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《夜鶯的哭聲》殘酷再現澳洲殖民史，復古影像直擊人物內心
以《鬼敲門》打響國際知名度，導演Jennifer Kent（珍妮佛肯特）睽違四年推出驚悚鉅作《夜鶯的哭聲》，講述19世紀初的澳洲殖民地，一名遭遇英國軍官殘暴凌虐的年輕女子，在倖存之後決心深入荒郊森林，只為替死去的丈夫及小孩復仇。 本片不但觸及女性復仇、種族歧視及私刑處決等，更大膽描繪性暴力場景，令部分觀眾對此有所批評，但Kent悉心研究澳洲殖民歷史，並以古典影像呈現人物內心與森林深處的樣貌，使其依然受到多數影評人及女性觀眾讚賞，亦獲得威尼斯影展評審團特別獎。 未能正視的殖民暴行，謹慎論述歷史真相 「我真的要對主題跟故事有非常深刻的認知，才能順利完成這部電影。」——導演 Jennifer Kent 「澳洲國慶日」源於首批歐洲人抵達澳洲的日子，但對當地原住民而言，卻也是家園遭到白人入侵的開端。身為澳洲白人的導演Jennifer Kent，有感於殖民主義衍伸出的暴力問題，至今仍不斷發生在全球各地，而且澳洲政府仍不承認「澳洲國慶日」背後的不正當性，使她萌生講述家鄉殘酷歷史的念頭。 「我想我真的對發生在世界上的暴力程度感到不安。」Kent表示，由於她想要探討行使暴力所造成的後果及損失，在人物設定及故事呈現上，她選擇從受虐女性的心態出發，並以當地原住民的視角去講述，希望能以一種富有同情心的觀點創作這個故事，讓女性跟原住民能在故事裡互相理解。 注重歷史的準確性 創作劇本時，Kent除了親自研究歷史文化資料，也邀請當地原住民藝術家Jim Everett作為顧問，並在拍攝前經過當地原住民委員會及製片人審核，藉以確保片中史觀與內容能讓各方人士滿意，而Kent亦強調：「如果我沒有一個強大的原住民顧問，我不會開始講這個故事。」 此外，片中原住民語Palawa kani的再現，更是在語言專家的協助之下，讓演員Baykali Ganambarr能夠精準掌握台詞，進而貼近故事裡的角色，而他也嘆道：「語言真的非常、非常重要，因為說Palawa kani使我感到強大。」 ►延伸閱讀：電影明星精湛表演的背後——Dialect
時裝攝影大師Nick Knight的影像創作談：我認為「攝影」已死
英國時裝攝影大師Nick Knight，長年致力於當代時尚影像文化，與歌手Lady Gaga、Björk及知名服裝設計師Alexander McQueen等人皆有傳奇性的合作，在攝影、導演及影像設計等領域皆有建樹。 2000年網路興起之際，Knight率先成立時尚網站SHOWstudio，透過廣納影像創作人才，如攝影師、設計師與模特兒等，發揚時裝電影（Fashion Film）的創作形式，致力於開發不同媒介的影像表現手法。 文內將介紹Knight如何踏上時裝攝影之路，並在迎接網路時代後，積極應用跨媒體、數位後製及電影攝製等技術，徹底革新陳舊思維，讓「影像創作」概念成為自身的創作精神，亦使自己不再侷限於單一的攝影工作。 放棄從醫之路，思考時裝攝影本質 「攝影是興趣，也是樂趣，它是我求學生涯裡唯一的技術專長。」 大學以前，Nick Knight原本想要成為一名醫師，但在對學科失去興趣之後，他為了替心儀的女孩拍照，於17歲時開始接觸攝影創作。幾年後，Knight畢業於伯恩茅斯藝術大學攝影系，隨即以「光頭黨」為題材發行攝影集，並開始接案拍攝歌手、演員等人的肖像照，逐漸受到時裝攝影界關注。 28歲那年，Knight與日本時裝設計師山本耀司合作拍攝時裝照，他發現山本的服裝作品雖然不刻意暴露模特兒的性感部位，卻能以極為美麗且詩意的設計手法呈現性別特色，讓人看見到純粹的身體之美，而山本也指示Knight：「讓我看見我的想像。」促使他更深層地思考時裝攝影的本質。 嘗試挑戰「美麗」的定義 「我的目標一直是要突破美麗跟不美麗的界線。」Knight表示，由於他對「美」沒有個人定義，因此總是非常渴望顛覆主流媒體推崇的美感。例如，1990年代Knight為模特兒Sophie Dahl拍攝的作品，即是打破苗條身形代表美麗的既定印象，使豐腴身材也能夠展現獨到的美感。 勇於打破「攝影」的成見 「攝影師不是沒有感覺、沒有觀點的機器，他們是一群說故事的人。」Knight解釋，大多數人都期望攝影能夠呈現真實，但他認為攝影應該帶領我們接觸平常無法體驗的情感，令攝影師能夠在決定鏡頭、燈光等變因時，展現自己的所思所想。因此，當影像修圖、合成等技術出現時，Knight反而對攝影有更多的想像，並樂於接受電腦科技所帶來的改變。 ►延伸閱讀：GUCCI御用攝影師拍廣告，以電影為靈感捕捉時裝魅力
《噩夢輓歌》暈眩鏡頭怎麼拍？解析3種少為人知的攝影技巧
為了追求更多元的視覺效果，電影創作者們很早就開始利用推軌、搖臂等技巧，以攝影器材創造成熟的影像語言，而近幾十年的電影美學及技術發展，更令創作者們陸續開發新穎器材，展現驚人的畫面呈現。本文將介紹三種近年常見的拍攝技巧，帶領讀者認識這些獨特的攝影方式。 迷惑不安的心理狀態，「SnorriCam」拍出暈眩感 「SnorriCam」是一種攝影裝備，其特色在於將支架安裝於演員腰部或胸前，使攝影機裝上支架後，能夠固定鏡頭跟演員之間的距離、高度及位置，令四周場景隨著演員移動而變化，呈現角色迷失於現實的狀態。 雖然這種拍攝技法的歷史悠久，但直到兩位冰島攝影師Snorri Bros開發設備後，它才有正式名稱，而導演Darren Aronofsky、Martin Scorsese等人，皆曾透過這種鏡頭，刻劃人物恍惚、混亂的精神狀態，例如《噩夢輓歌》、《殘酷大街》等。 若無SnorriCam，可以用木板、PVC管等材料自製，或利用皮帶將三腳架固定在演員身上，創造類似鏡位。另外，安裝在支架上的攝影機除了要盡量輕便，也最好選用廣角或標準鏡頭，避免畫面太緊或支架穿幫。 展現強大的未知力量，《屍變》巧妙運用「Shaky Cam」 「Shaky Cam」顧名思義，是一種以「晃動畫面」為特色的手持攝影技巧，因為畫面呈現較為凌亂，有著強烈的動態感，通常用以暗示拍攝過程未經排練，藉此表現紀錄片般的真實感。 然而，由於「Shaky Cam」的運鏡方式不穩定，不但容易導致觀影時出現暈眩症狀，許多攝影師也都對此不以為然，直到1981年導演Sam Raimi拍攝《屍變》後，該技巧才開始獲得重視。（《屍變》影片0:41處開始） 為了展現片中的邪靈視角，Raimi決定打造低成本手持穩定器，並將攝影機安裝在長木板上，令兩名劇組人員各執一邊，快速奔跑穿過樹林，最終不僅塑造出強大未知的力量，方法更受到廣泛沿用。 演員親自掌鏡POV鏡頭，《鬼病院：靈異直播》以「GoPro」拍攝 七大恐怖禁地之一「昆池岩精神病院」，自1996年倒閉後便頻傳各種傳言，包括42名病患集體自殺，以及院長對病患進行慘不人道的人體實驗與強暴等，相當駭人，而《鬼病院：靈異直播》即是以此地取材拍攝。
《王牌冤家》攝影指導Ellen Kuras拍攝秘訣分享：「別當個混蛋！」
作為美國電影攝影師協會（ASC）為數不多的女性成員之一，攝影指導 Ellen Kuras 長年致力於獨立電影、紀錄片、MV與廣告等影視作品中，她以電影《王牌冤家》聞名，曾與 Michel Gondry，Spike Lee，Sam Mendes 等多位知名導演合作，更曾於日舞影展三度獲獎，這是史無前例的佳績。 但真正讓 Ellen Kuras 脫穎而出的，而是她對工作的態度。Kuras 非常重視團隊精神，懂得聆聽每個人的聲音。2017 年，她更於翠貝卡電影節的大師工作坊中，與新銳導演和攝影指導們，分享了成功的關鍵。 每顆鏡頭都有意義，視覺必須忠實反映電影的含義 「別太拘泥於形式與工具，以至於忘了你原本想說的事。」
《原鑽》底片攝影窺見紐約鑽石區，電子配樂深化驚悚剪接手法
犯罪驚悚片《原鑽》，由導演Safdie Brothers（沙夫戴兄弟）執導，講述沉迷賭博、負債累累的紐約珠寶商，為了以估價100萬美金的蛋白石還債，被迫四處奔波，與不同危險分子談判周旋，最後逐漸被慾望所吞噬。 透過35mm底片攝影、驚悚片剪輯節奏，以及迷幻電子配樂等，《原鑽》成功捕捉紐約鑽石區的紛擾與騷動，並且完美襯托演員Adam Sandler（亞當山德勒）的選角及表演，令本片不僅獲得許多影評人協會的肯定，也成為製片商A24迄今票房最高的電影。 近十年詳細田野調查，大膽啟用演員Adam Sandler 「我們的目標是讓觀眾看見人物特別之處，並且愛上他們。」——導演 Benny Safdie 「我曾開玩笑說，我們應該要到70歲才能拍出這部電影。」導演Benny Safdie表示，本片故事發想於2010年，受到父親在鑽石區工作啟發，他跟哥哥Josh兩人耗費近十年時間進行田野調查，深入刻劃人物跟事件的合理性，而且幾乎每六個月就重新編寫一次劇本，力求劇本與當代現實接軌。 「通常初稿是充滿想像力的，但你必須把確切素材寫進劇本，並在大量研究資料裡，篩選出可以拍攝的內容。」導演Josh Safdie解釋，為了使故事更可信，兄弟倆除了親自走訪鑽石區的複雜生態，也試著投入體育博弈活動，深刻體會資本主義世界的虛幻與脆弱，最終寫出將近160頁的劇本定稿。 選角Adam Sandler的理由 有鑑於本片的珠寶商主角Howard Ratner，是一個必須被觀眾喜愛的無賴賭鬼，而且他的台詞會一再遭到打斷，非常考驗演員的個人魅力與表演功底，令Safdie Brothers毫無懸念想到喜劇演員Adam
新冠病毒疫情過後，好萊塢電影產業可能會發生哪些變化？
「如果你遇到颶風侵襲或演員身亡，電影史會告訴你解決方式，但是沒有人知道該怎麼面對這次的瘟疫。」——《永不屈服》監製 Matthew Baer 2020年，新冠病毒肆虐全球，為了避免疫情擴散，3月初開始就有許多影展、電影獎或院線片等，紛紛宣布延期或取消，製片廠亦不斷推遲工作進度，或暫停拍攝計畫，導致全球電影工業幾乎陷入停擺，大量劇組人員因此失業，觀眾也不敢光顧影院，嚴重衝擊電影產業。 儘管疫情尚未平息，但主力電影產業的好萊塢，卻正在嘗試復工，並透過調整人力調度、拍攝方式與發行管道等，試圖兼顧安全及效率，找到最適合「後疫情時代」工作模式，而好萊塢未來的製片策略，也可能就此開始改變。 現場大量節省人力，未來可能允許在家工作 「實施更嚴格的安全措施絕對是必要的，但老實說，只有隔離措施能夠確保百分之百安全。」——《小丑》化妝師 Nicki Ledermann 由於疫情擴散，好萊塢電影產業的停工狀態，預估已經造成近20萬人失業，對電影從業人員的生計造成極大衝擊，像是《失控救援》藝術指導Blair Barnette就曾在3月中旬時，於同一天內連續失去四份工作，她驚呼：「我真的立刻無預警遭到解雇，而且再也沒有錢進到我的戶頭。」 因此，當拍攝工作有機會恢復時，製片人不得不嚴格控制片場環境，除了發放口罩、手套、洗手液，以及一次性用品之外，也規定拍片現場不得聚集超過百人，並安排醫護定時監測劇組人員的健康狀況，而《小丑》化妝師Nicki Ledermann亦建議，所有工會都應該掌握會員們的健康狀況，避免停工危機再次出現。 在家工作減少接觸機會 雖然拍片現場有著嚴格的安全措施，但許多劇組已經開始避免演員有不必要的肢體接觸，並利用攝影借位、合成影像等方式，拉開演員之間的表演距離，而《猛毒》視覺特效總監Douglas Larmour也認為，未來片場很可能會限制人員的互動方式或穿搭衣著，並加速遠端作業流程，開放後製人員在家工作。 此外，受到航空業停擺的影響，許多跨國、跨地區的主創團隊，被迫開始改用線上視訊會議，卻反而增加工作效率，並達到節能減碳的效果。不過，這種沒有親身面對面的交流過程，也受到不少業內人士批評，像是《黑色聖誕節》導演Sophia Takal即表示：「我認為講求效率足以摧毀藝術，但人與人之間的關係正在助長這個訴求。」
迷幻斑斕的影像美學，嘻哈MV導演Shomi Patwary突破創意思維
來自孟加拉的導演Shomi Patwary，自從八歲移民美國之後，就開始著迷於嘻哈文化，並對MV創作充滿興趣。隨後，他透過汲取影視文化與生活觀察，不僅自學影片拍攝技巧，跟歌手Beyonce、The Weeknd及A$AP Rocky等人合作，亦榮獲各項大獎，打造出多部觀看次數破億的MV作品。 在競爭激烈的導演市場裡，Patwary除了憑藉對嘻哈文化的熱愛，以游擊式電影製作（Guerilla Filmmaking）創造獨特影像，他也不斷嘗試各類風格，努力在自己的作品裡做出變化，期許讓更多人看見嘻哈音樂的魅力。 跨國跨領域的學習歷程，獲得肯定的初次執導 「我認為我是剛好在對的時間抵達對的地方。」 1990年，導演Shomi Patwary隨著家人移民到美國東岸，由於同時接受到家鄉寶萊塢文化以及美國嘻哈文化的薰陶，他察覺到視覺美學的豐富多樣性，進而對影像創作產生興趣。於是在高中畢業後，Patwary原本計畫就讀電影科系，但因為遭遇父母反對，他只好選讀資工系，學習網頁設計和程式語言。 大學期間，Patwary與朋友創辦多媒體公司Illusive Media，除了設計嘻哈音樂的專輯封面，也同時包辦設計專輯網頁、拍攝幕後花絮等工作，開啟日後他與更多音樂人合作的機緣；然而，當時Patwary並未計畫成為導演，他仍抱持著純粹熱愛MV跟電影的心態，持續在業界摸索適合自己的職位。 誤打誤撞成為MV導演 由於沒接受過正規電影教育，Patwary一直都不確定自己能否勝任導演職位，直到他偶然受託為嘻哈團體Clipse拍攝MV〈Doorman〉，並在沒有製作預算、專業團隊的情況下，以攝影機Panasonic HVX200初試啼聲，而其成果不僅受到團員們讚賞，更立即與他簽約下個案子，正式開啟他的導演生涯。 「比起創作內容，創作態度更能幫助你走得遠。」Patwary表示，為了成為職業導演，他除了積極培養團隊，希望工作夥伴能夠像家人一樣相處之外，也深入研究規畫預算的技巧，使自己不論面對預算30美元或60000美元的案子，都能夠準備適當的拍攝企畫，利用有限成本製作高品質影片。 迷幻抽象的游擊式創作風格 「我之所以選擇這份工作是因為我熱愛嘻哈。」
具有「電影感」的3種攝影鏡位——大特寫、大遠景與七分身鏡頭
你或許聽過近景、中景與遠景等攝影鏡位，但隨著取景距離、角度改變，攝影師能夠不斷創造新的鏡頭語言，利用它們訴說更精采的情感和故事。本文將針對大特寫、大遠景與七分身鏡頭，介紹這些特殊鏡位的影像意涵。 「大特寫」加強細節描繪與情感張力 「大特寫」又稱Italian shot，其特色是刻意將被攝物放大至整個銀幕，使觀眾近距離觀看演員特定部位，例如眼睛、嘴巴等，感受親密的情感交流，或近距離觀察特定細微之處，強迫觀眾注意重要細節。 影史留名的「大特寫」運用，首推導演塞吉歐李昂尼的《黃昏三鏢客》。透過捕捉演員眼神的移動，以及快速切換畫面的敘事節奏，他成功營造對峙時刻，展現大特寫帶來的強烈情緒。 如今，像是導演大衛芬奇、昆汀塔倫提諾，以及戴倫艾洛諾夫斯基等人，都是「大特寫」的愛好者，而不少電影創作者也常以此作為B-Roll、插入鏡頭或建立鏡頭等的素材，藉以加強影片的情感張力。 「大遠景」透過描繪環境凸顯角色處境 「大遠景」是一種著重於描繪環境的取景方式，其特色在於大範圍拍攝場景空間，令角色幾乎消失於畫面裡，觀眾也恍若置身於電影之中，非常適合作為「建立鏡頭」（Establishing Shot）。 除了當作「建立鏡頭」，該鏡頭也能夠描繪大場面，或表現角色與環境的關係，使角色看起來既渺小、無助又不重要；因此，像是西部片、戰爭片或災難片等注重環境的電影，皆可常見「大遠景」。 雖然「大遠景」用途有限，但仍有創作者能藉此發揮創意。例如《畢業生》結尾處，導演Mike Nichols即透過「大遠景」，凸顯主角與教堂內所有人對峙的處境，為接下來的衝突預留伏筆。 「七分身鏡頭」拍出氣勢十足的英雄氣場 「七分身鏡頭」是一種比全景小、比中景大的取景方式，其特色在於拍攝位置常與臀部齊高，藉以捕捉演員頭部至膝蓋區域，令觀眾能在近距離內，清楚看見人物的神情與周遭狀況。 由於「七分身鏡頭」常見於1930-40年代的美國西部片，其主角多是牛仔或槍手，故此取景方式又被稱作Cowboy Shot或American Shot，透過展示其腰間上的槍枝或刀劍，呈現人物的攻擊性。 有趣的是，這種鏡頭大多攝於英雄角色，當觀眾看見人類最脆弱的部位——腹部及臀部，卻又看見他們的堅定神情時，往往能夠感受到他們的信心，進而相信角色擁有強大能力。
恐怖電影常見光法：如何透過燈光營造角色邪惡形象？
拍攝電影時，為表現劇中角色的邪惡形象，製作團隊除了以面具、特效化妝等方式呈現怪異外觀外，也經常會透過「燈光」的變化，模糊或扭曲人物臉部，使其看起來更詭異，營造出駭人的恐怖氛圍。 資深攝影師 Rubidium Wu 分享了恐怖電影常見的幾種照明方法，透過這些光影技術，更能呈現角色的邪惡外觀： 底光：從臉部底部由下往上照明 頂光：從頂部照明，在臉部創造出宛如「骷髏」的效果 剪影：在拍攝對象身後照明，使他們完全處於陰影中 喚醒內心的恐懼—— 非人化、死亡和扭曲 「恐懼是人最自然的本能之一。我們害怕我們不了解的東西。」—— Brogan O’Callaghan 《Shadows in Horror Films: Fear