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底片控攝影師Bruno Delbonnel運用柔光，打造《醉鄉民謠》迷離氛圍
法國攝影指導Bruno Delbonnel以強烈視覺風格聞名，繼《艾蜜莉的異想世界》的奇幻色彩之後，他也分別以《未婚妻的漫長等待》《哈利波特：混血王子的背叛》《醉鄉民謠》榮獲奧斯卡最佳攝影提名，他拍攝的電影色調皆輕柔夢幻，形成獨樹一幟的魔幻風格。 文章將以由柯恩兄弟執導的電影《醉鄉民謠》為例，針對Bruno Delbonnel獨特的攝影習慣與方式、視覺發想，以及光線的運用進行分享。 攝影大師Bruno Delbonnel的堅持 「我不想抄襲自己，我想嘗試別的。」 ——Bruno Delbonnel《艾蜜莉的異想世界》攝影指導 因《艾蜜莉的異想世界》打開知名度的Delbonnel，時常遇到人們要求他重新創作艾蜜莉，但他表示他更想嘗試新的東西。多元創作的他幾乎每年都有新作品，拍攝靈感源自於音樂，他想像光線就像交響樂一樣，在畫面上有著不同律動。他也常看電影，並從定格的電影畫面中，研究攝影師的拍攝及打燈方式。 又是一個底片控攝影師 追求簡單的他，在拍攝時幾乎都使用相同的柯達底片、Arricam相機和廣角鏡頭Cooke S4，並在後期利用DI進行調色，《艾蜜莉的異想世界》中的驚人色彩即是如此產生的。 除了Tim Burton（提姆波頓）執導的《大眼睛》基於成本考量而使用數位攝影機拍攝外，Delbonnel的每部作品幾乎都是用底片拍攝的，他認為底片使整體畫面更能保持連續性，電影風格較為一致，視覺情緒得以延伸，在全片陰冷色調的《醉鄉民謠》中更為顯著。 塑造《醉鄉民謠》陰沉的紐約冬季 「我們想要一個充滿泥濘的紐約。」——柯恩兄弟《醉鄉民謠》導演 《醉鄉民謠》的故事背景設定於60年代的紐約，以美國民謠歌手Dave
進入《新世紀福爾摩斯》偵探世界，體驗抽絲剝繭的推理過程
「我們在想，要是能再拍一次福爾摩斯有多好玩，用現代的角度拍。」 ——史提芬・莫法特《新世紀福爾摩斯》編劇 《新世紀福爾摩斯》是BBC出品的英國犯罪影集，故事背景設定在21世紀的英國，創作者為史提芬・莫法特（Steven Moffat）與馬克・加蒂斯（Mark Gatiss），兩人皆為福爾摩斯的超級大粉絲，製作人則為史提芬的妻子蘇・維裘（Sue Vertue）。 系列影集因刺激有趣的劇情大受好評，劇中夏洛克特有的Mind Palace（思維殿堂），其視覺呈現更是令人印象深刻，透過將推理過程具現化的手法，邀請觀眾進入他的腦中一同思考，新穎破案方式獨樹一幟，完美呈現了福爾摩斯的偵探魅力。文章將分享該片的幕後發想、文字效果和運鏡剪接手法，探討《新世紀福爾摩斯》如何引起廣大迴響。 參照電影規格——將60分鐘改拍為90分鐘 「要是能照我的風格來，我才拍。」——保羅・麥格根《新世紀福爾摩斯》導演 原本《新世紀福爾摩斯》只有60分鐘的試播集，但史提芬想要呈現像電影一樣的感覺，因此蘇找來了電影導演保羅・麥格根（Paul McGuigan）掌舵，他看完劇本後表示60分鐘真的太短了，無法探究人物性格與建立風格，尤其夏洛克有很多瑣碎的怪僻和習性，需要花時間來告訴觀眾，第一集也得創造出令人嘆服的故事，因此改為90分鐘很重要。 創造不同以往的現代名偵探 「我的工作就是要讓劇本活起來，更有視覺效果。」——保羅・麥格根 保羅從小就著迷於柯南・道爾的小說，拍攝電視劇前他第一件做的事情就是複習這些故事，他不想受到之前的電影或影集影響，而是透過閱讀，自己去想像福爾摩斯的世界。 夏洛克被設定成擅長利用短訊和網路來偵查案件的人，因此會有很多需要用到手機、電腦等科技產品的場景出現，但保羅不想讓手機螢幕出現在畫面中，他認為應讓觀眾直接感受夏洛克的推理過程，這促使他與編劇們想到在螢幕上秀出文字，增加劇情張力。 將抽象思考具體形象化 「我第一個想到的是，要讓觀眾進入夏洛克的腦袋。」——保羅・麥格根
如何透過色調及構圖呈現《雲端情人》的孤寂疏離之感
榮獲奧斯卡最佳原創劇本的《雲端情人》，由《蘭花賊》導演Spike Jonze（史派克瓊斯）自編自導，這是他第一部獨立完成劇本的作品，靈感源自於十年前他在網路上讀到關於人工智慧即時通訊的文章，而有了「如果人類與意識自主的人工智慧發展出關係，會發生什麼事？」的發想，於是決定以此為基礎，發展一段科幻浪漫愛情故事。 故事背景設定在未來的洛杉磯，運用極簡畫面構圖與柔和暖色調，詮釋科技社會中的疏離感，營造憂鬱氛圍。文章將針對電影的攝影方式與場景設計，探討如何透過影像及色調，呈現片中深沉的寂寞之感。 Spike Jonze如何透過攝影呈現孤單之感 孤獨是人類普遍會產生的情緒，在由Spike Jonze所執導的《雲端情人》與《野獸冒險樂園》中可以發現，他擅長透過影像表現孤單的感覺，以下來自Studio Binder的視頻，將分析Jonze如何透過鏡頭呈現寂寞氛圍： 除了可以運用淺景深，表現人物孤立於周圍世界外，影片中表示拍攝特寫鏡頭可以放大臉部細節，突出人物情緒，讓觀眾深刻感受角色的私密情感變化，或是透過寬景鏡頭呈現人物與背景間的大小差異，使其在遼闊空間中顯得非常渺小，增添無助孤獨之感。 由於孤獨與疏離都是逐漸形成的，《雲端情人》利用美好回憶的剪接片段，對比寂寞的現實生活，如此反差令觀眾更快速投入角色的情緒中，而透過極簡的拍攝風格，也能放大人物在影像中所呈現的孤單感覺，著重「少即是多」的畫面概念。 浪漫懷舊的視覺畫面 攝影指導Hoyte van Hoytema受到日本攝影師Rinko Kawauchi（川內倫子）的啟發，開始對日常生活中的事物進行攝影研究，有助於提升電影的質感與色調。ARRI ALEXA相機可以在低光源的室內環境下拍攝，Hoytema利用它拍攝許多室內及特寫的鏡頭，如夜間的主角住宅。（註：ALEXA為ARRI的底片風格式數位攝影機系統） 35mm和50mm的高速鏡頭可以加深角色之間的親密感，而無塗層鏡頭使他捕捉到美麗的鏡頭耀斑，為電影帶來浪漫的復古色調，如片中薩曼莎第一次看到事物的經驗。 ► 延伸閱讀：透過電影色調及場景設計，重回《午夜巴黎》的黃金時代
《捍衛任務2：殺神回歸》——炫光武打攝影分享
《捍衛任務2：殺神回歸》（John Wick: Chapter 2）又是在推出第一集《捍衛任務》之後，因為反應太好而推出的系列續作，延續第一集的打鬥精神，第二集更請來拍攝過《沉默之丘》、《腥紅山莊》、《水底情深》等作品的攝影指導Dan Laustsen來為續作掌鏡，這次精彩的打鬥場面更受好評。 開場的機車追逐戲，出動電動搖臂車拍攝(Russian Arm camera car)，導演Chad Stahelski 在現場都被驚險的畫面嚇出冷汗：「機車快要撞到攝影機了！機車真的要撞到攝影機了！」 《捍衛任務2：殺神回歸》開場追逐片段： 歷時整整一年的「鏡射之房」與「艾雪樓梯」 導演Chad Stahelski表示，雖然Christopher Nola創造了寫實燈光打鬥的電影，在黑暗裡打鬥，很過癮；但他想要試試不一樣的東西，他在動作片裡把光找回來，甚至有更多的想法想玩玩看，像是在都是鏡子裡的房間打鬥。Stahelski跟其他攝影指導談過這個想法，攝影指導Dan Laustsen是第一個毫不猶豫就回他說：「這聽起來很棒啊，說不定還可以加上顏色，甚至投影牆也可以試試看。」接著Chad
穿梭自如的時間，電影與廣告的靜止時間如何表現？
以時間為主題的電影很常見，將時間暫停的手法，也一直不斷有人挑戰更創新的表現。今天想來跟大家介紹，歷年來的懷舊「創新」嘗試。 2009年由Adam Berg執導的飛利浦電視劇情廣告《Carousel》，以仿一鏡到底的暫停影格方式，巧妙呈現警察追緝假扮為小丑搶匪的劇情段落，今日看來，張力依舊。業界對於時間暫停的手法，一直陸續有不同呈現方式出現。 除了《Carousel》的「靜止時間」，今天還要跟大家分享50台canon相機捕捉高速衝浪的「子彈時間」，以及2014年《X戰警：未來昔日》的「快銀時間」。 飛利浦廣告：偽一鏡到底的警匪追逐靜止畫面 整支廣告團隊調來超過100個工作人員、電動遙臂、3大搖臂、鋼索、3個拍攝工作天、5週後製期，才將這支廣告完美呈現。Adam Berg分享，因為廣告特別想要呈現電影感，所以一開始就設定有警匪槍戰、爆破等「好萊塢製作場面」。 而小丑與警察的設定，甚至劇情設定，則參考自名導Christopher Nolan的電影《黑暗騎士》。整個廣告畫面細節豐富，看起來拍攝複雜，但其實就是「讓演員靜止，攝影機移動」而已。這也是為什麼需要能精準控制身體的演員來表演，因為他們必須在一定時間內，將身體維持在「正在動作」的姿勢。 而重複拍攝同鏡位但沒有演員的鏡頭，是讓後製團隊有素材，把演員背景的鋼絲塗掉。最後再加上寫實逼真的「爆破」特效，讓整個畫面更有張力，影像細節也讓電視商品的優秀畫質更有說服力（以2009年來說）。 50台Canon EOS-1D X仿製《駭客任務》手法拍攝而成的精彩瞬間 除了廣告《Carousel》之外，電影《駭客任務》的閃躲子彈片段，也是著名的時間靜止範例之一，而《駭客任務》更是將「子彈時間」的概念做到廣為人知的第一範例，直到現在仍有人仿效模仿當中。 2013年的相機廠牌Canon就釋出了模仿《駭客任務》手法，拍攝靜止畫面（影片4:47秒處）。來自瑞士的Doklab工作室，首次與Canon接洽詢問是否有50台機身與50顆鏡頭的時候，原本並不抱太大的期望，好險適逢遇到Canon正在為了世界田徑錦標賽做準備，已備好大量商品量。當時Doklab工作室正準備為一個瑞士節目紀錄高速衝浪的精彩瞬間，才想到要以這個手法執行。 雖然自從《駭客任務》之後，許多人一直陸續效仿這個手法，但在2013年的時候，Doklab其實是滿自豪他們又將這個手法運用在新的影像類型上面。實際在拍攝時，架設了50台EOS-1D
獨立製片攝影大師——Robby Müller極簡、極美攝影分享
「我們倆當時都沒有意識到，因為劇本裡短短兩行字，成為了我們拍攝『公路電影』的起點。」——導演Wim Wenders。 有人說，如果你想找車拍的參考資料，看Robby Müller的電影就對了，因為他幾乎把所有能拍的好看角度都拍過了。也許是誇飾，但當你看到Robby Müller掌鏡的電影畫面時，應該就會立刻被他的影像魅力給吸引住，而忘記要懷疑這句話。 Robby Müller是公路電影大師Wim Wenders（文溫德斯）長期合作夥伴，跟他一起合作的導演還有Jim Jarmusch（吉姆賈木許）、Lars von Trier（拉斯馮提爾）、 Steve McQueen（史蒂夫麥昆），大多是獨立製片的藝術導演。 當年Wim Wenders邀請他加入畢業短片製作，他們將只有2行字的劇本，拍成10分鐘的短片，這樣一拍，就愛上了公路，開啟了公路電影旅程，總共一起合作了40部左右的電影。 Jim JarmuschＸRobby
經典電影《教父》——傳奇電影背後的攝影傳奇
1972年的《教父》（The Godfather）以義大利黑手黨為題材，根據馬里奧・普佐（Mario Puzo）的同名小說改編，法蘭西斯・柯波拉（Francis Coppola）執導，縱使上映至今已然數十年，《教父》在許多人心中依然是個傳奇，不但在IMDb TOP 250名列第二，更是樹立了日後黑幫電影的典範，被譽為美國影史上最經典的電影之一。 除了經典場景與細膩的人物描寫外，《教父》獨特的拍攝方式也令人印象深刻，攝影大師戈登・威利斯（Gordon Willis）雖已離世，但他透過鏡頭所呈現的畫面語言，無疑是對電影界投入新的震撼彈，其技術也值得後人探討學習。 暗黑王子戈登・威利斯——不符合常規的攝影大師 攝影指導戈登・威利斯以擅長使用陰影和曝光不足的拍攝手法而聞名，被稱為「The Prince Of Darkness」，著名作品有《教父》三部曲、《曼哈頓》、《安妮霍爾》等，並於2009年獲得奧斯卡終身成就獎，被譽為美國有史以來最偉大的攝影師。 美國攝影協會的主席理查・克魯德（Richard Crud）表示：「戈登・威利斯的去世對攝影界是巨大的損失，他是曾經改變過電影藝術的人。在《教父》和《教父2》之前，沒有人能用那樣的方式呈現一部電影，是他改變了人們看電影的視角。」 明暗對比勾勒畫面結構——與眾不同的打燈方式 「電影是由對比所構成的，太多的黑暗或光線都無法說出這個故事。」 ——戈登・威利斯《教父》攝影指導
日本動畫奇才今敏——華麗幻想背後的大師創作
2010年日本動畫名導今敏因病逝世，留下了一封每看必哭的遺書，其中一段表明，非常遺憾還來不及把作品《夢想機械》完成，讓該部作品的「原作、腳本、角色與世界觀的設定、分鏡、印象音樂……等等所有的想法留在今敏一個人的心中。」 今敏首部作品《藍色恐懼》(Perfect Blue)，至今仍是經典的動畫作品之一，今敏的創作主題常常關於「潛意識或意識的流動」，例如幻想、夢境、時間、網路⋯⋯等，搭配精湛的影像傳達，作品往往讓人戰慄。 國外的Youtuber頻道Every Frame a Painting分析今敏的剪接，也引用今敏受訪時表示，他並未想過創作一部實拍片，因為對於動畫來說，實拍片的「剪接」太慢了，比如今敏能用6格影格，就做出實拍片10格的效果。如果你讀過今敏的著作：Kon’s Tone（簡字版：《我的造夢之路》），應該更能領悟，今敏的成就來自：製作時的許多困難以及工作人員的貢獻，才能打造今敏幻想王國。 《盜夢偵探》開場片段： 不能因為不忍心就停止要求修改或重作： 所有深諳動畫製作的人員都知道，今敏的作品就是「不可能的任務」，世界上只有今敏，才有這樣的才能與預算，做出這樣厲害程度的作品。1996年《藍色恐懼》開啟製作時，預算只有9千萬日幣（約台幣2400萬），雖然因為各種意外，讓最後作品超支，但在這樣的預算之下，今敏「監督」的功力更是發揮到最極致。 第一次原畫師們交出的稿件，總計不超過一千個鏡頭，但今敏還是下了決定，讓其中八百個鏡頭重畫。對他來說，不行的東西就是不行，尤其拜託了優秀的團隊跟他一起工作，作品也會是大家的心血，不能辜負大家努力的方式，就是必須嚴格把關，所以可能當時團隊都很害怕聽到今敏導演說：「嗯……再改一改。」 但也會遇到一直打回去重畫，都還是無法符合今敏的期待。今敏也了解再這樣下去就是「欺負人」的程度，就會把那些一直無法過關的設計，攬到自己身上，或拜託較優秀的原畫師一起修改，所以這也是為什麼今敏的作品只有他做得到。 2D動畫製作程序： 劇本 > 角色設計
《時時刻刻》由靜轉動——當文學作品改編成電影
文學作品常是影視產業的創作靈感來源，比方說，從好作品之中獲得發想，或是直接將文學改編，搬上螢幕，如《大亨小傳》、《悲慘世界》，或是今年上映的《牠》⋯⋯等。 通常文學改編成電影，多少會與原著有所差異，雖然部分改編電影會緊扣原著精神，但有時也會遇到視覺無法和文字美感互通的情況。而好的改編電影，會透過巧妙的剪接與敘述手法，同樣也能令觀眾印象深刻。（文章將有部分劇透） 《時時刻刻》預告 從小說搬上大螢幕，以電影《時時刻刻》為例 榮獲奧斯卡最佳影片、最佳改編劇本等多項獎項提名的《時時刻刻》爲文學改編的佳例之一，電影是根據作家麥可・康寧漢獲得普立茲獎和福克納文學獎的同名作品《The Hours》拍攝，編劇David Hare精心編排交錯劇情，完美演繹書中三位女人間的關係。 故事在描述不同時空裡三位女人的一天，分別是1923年正在創作《戴洛維夫人》（Mrs. Dalloway）的維吉尼亞・吳爾芙（Virginia Woolf），1951年正在讀《戴洛維夫人》的懷孕家庭主婦Laura，和2001年被形容是戴洛維夫人的Clarissa。 文學小說與劇本的差異 小說是用文字在敘述故事，但劇本卻是用文字在呈現戲劇，而戲劇遠比故事有更多的考量與限制。在創作劇本時，腦中需要思索的是「具體的畫面」，比如畫面的移動、劇中人物的動作等等，並將所有細節統整連貫，再以文字記錄成操作手冊，這就是劇本。 《The Hours》的結構形式別出心裁，小說分別以這三名女人作為章節區分，讓三者穿插出現，引導讀者感受三個不同時空的故事背景。電影則遵照小說的走向與架構，甚至突破原有限制，交叉敘述手法將人物間的關係表現得淋漓盡致。 影像切換帶領觀眾迅速融入劇情 《時時刻刻》在三段時空中透過剪接，互相呼應三位主角的想法，讓觀眾快速投入劇情當中，如電影一開始的買花事件中，就直接點出《戴洛維夫人》對於三人的意義與定位。 片中有一段吳爾芙在思考要不要殺死小說主角戴洛維夫人，而Laura也同時在思考要不要自殺，那時地板開始灌進海水將她淹沒，這場戲直接把Laura長期的心理狀態形象化，讓觀眾感受她瀕臨崩潰的抑鬱情緒，同時也能看出這本書對她們的影響與連結。 David