如果你喜歡動作電影，每年必追新一集的《不可能的任務》，看Ethan Hunt如何再度以身肉搏、熱血打鬥；更不會錯失《神鬼認證》、《捍衛任務》系列，觀賞Jason Bourne在晃動鏡頭間奮力武打，看John Wick於炫光中大開殺戒；對《福爾摩斯》、《瘋狂麥斯》，以快速剪輯結合聲效，創造的現代動作片經典搏鬥戲難以忘懷。

你可曾好奇，究竟如何拍出一場帥氣、專業的打鬥戲？本文將從三大要點：介紹編排動作的必備須知、攝影時的手法，以及剪輯上的小撇步，並引經據典，從上述的好萊塢經典動作片，解析動作指導、攝影指導和剪輯師的創意與巧思，一次次翻出武打電影的新層次。

如「舞蹈」般的動作編排——必備條件與安全須知

「電影裡的功夫武打，都是因觀眾而『戲劇化』後的武打。」
——《追殺比爾》《駭客任務》動作指導 袁和平

1、挑選體能佳、肢體協調的演員

多數動作戲以「假打」為主，因此不論是兩人、多人以上打鬥，演員皆需展現流暢的動作、並與對戲演出者能良好配合，多會要求演員的體力及肢體的協調性，以免訓練、拍攝時，對演員自身及其餘人員造成傷害。

進入劇組後，也必須由動作指導及訓練員，進行演員的體能、打鬥鍛鍊。演員Matt Deman演出《神鬼認證》時，便接受三個月的拳擊、菲律賓武術訓練，他曾說：「電影裡的武打，時常更像編舞，每個人都知道將發生什麼事。」雖許多演員如Matt Deman願意親自演出，但動作指導仍需考量武打的危險性，評估部分場景是否應由特技演員上陣。

2、依據角色與故事，設定打鬥的基調

角色的性格與狀態，也能藉由動作設計顯現，《不可能的任務：全面瓦解》中，便以廁所打鬥戲，揭示主角Ethan與新特務August的差異。動作指導Wade Eastwood解釋：「Ethan並不想打架，但他卻必須完成任務、處理情況。」因此設計多以手臂防禦動作，面對敵人反擊；August則有更多如過肩摔等主動的動作，藉此顯現人物的高大體魄，以及潛在危險性。

打鬥的設計，更可因故事風格有所調整。《福爾摩斯》呈現盛行於19世紀的巴頓術（Bartitsu）時，由於導演Guy Ritchie的拍攝手法更具「現代感」，因此動作指導Richard Ryan融合中國武術、巴西柔道及劍術，打破時代框架。

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3、打鬥應保持的距離以及安全策略

編排「假打」動作戲時，若演員有揮拳、踢腿等接觸時，多建議保持15公分以上的距離，以確保安全。《捍衛任務》特技演員Anthony Vincent更表示：「讓打鬥場景發揮作用的，常是接受拳頭的人，而不是揮拳者。」使得場面更逼真的關鍵，反而在於遭襲擊的人，如何做出「被打中」的效果。

劇組實拍前，可讓演員放慢50%速度進行動作，藉此培養情緒、熟悉走位，再於每次排練時漸漸增快速度。團隊間，更可共同約定一個「字詞」，當有人在打鬥過程感到不舒適時，立即大聲喊出。（Wikihow網站建議，不要使用真實打鬥中可能出現的字眼，如：Stop，盡可能採取更有辨識性的詞彙。）

如何以攝影掩飾「假打」——手持、多角度拍攝

「我們花了很多時間排練、觀察，確認攝影機在正確的位置、時間出現。」
——《捍衛任務2：殺神回歸》攝影指導 Dan Laustsen

1、手持攝影遮掩「假打」痕跡

動作片常使用手持攝影拍攝，鏡頭的晃動感，不僅得以營造緊繃、具張力的氛圍，更可以手持的運鏡，遮掩「假打的痕跡」。例如：揮拳者背對鏡頭，從左至右揮拳，攝影機可跟隨動作，輕微向右水平搖動，讓畫面些微模糊，並帶有打鬥的動態感。

韓國電影《惡女》拍攝「摩托車打鬥戲」時，運用體型較小的機種，同樣採取手持攝影拍攝，讓「濺血」效果更加真實。導演鄭秉吉認為，手持運鏡更能製造臨場感：「讓觀眾感覺攝影機與演員同在，彷彿現實生活一般。」

2、採多角度、多機拍攝打鬥

即使劇組僅有單機拍攝，劇組仍會從四、五個角度取景，多次拍攝同場打鬥戲，剪輯時得以取捨穿幫鏡頭，使場面更加緊湊。Tomorrow’s Filmmakers指出，打鬥戲多欲呈現混亂、紛雜的氛圍，因此鏡位有時可不需符合180度角原則（180-degree rule）；拍攝角度也需預先規劃，而非實拍時才判斷鏡位是否適切，避免過長的拍攝時間，造成演員疲累。

若經費充足，多機拍攝也是另一選擇。《神鬼認證：傑森包恩》攝影指導Barry Ackroyd採取三或四機捕捉畫面，依場景和攝影機操作員討論，靈活更換長焦、短焦鏡頭以及穩定器的使用。他說：「我們的構圖都有些微差異，成為導演的雙眼，詮釋他想要的畫面。」

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3、攝影機閃避走位標記、安全措施

拍攝時，多會貼示走位標記，提醒演員位置，也讓他們維持在安全範圍內、避免受傷。若攝影機會拍攝至地板，則可在排練時貼標記、實拍再移除，幫助演員記憶走位；場景內若有護墊等安全設施，攝影機操作員可隨演員動作跟拍，或拍攝特寫鏡位，避免鏡頭穿幫。

案外案：《捍衛任務2》、《極凍之城》

部分創作者，則選擇與上述相反的手法拍攝。例如：特技演員出身的Chad Stahelski執導《捍衛任務2》時，認為手持、特寫鏡頭會阻礙觀眾欣賞打鬥，便以廣角鏡頭、定鏡拍攝。攝影指導Dan Laustsen說：「晃動感的鏡頭依然可行，但我們希望廣泛地拍攝......讓觀眾感覺到，演員們正進行真實的特技演出。」

同為特技演員的導演David Leitch，拍攝《極凍之城》時，更設計七分鐘的打鬥長鏡頭。他說：「我們可以體驗到角色的身體，是如何備受折磨。」然而，劇組並非一鏡到底，而是連續拍攝多顆鏡頭，最終由其中的40顆經後製結合而成。攝影指導Jonathan Sela說，這在技術上極難達成：「意味著前後連接的鏡頭，必須以相同角度、動態感移動。」

《極凍之城》樓梯打鬥部分：

剪輯加強場面的緊湊感——快剪、跟隨動作及十字景框原則

「我總是以第一人稱視角，進入這個古怪、有趣的故事，
讓我更加接近角色。」
——《神鬼認證：最後通牒》剪輯師 Christopher Rouse

1、快速剪輯保持場面動態感

除動作編排、攝影運鏡外，依靠剪輯時快速切換畫面，展現不同角度的素材，亦可讓動作場面維持鮮活的動態感。最具代表性的為《神鬼認證》系列，當年的第三集《神鬼認證：最後通牒》即以繁複、獨具魅力的快剪，拿下奧斯卡最佳剪輯獎。

由於打鬥素材多為現場抓拍，數量極為龐大，剪輯師Christopher Rouse去蕪存菁，維持手持攝影混亂、瘋狂的風格，並表示剪輯時，他的原則即是「自主角Bourne的觀點出發」。他說：「Bourne始終在移動，因此我們（剪輯）的風格也從未安定。」

2、Cutting on Action 掩飾剪輯痕跡

剪輯中，另有一種技法稱為「Cutting on Action」，亦即隨演員的動作轉變，持續切換鏡頭，讓觀眾的焦點關注於角色，較不易注意到剪輯，能「看似」流暢串聯畫面，同時也能遮掩「假打」的痕跡，廣泛運用於動作電影中。

例如：《紳士密令》中，兩位主角的武打場景，自角色Illya將對手Napoleon推進廁所隔間，直到打鬥結束、離開隔間的30秒間，共剪進約莫20顆鏡頭，但因運用「Cutting on Action」技法，緊隨演員動作切換畫面，令觀看時幾乎不會留意到剪輯。

3、十字景框，讓畫面中角色保持清晰

快速剪輯打鬥場面，雖可增強影像的變化性，但畫面切換過快，也容易造成觀眾看不清楚角色及其動作變化。此時，更應追求「十字景框」（Crosshair Framing）原則，意指裁切調整畫面，讓重要視覺元素留在中心。

若在構思分鏡、現場拍攝時，即可將主體置於中心，剪接時也能更方便。《瘋狂麥斯：憤怒道》捕捉武打畫面時，便多將人物置於中心，剪輯師Margaret Sixel再少量調整構圖框架：「這像是一種精巧、平衡影像的藝術。」即便加快部分鏡頭速率，也不會令內容混亂，觀眾在畫面切換時，仍可清楚辨識重點。

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「我盡可能運用僅有的資源和時間，試圖讓劇本、拍攝和剪接，更精準地呈現。」
——《神鬼認證》2、3、5集導演Paul Greengrass

打鬥場景需依靠整個團隊成就，除前述所參與的人員外，後期階段的音效剪輯、混音，甚至特效部門，皆十分重要。《極凍之城》特技指導Sam Hargrave說：「你需要每一分鐘都投入其中，只有在每個人團結、並在同一水平上，才有可能完成。」

文字：黃鈞浩｜來源：wikihow, bartitsu, indiewire, movieweb, mpaa, premiumbeat, slashgear, british, indiewire, pond5, businessinside, variety, studiodaily, provideocoalition, jonnyelwyn｜圖片來源：indiewire, collider, collider, pond5