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原來電影中的打鬥聲音這樣來！拆解拳擊、嘔吐等音效設計
如果將電影中的打鬥場景音拿掉，影像看起來可能就沒那麼有力度，也無法深刻地讓觀眾感覺到「痛」。而這些讓觀眾身臨其境的打鬥聲音，一般來說會由擬音師（Foley Artist）依據畫面，配合人物動作或物品磨擦等，後製出幾可亂真的聲音。 而在錄製打鬥的聲音時，或許逛一趟超市，就能從中找到適合的素材，幫你完成骨折、受傷等音效。本文亦將拆解武器、戰爭等擬音方法，帶領大家了解擬音師如何發揮創意，從生活中取材設計聲音，以及過程中需要注意的音效細節。 善用蔬果食材，成就拳打腳踢音效聲 「打鬥過程中會產生許多聲音，而我所要做的事，就是將這些聲音發揮到極致。」——《宿怨》擬音師 Shaun Brennan 電影中的打鬥聲，往往不是來自真實的現場音，通常於後期由擬音師錄製許多素材，堆疊合成的音效，比如拳頭揍人的聲音，就結合了拳頭擊掌、手套擊掌及揍泡過水的皮革製毛巾等音效，另外揍肉排也能創造近似揍臉頰的聲音效果。 而飛踢踹人聲，可由鞋子拍打大腿產生；若想增強踢擊力度，則可藉在空中揮舞長木棍，模擬腳劃破空氣的聲音。另外，打鬥時產生的衣服摩擦聲，也可透過反穿外套，跟隨劇中手臂動作，拍打自己而仿造。 至於「痛感」該如何呈現？擬音師Shaun Brennan分享其秘笈，若想製造骨折聲，擰轉或折斷芹菜，會是很棒的選擇；粉碎西瓜則能模擬爆頭聲。即使看不到影像中慘痛模樣，光聽聲音就令人感到疼痛萬分！ ► 延伸閱讀：電影中的巨龍怎麼叫？揭秘《侏羅紀公園》《哥吉拉》等聲音設計 武器聲音錄製，聚焦人物的戰場錄音方法 「此刻的音樂滂薄，我們就以音樂為主呈現，當配樂趨靜，我們就確保有足夠多的聲音細節可以呈現。」——《冰與火之歌》聲音剪輯師 Tim Kimmel 刀劍聲如何錄製？《宿怨》擬音師Shaun Brennan解釋，一般會選用菜刀、鐵鎚、鍋鏟等金屬製物品，藉由互相摩擦與敲打，製造利刃相互撞擊的聲音，另外搭配細長木棍，也能模擬劃破空氣聲，以增加力道感。
聖誕廣告締造電影質感影像，以創意巧思傳遞暖心故事
一年一度聖誕佳節到來之際，各家廣告公司相繼推出創意影片，儼然成為一場耶誕創意盛宴。本文精選2019年度四部具電影質感的聖誕廣告，分別由不同製作公司規劃拍攝，除了從中體會故事價值與商品置入手法外，內文也將為您細緻剖析其幕後拍攝方法，一同感受溫馨獨特的聖誕氛圍。 《Nicholas The Sweep》狄更斯版的聖誕起源，盛夏拍出酷寒冬季 「聖誕節廣告很少主打推銷特定產品， 反倒為了讓你感受某種意義，常以講述好故事的形式出現。」 ——廣告《Nicholas The Sweep》導演 Ninian Doff 「很瘋狂的是，現在所有主流報紙都在寫聖誕節廣告新聞，它儼然已為文化的一部分。」導演Ninian Doff表示，每年到聖誕佳節，歐美國家就會推出許多創意廣告，試圖以引人入勝的故事打動觀眾，甚至不少廣告公司都會提早半年至一年準備聖誕廣告。 英國超市公司Sainsbury’s即在半年之前，就找上製作公司Pulse，著手規劃宛如英國作家狄更斯版聖誕老人的起源故事，並在羅馬尼亞盛夏35度的高溫，打造冰天雪地的世界；演員亦須著冬季服裝，在炙熱的天氣中演出，Doff表示：「我們實際上有一件特殊的涼感背心，演員可以穿在衣服下面，避免他們熱到發燙。」 打造維多利亞時代的倫敦 「我們在羅馬尼亞找到適合的外景，其為維多利亞時代、英格蘭古老土地、狂野西部與波士頓的奇妙融合！」Doff說明，藝術總監Jon Henson在當地建造維多利亞時代的倫敦街道及所有道具，Doff表示：「他（Jon Henson）也提醒工作人員，那時代的倫敦道路有多泥濘。」為此運了好幾噸的泥漿到拍攝場地，復刻時代街景。
擬音不是全部！金獎團隊奇奕果創辦人蔣震道談音效設計
《星際大戰》導演盧卡斯曾說：「聲音佔了電影的一半」。他認為應該花大量的時間和精力在聲音上面，誰能夠想像《星際大戰》的光劍在揮動時沒有聲音呢？ 在這個一支手機、一個音效剪輯 app 就能簡單做聲音的時代，「聲音」像是得來速唾手可得。但「聲音設計」真的有這麼簡單嗎？為了讓更多人能夠更認識台灣的聲音專業，加點音樂這次前往拜訪業界都尊稱一聲「道哥」，曾榮獲第 50 屆、第 51 屆金鐘獎最佳音效獎、經驗豐富的聲音製作團隊——奇奕果有限公司的創辦人蔣震道，來跟大家分享聲音設計業的面貌。 背後的腦袋，成就細節的差異 隨著技術進步快速、入行門檻下降，影視工作要上手變得很容易，但要變成專業可沒這麼簡單。現在剪接軟體也可以放入音樂，下載音效、混音輸出，不了解的人總會懷疑這樣還需要錄音師來做嗎？ 「很多人不了解我們到底在做什麼。」道哥笑著說，即使自己的哥哥也曾問：「這套軟體我一下就會了，有什麼好做的？」或常被問「這音效是用什麼軟體做的？」但大家都問錯問題了，軟體只是基本工具，設計方式才是真功夫。聲音這行上手容易，進階卻非常難，得經過很長一段時間的技術養成與大量的歷練，而這一切都是「背後的腦袋」。 「一個影片的聲音設計要考慮的細節眾多，根據劇情、剪輯、影像的色調與特效等等，都是考量聲音要如何呈現的因素。光是低音要擺在前面還後面、哪一段音量要怎麼微調，光這些就有很多做法了。」一個專業的聲音設計師，一看到畫面，腦袋裡會有許多設計方式，即使同樣程度的音效師，做出來都會有不同的感覺。 即使像混音工作，看似只是調大小聲、輸出，但以廣告為例，要上片的要經過播帶製作成 -10db 的音量水平，沒有經過混音（mixing）處理的影片，去做播帶就是會聽起來怪怪的，甚至會直接被退播帶，就像蓋台廣告聲音聽起來總是怪怪的，這就是沒有經過良好混音的最好例子。「剪接軟體雖然可以做，但剪接師沒有這樣專業設備，你要他去混音，對他來講是個折磨，對錄音師來說就是種瞧不起，如果只是調大小聲這麼簡單，就不會有這個行業了。」 ► 延伸閱讀：聲音設計怎麼玩？短片《The Sound
《愛爾蘭人》挑戰返老特效，以數位攝影仿懷舊底片質感
《愛爾蘭人》改編自美國前調查員查爾斯布朗特，於2004年發表的回憶錄《聽說你刷房子了》（I Heard You Paint Houses），該書記載黑手黨殺手法蘭克希蘭的生平，他坦承曾為布法利諾犯罪家族工作的罪行，以及當年的工會領導人吉米霍法失蹤的原因。 大導演Martin Scorsese拾起題材，歷經十年多的開發地獄，確認這部橫跨半世紀的電影，其回春特效足以信服後，才同意執導本片，此外電影更透過攝影與配樂，表現不同時期的差異，細膩詮釋各個時代的影像質感。 橫跨半個世紀，以復古底片質感劃分年代 「唯有將同幅影像並排觀看時，你才能意識到底片質感差異。但當你看電影時， 你不會像是『喔，這是底片Ektachrome，當然就是60年代！』的反應。」 ——《愛爾蘭人》攝影指導 Rodrigo Prieto 論起攝影指導Rodrigo Prieto，他曾擔任過李安《斷背山》、《色戒》的攝影指導，亦與導演Martin Scorsese合作拍攝《華爾街之狼》與《沈默》，兩人長年合作培養出的絕佳默契，更促使他們一同締造史詩犯罪電影《愛爾蘭人》。 以回顧黑幫職業殺手法蘭克·希蘭（Frank “The
聲音設計怎麼玩？短片《The Sound of Skateboarding》幕後分享
2019年3月，以色列拍攝團隊Bonamaze發布短片《The Sound of Skateboarding》，該片長雖然不超過60秒，卻使用超過650種聲音素材製作，並搭配自創音樂，生動呈現滑板運動的力量及韻律，令人嘖嘖稱奇。 本文將介紹Bonamaze的作品風格，以及該短片現場拍攝和聲音設計的技巧，看他們如何與傳奇滑板好手Tony Hawk配合，在街頭蒐集可用的影像或音效，並耗費近3個月的時間，打造這支充滿特色的創意短片。 《The Sound of Skateboarding》 從演奏樂手到拍片導演，創造獨特影片類型 「我們都是導演，也都是音樂家。」——導演 Bonamaze Bonamaze是一對善於結合聲音、音樂及影像的創作搭檔，他們過去曾製作可口可樂、M&M巧克力等商業廣告；其中，成員Gilad Avnat主要負責編導，另一人Stav Nahum則負責剪接、後製及聲音編輯。此外，兩人都是打擊樂的好手。 原本，他們只是負責現場演奏的樂手，直到2013年到美國參加影音互動展覽後，才開始對影片製作感興趣。之後，兩人便以Bonamaze為名，開始在商業廣告圈大展身手，並在累積作品及製片經驗後，將這部他們構思4年之久，以「滑板」為主角的短片，與滑板選手Tony Hawk一同完成。
《魔鬼終結者》開啟詹姆斯卡麥隆執導之路，成就科幻驚悚經典
說起大導演James Cameron（詹姆斯卡麥隆），你腦海中浮現的第一部電影是什麼？是曾經締造影史最佳票房紀錄的《阿凡達》、淒美愛情史詩《鐵達尼號》，還是口碑極佳的經典科幻續集《異形2》？ 其實Cameron偉大的執導生涯，是奠基於更早的那部，描述未來的生化人殺手，追殺男女主角的科幻驚悚片《魔鬼終結者》。趁著新作《魔鬼終結者：黑暗宿命》熱映之際，本文將帶領讀者回顧原始故事發想、演員選擇，以及當時令人歎為觀止的實體特效。 高燒後的靈光乍現，誕生了魔鬼生化人 「我認為是因為單純、生猛且驚悚，造就了這部作品」 ——《魔鬼終結者》導演 James Cameron 受到當時首部星戰電影《星際大戰四部曲：曙光乍現》的激勵，非相關科系畢業、本著興趣與熱情，埋首圖書館自學電影製作的James Cameron，決定辭掉原先開卡車的工作，毅然前往專拍低成本電影的「B級片教父」Roger Corman底下，擔任微縮模型師與助理製片，同時也接觸美術設計與特效處理，展開了其「多工」的電影生涯。 很快地，Cameron有了首執導筒的機會，儘管那根本是個荒謬至極的經驗。《食人魚2：繁殖》原導演因理念不合而離開，他從特效指導被趕鴨子上架接任導演，卻又因故被製片開除，前後執導不過五天，待在劇組僅兩個多禮拜。 ► 延伸閱讀：《異形》暗藏的「性隱喻」？科幻恐怖經典的幕後秘辛 《食人魚2：繁殖》影碟版封面。不管是劇情內容還是電影風格，都很不Cameron 「我只執導那部片一點點，所以我一點也不認為那算是我的處女作。」Cameron表示，製作人甚至不將他的名字拿掉，只為了讓電影順利發行，因此這部片「幾乎」成為他初試啼聲的一場惡夢。 「惡夢是重要的商業資產，至少我這麼認為。」 ——導演 James
遊戲《返校》配樂師張衞帆講座分享：找到你對音樂的詮釋方法
「幕後做的事」系列課程尾聲，邀請到了遊戲《返校》配樂師張衞帆，與我們分享他的經歷、配樂師對自我的價值思考，以及如何從角色本身切入觀點，以最適宜的配樂詮釋劇情，甚至再創更深一層意涵；另外，他也鼓勵新鮮人不要盲目拼比高下，而是先透徹了解自己，投入音符演奏的世界中，尋覓其獨特性，譜出屬於自我的樂法。 用心體察生命重量，從日常中汲取音樂養分 「我認為音樂家最大的不可取代性，就是你的經歷。 重要的是你曾經愛過、放棄過什麼，而不是多高招的技巧。」 大學畢業後才正式開始學習音樂技法，張衞帆的起步相較許多人來得晚，但面對人生他總是全力以待，就像他最喜歡的棒球運動般，每一次丟球，都在追求突破上一次的紀錄。剛入行時，他收入不甚穩定，還得兼職吉他老師，而後逐步踏入電視劇配樂、獨立遊戲製作，歷經十年餘的配樂生涯，才終於找到屬於自己的音樂風格。 儘管沒有受正規訓練，但張衞帆仍強調基礎的重要：「為什麽和聲學這麼重要？不見得是學會「做」，而是你聽不聽得出俗氣或高雅，並分辨得出其中的微妙差別。」他也警醒新鮮人，不要盲目追逐技巧，「事實上只要認真生活，積累自己的人生經歷，你的音樂就一定會進步。」張衞帆坦言，若是只專注於技巧，反而可能止步不前，失去自己的特色。 在配樂創作上，張衞帆除了以自身經歷挖掘深層內心外，他亦強調培養多元閱覽的習慣，更能使自己透過不同觀點詮釋作品。他以電影《關原之戰》為例，片中德川家康叛變奪權的關鍵戰役，其配樂不站在任何一方，僅強調勝利的喜悅或戰敗的哀傷，如同上帝視角般，漠視一切自私與疾苦：「《關原之戰》 的音樂大部分都不寫表面情緒，它是沒有顏色的配樂，以非常殘酷的曲調呈現。」 建立音樂觀點，深入觀眾的情感神經 「配樂家的生活很硬，你要不斷地推翻東西、不斷地重寫； 找到自己的語法與解釋方法，才能做出不一樣的音樂。」 不少電影公司，成立版權音樂資料庫，有的資料庫音樂甚至能根據不同樂器，逐一拆解後，再進而搭配成新的音樂，面對創作革新的發展，若配樂師只苦心鑽研技術，不另尋求個人特色，恐怕將舉步維艱。 即便資料庫讓人可以更輕鬆地完成影像配樂，但若沒有配樂師的專業判斷，音樂可能僅流於表面，張衞帆亦道：「當客戶給參考音樂，而配樂師能夠給出不同觀點的建議時，那才是配樂師的價值所在，哪怕他的判斷是這個畫面不需要音樂。」每次接到新的案子，他都會仔細研擬故事，從中剖析角色間的複雜情感，試圖創作出契合情境的音樂。 「配樂比畫面更能進到人的潛意識裡，它是看不到，卻能掌握人們心境的東西。」張衞帆解釋，相較於影像，人們對於聲音的詮釋是更直觀的，在同段畫面中，以悲傷的音樂為主體，但是又賦予它絕望或憤怒的元素，觀眾亦會產生截然不同的感受。 「作曲家或製作人會反問自己，我要這段音樂的目的是什麼？ 而不是看到戰鬥，就理所當然地配上戰鬥音樂。」 張衞帆舉例，在動作遊戲《地獄之刃》中，面對逝去的男友，女主角決定提著男友頭顱，踏上愛人的復活之旅。她一路上歷經重重關卡，其中戰鬥時的音樂，不同於一般強調急促、緊張的氛圍，而是不倚賴配樂，只保留當下的打鬥音效，他解釋：「不是畫面寫什麼，你就給什麼，重點是你要用哪個角度去看它，是孤單，還是戰鬥。」 不過，電視劇的配樂並不一定適合此方法，反而較側重畫面當下直觀情緒，張衞帆說明：「電視劇的配樂更要即時反應，因為觀眾可能會跳著看，但電影就可以慢慢醞釀。」
《星際救援》穿越星系的英雄旅程，攝影、特效呈現真實太空
入圍2019年威尼斯影展主競賽的《星際救援》，講述一名太空人被指派前往太陽系邊際，尋找他同為太空人，卻失蹤二十多年的父親。不同於一般科幻冒險片，導演James Gray（詹姆士葛雷）透過真實的科學理論，深刻描繪近未來的太空世界，並從中探討英雄、父子關係等議題。 本文將介紹導演創作本片的理念，攝影描繪星球環境、低重力狀態的技巧，以及美術、特效呈現月球場景的設計，看這部被觀眾評價為「太空版《現代啟示錄》」的作品，如何營造出極其深沉、細膩的電影質感。 透過「英雄旅程」探討人類野心與父子情結 「如果外星生命如此豐富，為什麼我們從未得到任何回音？」——《星際救援》導演 James Gray 導演James Gray表示，根據著名的「費米悖論」（Fermi paradox），他利用神話學家Joseph Campbell的「英雄旅程」理論，創作近似史詩《奧德賽》Telemachus尋找父親的故事，試圖討論人類野心與生活之間的關係：「英雄或許是成功的，但總是要付出代價。」 雖然有人認為本片與《現代啟示錄》、《2001太空漫遊》有著類似概念，但其實Gray多半是透過觀看6、70年代的前衛電影，找尋影像表現上的靈感，而片中的父子情結，亦是他在前作《失落之城》即欲探討的問題，他解釋：「我們都對父親與兒子所代表的意涵，預設了一系列人類文明裡的定義。」 ► 延伸閱讀：《登月先鋒》真實還原太空任務，底片攝影呈現偉人私密情感 色彩反映主角心境，特殊攝影拍出月球景象 「不同於以往我參與過的許多電影，這次我們有一條非常清楚的時間線連結所有的光影設計。」——《星際救援》攝影指導 Hoyte van
《樂來越愛你》捕捉絢爛天光，6個訣竅拍出電影「魔幻時刻」
光線是成就攝影的關鍵要素，大自然更是最神奇的光影魔術師。隨著太陽升落的角度改變，日光質地亦會產生各種變化；而出現在日出與日落之際、絢爛柔和的天光，更是許多創作者亟欲捕捉的「魔幻時刻」（Magic Hour）。 本文將分享《樂來越愛你》幕後，劇組是如何與日光賽跑，把握轉瞬即逝的「魔幻時刻」，完成片中經典的雙人共舞場景。另於文末整理6個注意事項，作為拍攝「魔幻時刻」的參考和指引。 一鏡到底捕捉魔幻時刻，成就《樂來越愛你》經典場景 「這一幕必須於『魔幻時刻』拍攝，意味著一切得在20分鐘內完成。」 ——《樂來越愛你》攝影指導 Linus Sandgren Emma Stone與Ryan Gosling，在冷暖色調交錯的天色籠罩下，以洛杉磯市景為舞台翩翩起舞，是《樂來越愛你》影迷心中難以忘懷的經典場面之一；而要完成長達6分鐘、一鏡到底的雙人舞鏡頭，必須經過縝密的事前規劃，特別是當一天之中，劇組僅有20分鐘的拍攝機會。 「我們必須預先排練每件事，並在時機到來時放手一搏。」攝影指導Linus Sandgren說。演員在開拍前三個月，就與編舞家Mandy Moore反覆排練舞步，並得在正式拍攝時，克服取景地Griffith Park坑窪的傾斜山坡；此外，為讓一鏡到底能真實呈現，劇組更動用起重機搭載攝影機，於現場進行多次演練。 Linus Sandgren透露：「起重機必須執行27個不同的標記點，演員們也必須按照標記點走位。」而根據當時的日照條件，洛杉磯的魔幻時刻只發生於傍晚7點20分至7點40分之間，劇組須在20分鐘內拍攝完成，歷經反覆嘗試後，直到拍攝進行至第二天，才成功捕捉到電影中的畫面。 《樂來越愛你》山坡雙人舞片段：