充滿1980年代的懷舊風格，參考許多80年代的經典作品，如《E.T.外星人》《月光光心慌慌》等，完整呈現當時的流行文化。除了強大的美術團隊外，其驚悚劇情也是使影集受到歡迎的原因之一，劇中異次元世界「Upside Down」所營造的懸疑氛圍，更是令人印象深刻。 文章將分享Duffer兄弟的創作靈感來源、鏡頭的選用，以及劇中大魔王Demogorgon的製作，帶領觀眾更加了解《怪奇物語》的復古科幻世界。 創作靈感源自於Duffer兄弟的童年 「你的童年可以成為說故事的金礦，必須得深入挖掘。」——Duffer Brothers 《怪奇物語》是圍繞著一群魯蛇與怪胎所發生的故事，Duffer兄弟表示這與他們的成長經歷習習相關，身為雙胞胎的他們，從小就受到同儕的異樣眼光，甚至被嘲笑，他們以此為借鏡，反映在影集之中。 對電影與桌遊的熱愛 Duffer兄弟從小就對電影有興趣，小學三年級起就用父母送的Hi8錄影機來拍電影，Ross：「拍電影佔據我們童年很重要的一部份，當時我們以此為生，而現在我們試圖在《怪奇物語》中，找回那年夏天講這些故事時的那種感覺。」 除此之外，他們也是桌遊愛好者，「第一次寫《怪奇物語》的時候，我們寫的第一件事就是龍與地下城。」Matt表示：「我們大約寫了兩分鐘，因為這是我們很熟悉的東西，我們不得不回想起小時候的經驗，這種感覺非常私人，但寫起來也容易多了。」 向1980年代的經典電影致敬 「我們不是直接模仿這些電影，而是試圖捕捉那個年代的風格氛圍。」 出生於1984年的Duffer兄弟，表示自己是網路流行前的最後一代，嚴格說起來是90年代的孩子，但卻對80年代的經典作品情有獨鍾，如Steven
踏上《樂來越愛你》的逐夢之旅，交織理想與真實的復古年代
去年最受矚目的電影《樂來越愛你》，由《進擊的鼓手》導演Damien Chazelle所執導，以音樂歌舞劇的形式，講述一段關於愛情與理想的故事。雖然故事背景設定在現代，全片卻瀰漫復古情懷，除了穿插向好萊塢電影致敬的歌舞橋段外，電影也透過復古鏡頭重現經典好萊塢風格，而長鏡頭的攝影手法，更是呈現出令人歎為觀止的視覺畫面。 電影融合古典與現代元素，展現歌舞劇獨樹一幟的新穎風貌。文章將針對《樂來越愛你》的創作起源、變形鏡頭的選擇，以及電影開場在高速公路上大合舞的長鏡頭分享。 深藏六年的想法——以音樂為主軸創作的電影 「整部電影的架構和角色塑造都與音樂息息相關。」 ——Damien Chazelle《樂來越愛你》導演 對音樂情有獨鍾的Damien Chazelle本身就是個鼓手，在製作《進擊的鼓手》之前就已經完成了《樂來越愛你》的劇本。而整部電影無論是故事還是角色，都圍繞著音樂創作。他在2010年時就將電影的初稿給當時的室友，也就是《樂來越愛你》的作曲家Justin Hurwitz，兩人共同討論激盪，一人寫劇本、一人寫旋律，電影輪廓逐漸成形。 爵士樂的堅持 雖然擁有好的劇本但伯樂難尋，製作公司希望電影中的音樂可以更當代一點，比如將爵士樂修改為搖滾樂，但Chazelle認為這樣就失去了電影的初衷，直到遇見Lionsgate（獅門公司），願意讓他們拍自己想拍的東西，《樂來越愛你》才開始製作。事實證明，他們的堅持是對的。 Chazelle說：「雖然我很喜歡古典爵士樂和懷舊歌舞劇，但也需要學著接受現在的流行文化，我們必須找到讓兩者共存的方法。」如同電影中熱愛爵士樂的男主角Sebastian一樣，在新舊文化中找到一個平衡點。 逐夢城市La La Land——仿五〇年代的洛杉磯 「我想製作一部電影，向那些住在洛杉磯、追逐自己夢想的人致敬。」 電影原名《La